J.DÍAZ ALAMÀ EXPONE EN LA GALERÍA OJOS DEL BARROCO, GRANADA

 

EL COLOR DEL INFIERNO

Autor: Jordi Díaz Alamà. Título: Del infierno al purgatorio. Lugar: Galería Ojos del Barroco, Granada. Fecha: Hasta el 21 de junio de 2025.

El artista controla los tiempos del color, el pulso que su influjo encierra, ya que es quien dirige el ritmo de la escena, las sensaciones que se condensan en cada una de sus piezas. Juega con una amplia variabilidad en sus tonos, siendo ardientes, espesos, intensos, agobiantes, lacerantes, ocupando todo el espacio percibido en la pieza. Otras veces imprime una luminosidad difusa, ajena a la calidez, sin origen, que completa todo el espacio, neutra, insustancial, grisácea, dentro de la cual se desarrolla los mundos ambicionados portados por cada uno de los condenados. Hay otras composiciones donde el peso de la oscuridad sienta su presencia, siendo la alimaña desgarradora símbolo de la condena presentida, en los perdidos allí sumidos en la ausencia de la luz. Campos infinitos, sin hitos tangibles a la mirada, sólo oscuridad, olvido y dolor.

Jordi Díaz Alamà (Granollers, 1986) nos muestra una obra soberbia, en la que plasma el Infierno de Dante, según sus pesadillas y ensoñaciones. Lo expresa de forma vibrante, teñida de pavor, soledad y olvido. En sus piezas todas las pasiones humanas descansan su presencia, reflejando la futilidad de los deseos y ambiciones, lo evanescente de las grandezas y riquezas que la existencia ofrece. Al final, desnudo cada uno se presenta tal cual, según sus méritos, estando en el averno aquellos ligados aún a sus pasiones, dolorosos por su pérdida, sometidos a un tormento indefinido. Hay piezas en las que la causa lacerante no aparece, sólo están plasmados los seres solitarios, en un abandono rotundo, desasosiego punzante, sin esperanzas, dejados en el olvido de los espacios de la nada. En otras, son comprendidas las causas de las penalidades por el pintor expuestas.

Consigue este artista componer estos paisajes gracias al dominio del lenguaje cromático, que dirige toda la trama desarrollada en cada composición. Sabe incorporar la modulación tonal adecuada para simular un tiempo detenido, extraído del ritmo que lo agota, siempre el mismo, perpetuidad ajena al desarrollo de la realidad, pues en este Seol todos están sometidos a las penas de sus pasiones, desasosiego eterno, hiriente, cortante, sin solución. No abusa de estos efectos el pintor, sin caer en un barroquismo estético, sino que lo expresa con equilibrio, con torsos bien delimitados, abandonados a su ocaso. Poseen sus figuras un poso de clasicismo en su representación, llevados hacia el límite de la exuberancia, mas sabe J. Alamà controlar esa frontera difusa, consiguiendo así el efecto buscado. En sus piezas, juega con un fondo que viene desde la abstracción para conjugarse con el realismo de las figuras, pues quiere describir la disolución de la razón en el mar hirviente del caos, confusión absoluta, cuando la soberbia de querer ser, sustituto de la divinidad, se diluye en la humildad de la extinción. Esta resonancia obtenida en su creación plástica, es lo que da fuerza a toda su obra, demostrando la habilidad, e inteligencia, que sostiene la producción pictórica expuesta en esta excelente propuesta.

MARION THIEME EXPONE EN LOGROÑO

 

ESPACIOS MÁGICOS DEL BOSQUE

Autora: Marion Thieme. Título: Cartografía del bosque. Lugar: Galería de la Casa de la Imagen, en colaboración con Espacio Arte Vaca, Logroño. Fecha: Hasta el 20 de junio de 2025.

En una obra de arte ha de coincidir la imagen, la forma y el sentido, para construir el relato, o acaso la intención, que sustenta su expresión.

No basta con trabajar la primera idea espontánea que aparece en el pensamiento del artista, sino que ha de saber expresarla, obtener la forma precisa que defina la pieza, y dotarla de una impregnación sensitiva, que le de un impulso propio al ser visualizada.

Mario Thieme consigue aunar estas cualidades en la propuesta plástica mostrada en esta exposición, pues abre su acción creativa a materiales diversos, para ofrecer una instalación intensamente expresiva.

Juega con diferentes tipos de soportes, aunando dibujo con la costura, sustituyendo el trazo cromático con la punzada dirigida a definir la imagen sugerida. Juega con hilos de colores, sobre una figuración sujeta a un pulso continuo, vibración visual que supera la barrera inicial de la mirada rutinaria, incorporando al espectador dentro del universo imaginario que la artista quiere plasmar.

Marion Thieme consigue representar espacios misteriosos, en los que las ramas huesudas transmiten prevención, desconfianza, fuerza natural latente en el seno de las profundidades boscosas, mas en éstas se suponen un fondo espeso, exuberante, velador de entes y genios que en sus entrañas oculta.

Es ingeniosa la manera en la que propone un mundo sugerente, sumido en el misterio, claroscuros, rayos que consiguen penetrar en la espesura, lugar en el que las hadas y elfos dialogan con los entes superpuestos en animales que allí se esconden.

Juega muy bien Marion Thieme con las transparencias, consiguiendo configurar profundidades simuladas, porciones extraídas del mundo de la fantasía, aquella que pervive en los arcanos de la memoria colectiva, cuando el ser humano formaba parte de aquellos espacios mágicos.

Con toda estas descripciones, argumento las tres cualidades al inicio reseñadas, solamente posible de alcanzar cuando la artista ha estado largo tiempo reflexionando, y experimentando, logra plasmar la imagen evocada en sus piezas, gracias al dominio técnico poseído y la idea plástica original hallada.

PACO LARA BARRANCO EXPONE EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

ARTÍSTICAMENTE INCORRECTO

El pintor insiste en su exploración plástica, en pos de la expresión auténtica del proceso creativo. Pues sugiere que el artista cree que comienza su obra pensando en la planificación previa que ha diseñado, mas en su elaboración la acción domina la dirección del trabajo iniciado, siendo el pintor seducido por la propia composición.

Paco Lara Barranco camina por los senderos umbrosos del proceso creativo, pues se olvida del concepto inicialmente diseñado, no se interesa en definirlo, ni siquiera valorarlo, penetrando en el subconsciente común de las ideas imperantes en el entorno, sin detenerse en las proposiciones que éste le ofrece, los arcanos, preocupaciones, miedos, esperanzas, y figuras que en su laberinto muestra, tras cuya travesía llega a la antesala de la naturaleza inconsciente, observando asombrado el panorama caótico que sus sentidos perciben. Nada está en el orden lógico que conocemos, todo esta revuelto, colores, formas, posiciones, llegando a intuir la danza caótica de ideas e imágenes, sólo como chispazos visuales surgidos en el interior de su pensamiento, no aparecida en momentos de reflexión y reposo, sino en plena acción pictórica, cuando inmerso en su actividad artística está ajeno al tiempo, al lugar, e incluso a la existencia. No quiere decir esto que el pintor sea un ser trascendente o se sumerja en estados de éxtasis, sino que describe de forma visual el proceso creativo de todo artista, el cual muchos no comprenden, y piensan que es debido a su genialidad, cuando en realidad se presenta si se persiste en una misma idea, acción continua que disuelve la atención consciente, para sujetarla al espacio que va definiendo la obra iniciada.

Podría definirse esta exposición como una propuesta vanguardista, según una abstracción expresionista, mezclada con la obra que supera el marco y abarca la Sala toda, incorporando al espectador como parte del entramado. Las sensaciones, explicaciones, y variabilidad que muestra se ligan a la intervención del observador, siendo un trabajo compartido, variable y fugaz.

En este caso, el montaje expuesto por Paco Lara Barranco es diferente, representa el momento de tránsito, y el encuentro con la revelación del producto último que quiere concluir. No continúa hacia la definición final de la obra, sino que la enseña en el instante preciso de decantación hacia su expresión última, visualizado en la instalación que configura la exposición aquí comentada, la cual podrá visitarse en la sevillana galería Birimbao, con el título “Contra la corrección”, hasta el 31 de mayo de 2025.

FUSIÓN: EXPOSICIÓN EN MECA MEDITERRÁNEO

 

FUSIÓN EN MECA

Autores: Toña Gómez, Juan Morante, Fernando Barrionuevo y Modhir Ahmed. Título: Fusión. Lugar: MECA Mediterráneo, Almería. Fecha: Hasta el 5 de septiembre.

Caos y orden se superponen, presionan entre sí, llegando a una conjunción visual en la realidad tensa que la imagen muestra. La barrera de la lógica, perfecta estructuración de la mirada del entorno real, elaborada en el pensamiento, es negada por aquella que ofrece un paisaje extraño, libre, danzante, variable y caprichoso, diferente según sea el observador, espacios incógnitos sometidos al triunfo del color intenso, que ciega en su exceso la mirada, dejando que sea la intuición quien diseñe en la imaginación el fondo invisible, oculto por la cascada cromática. Ésta aparece diversa, heterogénea en las tonalidades portadas, mezclada con siluetas informes, que incorporan aleatoriedad y libertad en la imagen, siempre sujeto su desarrollo por el orden racional que la cultura visual impone.

En esta muestra colectiva, cada artista propone su visión de esta sensación perceptiva, siendo el resultado su fusión en el entendimiento, la idea matriz que dirige la comprensión de la instalación propuesta.

Toña Gómez nos ofrece una obra estructurada según un orden geométrico, potenciado por la fuerza del color contenido en sus campos de cuadrículas, mas es rota la monotonía ordenada, por la sorpresa de torbellinos cromáticos, universos de energías radiantes que simulan cinetismo continuo, espacios ocultos tras la mirada comprendida.

Modhir Ahmed opta por internarse en el proceloso campo danzante, de siluetas irracionales y colores, torbellino que parece atrapar la atención, incorporando formas oscuras, elementos amenazantes, miedos y genios que esconde lo desconocido. Exuberancia creativa es plasmada en su pieza, color insinuante que se deshace en la escena vibrante, estructurada sobre el azar y la razón.

Es Juan Morante exacto en su expresión plástica, racional, estableciendo un lenguaje tonal compuesto de líneas y colores, sin continuidad en su linealidad, interpretando la imagen como una presencia vibrante, descansada en el ritmo mostrado, brillo presentido en la sensación inducida, destellos que el recuerdo deposita, pues al final la imagen se desvanece en emociones, sensaciones, y colores, transcritos en un lenguaje geométrico ordenado.

Fernando Barrionuevo ofrece ímpetu en la expresión plasmada en el lienzo, en el cual el fulgor de las pinceladas de una paleta ligera, cálida y variada, está en trance de ser sujetada por el grueso rastro grávido, oscuridad que quiere absorber la luminosidad gozosa. Encierra lirismo la contemplación de sus piezas, cuando se interna evadida del tiempo.

Excelente instalación propuesta por estos cuatro creadores plásticos.

EXPONE MICHELE DEL CAMPO EN LA GALERÍA ANSORENA. MADRID 2025

 

BRILLO FUGAZ DE LA EXISTENCIA

Michele del Campo, Galería Ansorena.

Michele del Campo, Sannicandro Garganico, Italia, 1976, es un pintor de exuberante luminosidad, plenitud en la imagen mostrada, cuya obra descansa en un realismo cromático, pues extrae la escena del medio tangible para expresarla aderezada de tonalidades varias, lo cual le da fuerza, intensidad contemplativa, impulso interno que le confiere vida propia. En sus piezas recoge pasajes de la vida, en los que la juventud de sus personajes sienta su presencia, mostrando los mundos que enclaustran su existencia. Ensoñaciones, soledades, sobre todo soledades, incomunicación, desconfianzas sobre los sentimientos de la pareja, agobios, tránsito permanente… impregnan su producción plástica.

He podido observar nuevamente su obra en la madrileña galería Ansorena, dejándome, como siempre, gratamente sorprendido. Michele del Campo ha introducido fuerza expresiva en su obra, incrementando los efectos que la representación de sus escenas muestran. Rompe la figuración con bandas cromáticas, la mayoría de las veces verticales, ruptura, vibración, sesgo temporal, introducidos en sus piezas, en las que se reflejan tiempo continuo en continua evanescencia del presente, sustituido por otro nuevo fugaz, tránsito permanente, cascada de sensaciones que impone el recuerdo, influenciado por la luz del entorno, calidez, melancolía, lirismo o frescura, induciendo un fondo más profundo al relato plasmado en cada una de sus piezas. Michele del Campo posee un excelente estilo narrativo, ágil, oportuno, brillante, conseguido expresar gracias a su técnica cromática, y habilidad ingeniosa a la hora de compartir sus historias.

CUENTOS DE MISTERIO EN LA ALPUJARRA, DE FERNANDO DE VILLENA

 

MISTERIOS DE LA ALPUJARRA

MISTERIOS DE LA ALPUJARRA

Vuelve Fernando de Villena a publicar nueva obra. En esta ocasión ofrece un libro de relatos titulado “ Cuentos de Misterio en la Alpujarra”, de Baker ST. Ediciones. En su contenido va presentando diferentes cuentos, historias populares, relatos fantásticos y narraciones varias. En todas ellas nos presenta el exuberante mundo de la Alpujarra, resto de la España profunda que se va disolviendo en la memoria en los tiempos actuales. Nos enseña un mundo misterioso, donde el terreno influye en sus moradores, fuerzas extrañas que pululan por sus campos y barrancos, espíritus del lugar que modelan las formas de vida de sus habitantes. Es un estudio antropológico de la realidad oculta tras la mirada literal, de su comprensión ajena a la valoración lógica, incluso, penetrando en el subconsciente colectivo que subyace, y convive, con los tiempos tecnológicos actuales. También nos ofrece el autor un estudio psicológico profundo, de las personalidades diversas, que podemos encontrarnos en la realidad contemporánea, el efecto que el choque con el misterio, y la desnudez tecnológica, produce en el urbanita. En sus textos se limita a la descripción, sólo muestra, no profundizando demasiado en el submundo de la percepción, pues no es esa su intención, mas propone la senda por la cual aquel interesado, en la cultura popular de las Alpujarras, pueda internarse, descubrir y penetrar, en los arcanos de su memoria. Incita a la aventura intelectual y física de su descubrimiento.
Fernando de Villena nos ofrece un texto escrito con sencillez, según un ritmo suave, sin adherencias ni retorcimientos sintácticos, con un vocabulario transparente, limpio, claro, tranquilo, en cuyas palabras nos transporta a un complejo universo sensitivo, composición mental del paisaje, empapada con sus luces, sombras, genios, brillos, bondades y miserias, sobre la cual se sostiene la realidad sentida como tal, ayudando a liberar la mirada, y descubrir el significado oculto por la fachada técnica que todo lo anega.
Esta obra es amena, enriquecedora en la comprensión de nuestro entorno, reivindicativa de la auténtica cultura ecológica que se quiere ocultar por otra ficticia. Cumple con la misión de toda obra literaria, entretener, comunicar, alimentar el entendimiento, e inducir hacia la reflexión personal del lector.
Fernando de Villena muestra su maestría literaria en la sencillez del texto, lo que no impide incorporar la profundidad de sensaciones contenidas en éste, gracias a su dominio del verbo que su escritura encierra.

MADRE, LIBRO DE JOSÉ MARÍA SÁNCHEZ ARANDA

 

POEMAS DE LA VIDA

En la poesía muchas veces predomina el sentimiento del tiempo perdido, la soledad, la reflexión sobre la futilidad de la vida ante las horas del ocaso, el dolor percibido en el Mundo, la incomprensión e injusticia que no cesa en nuestro entorno. Es por lo que cuando aparece un poemario escrito con vitalidad, fuerza, canto a la existencia y al amor, o tristezas pasajeras que el afecto cura, es recibido con alegría, pues contagia la pasión por vivir.
La obra que aquí comento posee muchas de estas cualidades, cuyo autor es José María Sánchez Aranda, poeta, pintor y profesor. Este artista nos ofrece sus poemas recogidos en el libro de título “Madre”, de la editorial Averso Poesía. Nos propone un conjunto de composiciones líricas escritas con nítida sencillez, ajenas a recombinaciones y evasiones etéreas, asentadas en el amor, la pasión, la nostalgia y la intensidad de la existencia. Son sus poemas imágenes sujetas en los vocablos, palabras conjuntadas de acuerdo a un ritmo sensitivo, natural, íntimo, ancladas en la emoción densa, como los trazos cromáticos que soportan y dan cuerpo a sus piezas plásticas. Esta obra es un trabajo surgido del corazón, de la mirada callada, que el poeta transforma en hermosa expresión lírica, cristalina, suave, que desarrolla unas tranquilas reflexiones que el autor comparte con el lector.
Esta pieza poética está ilustrada por el grabador Miguel Carini, imagen intensa, poderosa, que resume en su contenido las sensaciones portadas en los poemas de José María Sánchez Aranda.
El poemario Madre no ofrece una lectura fresca, sensitiva, repleta de emociones personales, en cuyos versos se reflejan experiencias comunes a todos.

VALERIANO CORTÁZAR EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

 

TRAS LA PARTITURA ERRANTE

Autor: Valeriano Cortázar. Título: Música pintada. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 27 de mayo.

Fluye la música por el espacio, es percibida, inasible, esquiva, pero a la vez intensamente punzante en los sentidos, acompasando el pulso del pensamiento, enervando unas veces, doblegando las tensiones hacia las estancias placenteras de los momentos aletargados, cuando se navega por superficies especulares, en las que se funden los azules, que se rompen en su variabilidad de tonos, según el deseo caprichoso del aire, o el brío de la nave imaginaria creada por la melodía.

¿Cómo reflejar estas sensaciones fuera del eco musical? Es la pintura un instrumento para poder conseguirlo, medio de expresión que conecta con el núcleo íntimo de la emoción, quien modula los sentimientos, la pasión, la inquietud, sorpresa o gozo expansivo, que cambia su camino de penetración en la consciencia, olvidando la escucha para penetrar mediante la mirada.

¿Pero quien conjuga todas estas emociones en su representación visual? El color, su fuerza impresa, la disposición azarosa de acuerdo a un ritmo sentido, que nace del genio que domina la mano del pintor, la libera de la razón y su persona, para vagar sin rumbo planificado, sólo azar y sorpresa, resultando la expresión de la emoción plasmada en el lienzo.

Valeriano Cortázar (Pozuelo de Alarcón, Madrid, 1955) posee el suficiente ingenio, gracia compositiva, y habilidad plástica, para componer estos poemas musicales, visualizados, interpretados en su observación, que suman a su vaivén impreso la mirada, raptándola hacia los espacios atemporales de la fantasía.

Lo consigue el artista mediante una combinación acertada del color, situando sus manchas oportunamente, en su fugacidad acorde a la partitura, las cuales se expanden, contraen, difuminan… cambiando a la vez de forma, simulando genios etéreos que danzan, circulan alegres, sometidos a tonalidades aéreas, ingrávidas, cálidas o refrescantes, según la tonalidad cromática.

La técnica de Valeriano Cortázar consigue estas escenas, depositadas en cada uno de sus lienzos, plenitud plasmada en ellos, pasión aérea transcrita el el cuadro.