viernes, 31 de mayo de 2013

EXPOSICIÓN DE JAVIER JIMÉNEZ SÁNCHEZ-DALP EN LA CASA DE LOS PISA (GRANADA)

DIARIO DE LA ESPERANZA
 
Autor: Javier Jiménez Sánchez-Dalp. Título : África a bolígrafo. Lugar: Casa de los Pisa. Fecha: Hasta el día 15 de junio.
 
Un rico diario de viaje es descrito en las piezas expuestas, bastando sólo la imagen para relatar paisajes y personas, sus vidas y esperanzas.
Javier Jiménez Sánchez-Dalp es un arquitecto que colabora con la Orden Hospitalaria de San Juan de Dios, que en un viaje profesional por África abre sus sentidos para empaparse del entorno, centrando la mirada en los habitantes de las tierras visitadas, resaltando sus rostros, los ojos abiertos que nos comunican cómo son sus experiencias, el entorno cálido, seco y luminoso sobre el que se asientan.
El pintor nos transmite mil historias, que conjuntadas cuentan la dureza de la existencia en la cual están sumidas las personas, que protagonizan sus historias, y la fuerza de la esperanza, en una lucha optimista marcada por la inocencia en la  mirada.
Líneas azules resumen en su tonalidad la fuerza de la pureza, en un mundo difícil vencido por la esperanza. El color resume estas sensaciones, iniciadas en la impresión primera de la sencillez trasmitida por el uso del bolígrafo como paleta única. J.Jiménez Sánchez-Dalp comunica muy bien sus impresiones a través de un dibujo limpio, preciso, impactante y rico en matices, desechando aquellos superfluos, yendo a la economía de líneas, concentrándose únicamente en los rasgos esenciales.
Por la ligereza comunicativa, la rotundidad del trazo y conclusión de las formas, J.J Jiménez Sánchez-Dalp transforma el diario gráfico expuesto en obra de arte, que inquieta y mueve conciencias, ante el diálogo descompensado entre la abundancia pesimista y la escasez repleta de vitalidad. Posee sensibilidad en la configuración del dibujo, surgiendo formas suaves, rostros agraciados y alegres. La persona es el centro del trabajo mostrado, reflejando en cada pieza el triunfo de la humanidad. Es detallista en las formas, fiel a la realidad, y hábil a la hora de expresar el mensaje propuesto.
 


 


jueves, 30 de mayo de 2013

RECORDANDO A CLAUDIO


Autor: Claudio Sánchez Muros. Título: La poesía del diseño. Lugar: Palacio de la Madraza. Fecha: Hasta el 29 de mayo.

 
El trabajo del desaparecido ilustrador Claudio Sánchez Muros se expone en Granada. En la exposición donde se muestra, podrá el visitante contemplar el amplio abanico técnico usado por el autor en sus producciones, denotando la gran capacidad plástica para trasmitir la idea central de cada pieza, a través de una imagen concisa, sujeta a la precisión del relato, claro, brillante y rico en sugerencias. Siendo a la vez atractivo, facilitando la comunicación del mensaje contenido en sus obras.
Sean collages, técnicas mixtas, dibujos, grabados, oleos... siempre superaba el contenido de la función primera de la ilustración, para convertir en expresión artística el producto elaborado. En las obras presentes en la Sala, no todas constituyen piezas de encargos, sino que existen otras donde el autor desarrollaba su espíritu crítico y rebelde, exponiendo sus puntos de vista. En todas alimentaba un entramado intelectual, donde descansaba la memoria de su testimonio personal y anhelo de libertad.
Las obras mostradas poseen dinamismo, nervio expresivo, fulgor en las formas, que las convierten en elementos rompedores de la  mirada rutinaria. Por ello su lenguaje plástico es incisivo, cortante, y no por ello a veces alegre y desenfadado. En algunos collages se traduce movimiento y musicalidad en el orden estructurado de sus componentes.
 Claudio Sánchez Muros controlaba los tiempos cromáticos, cuya intensidad modulada convertía en emociones, otras veces en espacio de sosiego o reflexión, salvo cuando descarnaba la composición toda para dejar patente el mensaje que había que transmitir. Su campo de acción fue amplio, por lo que no es fácil acotarlo en las piezas expuestas, mas sí son suficientes para que el espectador aprecie el talento del ilustrador, su sensibilidad artística e inteligencia plástica. Más no se puede decir de este genial creador granadino.
 
 
 













 

viernes, 24 de mayo de 2013

EXPOSICIÓN DE GABRIEL RAMOS EN ARRABAL Y CÍA


EL SECRETO ESTÁ EN LAS TELAS


Autor: Gabriel Ramos. Título: Entretelas. Lugar: Espacio de Arte Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 31 de mayo.Publicado el 23 de mayo de 2013, en Ideal de Granada.
La creatividad en el arte no encuentra fronteras en los medios de expresión utilizados. El artista estructura las formas, combina las tonalidades para organizar un relato visual claro, limpio de elementos innecesarios, ágil al entendimiento y original en su contenido.
Estos principios básicos son los que se desarrollan en la obra de Gabriel Ramos, profesor de la Escuela de Artes y Oficios de Granada, que demuestra su buen hacer en la propuesta plástica montada en esta galería.
El trabajo mostrado es singular, desarrollado espacialmente dentro de un orden oportuno y racional, que ayuda a una contemplación sin interferencias de otros elementos de la exposición, y si acaso existieran para potenciar la tensión cromática generada en su confrontación. Las piezas pequeñas son dispuestas en la pared como partes interdependientes, para configurar una escala de colores que disputan entre sí su lugar en el conjunto.
Gabriel Ramos elabora piezas de formato original, que trasciende el rectángulo para resumirse en cilindros vítreos, donde la materialidad del color es expresada en tejidos de distinta textura y tonalidad. Estas telas se retuercen en su interior, en un chasquido nervioso, para simular un cinetismo ondulado, expresión del cromatismo vibrante que muestra su fuerza. El color danza, comunica y contacta con el observador.  El autor nos hace reflexionar sobre el uso de los tejidos, su representación como soporte de coloridos impresos, que combinados generan una mirada armoniosa, siendo el uso del vestido una representación artística portada por nosotros. Ahonda en la relación entre el mundo de la moda y la pintura, sustituyendo los cuadros, y la paleta, por las telas.
La obra de Gabriel Ramos posee un intenso pensamiento plástico, que profundiza en el campo de la investigación de nuevas formas de abordar la imagen. Consigue su objetivo utilizando materiales sencillos, pobres, restos que se presentan como destellos del glamuroso mundo del diseño. Lo combina  todo  de forma ingeniosa, para crear piezas de gran calado estético. Su obra es distinta a lo acostumbrado e interesante de tener en cuenta.

















jueves, 23 de mayo de 2013

EXPOSICIÓN DE GABRIEL MORENO EN LA GALERÍA CARTEL.


ÉSA QUE TIENE INTENSIDAD EN LA MIRADA

 Autor: Gabriel Moreno. Título: Gabriel Moreno Women. Lugar: Galería Cartel. Fecha: Hasta el 28 de mayo. Publicado en Ideal el día 22 de mayo de 2013.

Sensualidad, frescura y misterio, se encierran en los espacios de silencio enmarcados. Esta es la idea primera que surge al contemplar la obra de Gabriel Moreno, ilustrador de gran prestigio internacional, cuyos trabajos se han visto reflejados en  publicaciones como The Wall Street Journal, Men´s Health Magazine, o The Times Magazine. En  Fiat, Coca Cola, Nike, Mahou, su huella personal, en forma de ilustración, ha estado presente. En 2007 fue seleccionado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración, por la revista londinense Computer Arts.

La propuesta mostrada en esta Sala es de poderoso dinamismo visual, intensa en la retina, desarrollada en el papel con soltura, en líneas que surgen vigorosas para diluirse en su trayecto, dejando un rastro sublimado en su conclusión, como sueño que surge tras contemplar el rostro contenido en la pieza.

Las ilustraciones que elabora el autor son producto de distintas técnicas, desde la tradicional del lápiz de grafito, hasta el diseño digital, pasando por la acuarela y aguafuertes. Todo se conjunta y engarza, para expresar la forma definitiva trasportada al papel. El artista utiliza cualquier medio, material o técnica, para conseguir configurar la imagen atrapada, pensada y elevada a la categoría de símbolo, donde se resumen todas en sí, siendo cada una portadora de un segmento del brillo contenido en el ideal perseguido, plenitud gozosa de la perfecta belleza, que busca en los rostros de las mujeres que en las piezas están. Todas componen un atisbo de la imagen soñada,  símbolo y camino hacia estados trascendentes que superan la materialidad. El autor dice, cuando se refiere al modelo de mujer retratada que “ No tiene que ser la más atractiva o la más guapa, o la que tenga los ojos más bonitos sino simplemente, ese tipo de chica en el que te fijas por la calle, ya sea por guapa, por interesante o cualquier motivo que por suerte rara vez es explicable”, o como también declara en otras ocasiones, pinta a “ésa que tiene intensidad en la mirada y un toque dulce”.

En su obra el contorno de las figuras huye de ángulos y trayectorias fijas, siendo ondulante, jugando con el grosor del trazo para expresar la emoción del momento, del tiempo interno que se despliega en el rostro al ser contemplado. No es profuso en el uso del color, su paleta está restringida al negro que convierte el blanco circundante en forma complementaria, más el aderezo de algún cromatismo de apariencia grávida, para denotar pasión, agobio, frialdad o lejanía.
 
Los dibujos se estructuran en diversos planos, convirtiéndolo en representaciones barrocas a veces, donde se relata en cada pieza una historia particular, describiendo el perfil  psicológico de la chica impresa, las circunstancias del momento, las fantasías que su mirada induce. La fuerza de las pupilas absorbe la atención y trasporta a espacios inmateriales. Todo ello conjuntando convierte la muestra en un relato místico, sobre la existencia de otros espacios ajenos a la realidad cotidiana.

Gabriel Moreno traduce en arte el trabajo que desarrolla como ilustrador.

 

 


 

 

 

miércoles, 22 de mayo de 2013

FOTOGRAFÍAS DE JAVIER GONZÁLEZ EN LA SALA ZAIDA.


DE TAL PALO TAL ASTILLA
 
Publicado en Ideal el día 21 de mayo de 2013.
 
La fotografía es arte cuando salva la mera imagen para detenerse en el detalle sorprendente, en el gesto rico en historias, en el momento especial que seduce la atención.  El ingenio de la mirada supera la técnica de la máquina, encontrando el momento que atrapa el entendimiento, trasportando al espectador a un estado reflexivo, si no al sentimiento que brota al contemplar la imagen congelada. Es el artista el que se expresa a través del medio utilizado, no dejándose doblegar mansamente por él, sino que es él quien modula el resultado, busca la oportunidad del encuadre, encuentra la  emoción fugaz, aprehendida por su sensible mirada.
 
Javier González usa los medios técnicos para componer imágenes de gran belleza, sea unas veces el rico colorido que inunda el entorno, la flor como símbolo de la perfecta creación, vibración armónica visual, que simula las notas musicales del canto triunfal de la Naturaleza en su esplendor. Otras se detiene en el gesto, en el relato de una vida, de pasiones o desencantos. Refleja muya bien los estados, y actividades, humanas. Denuncia en unas fotos, reflejando de forma descarnada la injusticia de la miseria, en otras canta  a la vida, a la amistad, mostrando una visión trascendente a través de la cultura popular, de sus ritos y creencias. Hay veces que se detiene en la sencillez insólita de la forma escondida, descubriendo sus perfiles, las posibilidades de las figuras presentes en nuestro derredor cotidiano.
 
Todo el conjunto simula un amplio puzzle, en el centenar de fotografías expuestas, que configura su realidad, aquellas vivencias que mueven su actividad vital y también las que les indigna. Las fotografías expuestas constituyen un relato visual de todo aquello que enciende su pasión. Javier González nos lo cuenta de forma clara, punzante, delicada  en ocasiones, yendo más allá de la imagen para ahondar en la esencia de la percepción, encontrando el alma del reflejo contenido en sus fotografías. Capta el resplandor que escapa de las formas, que nos dibuja en un lenguaje invisible, pero sentido, la naturaleza íntima de la existencia. Es un poeta de la imagen. 
 
Existe una profunda coincidencia con la obra de su padre, Fernando Gonzalez, pintor de gran talento, pues ambos coinciden en recoger las vivencias visuales que dan sentido a su inquietud creativa. De tal palo tal astilla.

 


 

 

sábado, 18 de mayo de 2013

EXPOSICIÓN COLECTIVA EN LA GALERÍA CIDI HIAYA


EL ESPACIO PENSADO

Autores: Augusto Moreno, Carmen Almécija, Annabella Gorlier, Noé Henares. Título: Espacios transitables. Lugar: Galería Cidi Hiaya. Fecha: Hasta el 22 de mayo. Publicado en Ideal el día 18 de mayo.
Cuatro artistas se unen para elaborar una propuesta plástica que recree un espacio diferente, ajeno al transcurrir temporal cotidiano.  Cuadros y esculturas organizan una estructura tridimensional,  donde el espectador  participa con su movimiento introduciendo un flujo cinético, que con la observación compartida dota de pulso interno al conjunto. Desde perspectivas diferentes, así como estilos y técnicas distintas, convergen los autores en el punto común de la ondulación de la imagen, de la tensión de las formas que se rompen, para englobar con su influencia la zona de interacción donde las piezas ejercen su efecto.  El eco de este evento se difunde suave, monótono, cuyo poso se funde en el universo onírico.
Augusto Moreno es hábil en el manejo de la materia, controlando sus vibraciones para conseguir transmitir un ritmo de cadencia grave, continuo, para configurar la atemporalidad que afecta al entorno. Domina y expresa en diversas formas, y dimensiones, los contornos de la imagen, recreando escenarios misteriosos, velados e íntimos, en los que subyacen seres informes que desarrollan sus vidas ajenos al espectador.
Una visión exuberante, de poderoso resplandor, surge de las piezas de Annabella Gorlier. Su pintura es fresca, palpitante, barroca, original y desenvuelta, de construcción compleja, rica en texturas y diversa en materiales, que le confiere accidentalidad topográfica en la superficie de los cuadros. Ofrece una obra romántica, producto de un mundo de ensueño, desenfadada y personal. Resuelve con soltura y facilidad expresiva el trabajo propuesto, que aparece como conclusión feliz, tras un tortuoso trayecto en las áridas horas de la soledad creativa.
Carmen Almécija propone un trabajo impregnado de poesía, donde emanan sensaciones cálidas,  que discurren por todo el espacio enmarcado. Su obra es extensa en recursos técnicos, conjugando un apretado colorido en composiciones de tensión cromática permanente, que se esfuma al ser contempladas, para dejar como rastro una sensación de armonía en el espíritu.
Surge un cosmos silencioso en las esculturas de Noé Henares, como solidificación férrea de conceptos plásticos. Posee este artista un pensamiento preciso y rotundo, reflejado en piezas de geometría definida, donde líneas y curvas se aúnan,  para descifrar las formas ocultas del universo cotidiano.
Los cuatro artistas reflexionan sobre la influencia de la imagen, y las formas sólidas, en el espacio circundante.
 Annabella Gorlier



Augusto Moreno


Augusto Moreno


Augusto Moreno


Noé Henares



Noé Henares 


Augusto Moreno 






 

Noé Henares 

 Annabella Gorlier


Annabella Gorlier 

Annabella Gorlier


Annabella Gorlier






Noé Henares
Noé Henares

EXPOSICIÓN DE LA OBRA DE ANTONIO ÁVILA. HOMENAJE A SU MEMORIA.


ANTONIO ÁVILA

Autor: Antonio Ávila. Título: Retrospectiva 30. Lugar: Casa de los Tiros. Fecha: Hasta el 19 de mayo. Publicado en Ideal el día 15 de mayo.
En el Collage el artista es el gran hacedor de realidades pensadas, fantásticas y ajenas a la realidad. Busca a través de este método de expresión relatar el discurso estético intelectual que mueve toda su producción. Como mecanismo de comunicación de ideas es una herramienta útil, poderosa y de fácil comprensión.
La estructuración de diferentes elementos materiales y recortes, aderezados a veces con dibujos del autor, construye representaciones de gran viveza expresiva, ricas en imágenes que se traducen en sensaciones al ser comprendidas. El artista organiza un entramado intelectual donde hace jugar a sus personajes una vida propia, dentro de un espacio acotado por las tensiones que dirigen su existencia. Conceptos y sensaciones son reflejados en las piezas creadas, organizando el autor un mundo escénico donde desarrolla las historias imaginadas, a través de las cuales quiere llegar hasta el fondo de la conciencia, para mostrar la desazón ante las contradicciones que la realidad encierra.
Antonio Ávila, Maracena (1952-1984) supo comprender la potencialidad expresiva de esta técnica plástica, consiguiendo reproducir los anhelos que quería transmitir. Para ello desarrolló en su obra un conjunto barroco, espeso a la mirada, burlón y fuertemente ácido, en los que sus piezas conjuntadas constituían una secuencia, donde transcurre el relato del artista. Lo consigue de forma descarnada, fuera de contexto, agobiante, generando la sensación asfixiante de una verdad desvelada, aplastante de cualquier atisbo de conducta autónoma. Ridiculiza estilos de vida, formas determinadas de relación, las incongruencias de los modos sociales. No se atiene a técnicas de expresión imperantes, rompiendo con lo establecido, para situarse en un plano distinto, ajeno y fuera de la estética trabajada. Despliega un repertorio simbolista y onírico, introduciéndose en los campos del surrealismo, para mostrar una obra de apariencia irracional, que al ser descifrada desvela su faz externa para presentar el discurso que dirige sus elaboraciones. Ahí está el mérito de la producción artística de Antonio Ávila.