EXPOSICIÓN DE FRANCISCO MUNUERA WALLHEAD

LOS TIKIS MIKIS EN LA UNIVERSIDAD Autor: Francisco Munuera Wallhead. Título: Tikis Mikis: Variaciones sobre el arte maorí. Lugar: Centro de Lenguas Modernas. Fecha: Hasta finales del mes de febrero. Francisco Munuera Wallhead es un pintor afincado en Granada que nació en Nueva Zelanda, quedando impregnado por los genios que dan carácter a los habitantes de esas tierras. El espíritu de la cultura maorí es una transfiguración del trasmundo que se superpone en aquellos paisajes de poderosa fuerza visual. Este profesor de la Universidad de Granada, muestra su obra en el Centro de Lenguas Modernas, lugar especial por el diálogo que se entabla entre el arte y la cotidianeidad de la vida estudiantil, siendo ofrecida a los estudiantes, miradas jóvenes que muchas veces son ajenas en las galerías en uso. La obra mostrada es fresca, desenvuelta, ágil y de poderoso color, que se contiene así mismo para no adentrarse en el campo de la exuberancia, ni el derroche barroco que apaga muchas veces la pieza. El autor es exacto en la dicción plástica, comunicando su idea con un lenguaje vivo y desenfadado, tras el que se esconde un intenso universo mágico que traspone a nuestra realidad. Los dioses fluyen a través de su pensamiento para reflejarse en los cuadros colgados, exhibiendo su influjo sobre los seres y las cosas. Este pintor elabora un trabajo sobre un color limpio, con un dibujo desarrollado con sencillez, recordando la mano presa del rito, algo naif, también con aroma grafitero, que trasciende las consideraciones anteriores para expresarse como un relato descrito con simbología cromática, donde las figuras se replican en situaciones diversas, comunicando de forma jocosa la insustanciabilidad del comportamiento humano, irracional presa de los humores del momento. La realidad que describe es crítica con las obsesiones y anhelos que dirigen a esta sociedad. Dioses, genios o simplemente los deseos de espolean la acción y cambio, son reflejados como elementos que interaccionan con el medio. La obra de Francisco Munuera Wallhead incita a la reflexión, a pesar de la apariencia ligera en su configuración visual.

LUIS CASABLANCA EN LA GALERÍA ARRABAL Y CÍA

EN EL CALLEJÓN DEL SEÑOR

Autor: Luis Casablanca. Título: Acumulados, una experiencia gris. Lugar: Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 22 de febrero.

En la soledad de la noche se ha instalado el frío, en un tiempo expectante del advenimiento de la primavera, que inunde todas las estancias de nuestra realidad. Mientras, permanece en espera la creación dentro de su refugio, en la calle que da título a esta crítica. La galería Arrabal y Cía, sita en esta vía de Granada, ofrece un conjunto plástico singular, inquietante, distinto de lo expuesto en estos lares últimamente, aunque no por ello innovador, lo cual no resta mérito alguno, ya que consigue impregnar de otra forma de ver el arte, avanzando hacía nuevos conceptos de entender la creación plástica. Luis Casablanca es el autor de esta muestra, que construye un artificio intelectual con piezas diversas, de extracción sencilla, conjuntadas inteligentemente bajo un paño gris, originando una propuesta de profundo significado simbólico, que rompe el entendimiento, y presenta una particular forma de comprender el pulso del tiempo y su arañazo continuo en la integridad de las cosas, reduciéndolo todo a cenizas, a un recuerdo incoloro, anodino y grisáceo. En el catálogo que acompaña a esta exposición, comienza el autor explicando que “ En tiempos ruines llega acumulados. Los objetos nacen con nosotros, forman parte de nuestra vida, nos la facilita, a veces los queremos, a veces los odiamos, los dotamos de almas inexistentes, nos cuentan historias que hemos vivido.” Nos rodeamos de cosas, unas consideradas importantes, que tras el primer tiempo de contacto se desvanecen en la rutina, pasando a ser sustituidas por otras que reviven la ilusión. Algunos objetos transcurren cuasi invisibles, escondidos en lo cotidiano, pero que tras su uso y abandono resucitan recuerdos de otros tiempos, de vivencias que surgen como reflejos al ser mirados. Todos yacen abandonados, en desorden, generando en el desván de la memoria historias miles, pues son testigos del pasado, de las imágenes añoradas o sufridas. Nuestras vidas y personalidad se resumen en ellos. El artista los presenta forrados de gris, expresión del recuerdo descolorido, frío por la distancia, rememoración del polvo que se deposita en los objetos al ser abandonados, huérfanos de la atención de sus dueños, también como si cenizas fuera del efecto de las horas, que devoran y consumen con su interminable paso lo tangible, reduciéndolo a la nada. Luis Casablanca, profesor de la Universidad de Granada, nos presenta una obra interesante, bien diseñada y de peso emocional, trasmitiendo de forma sencilla la idea central de su proyecto al espectador.

EXPOSICIÓN DE AMESA EN LA GALERÍA PUNTO ROJO

AMESA EN PUNTO ROJO Autora: Amesa. Título: Traspasando la luz. Lugar: Galería Punto Rojo ( Gran Vía 33). Fecha: Hasta el 16 de febrero. Una nueva galería ha iniciado su aventura artística en Granada, ilusionada en sortear el decaimiento en el cual se encuentra el sector del arte. La crisis afecta a todos. Punto Rojo comienza su andadura con fuerza y calidad artística, presentando el trabajo último de Amesa, que como siempre impacta por la rotunda elaboración de sus obras. La luz está impregnada en ellas, jugando con los materiales diversos que componen las piezas mostradas, que rezuman energía, aprehendida como si la luz naciera en su interior. Amesa propone una producción de marcado carácter matérico, de procedencia diversa y sustrato sólido, que sirve de campo de acción para que las radiaciones asciendan sobre los pliegues, cayendo en cascada en el fondo de sus arrugas, creando un rumor intenso que escapa del cuadro para ser interpretado por el espectador, como palpitación interna de la pieza. Un resplandor tenue envuelve cada composición, si de áureas fueran, confiriendo magia a la mirada. Salvo algunas obras de rojos poderosos, como si atardeceres postreros de jornadas vibrantes fueran, compone el conjunto piezas de claridades limpias, en cuyo interior surgen destellos dorados o plateados, día y noche bajo el imperio del espíritu luminoso. La artista demuestra su capacidad para construir elementos plásticos atractivos, elegantes y de calidad. Su experiencia y maestría así se lo permite. Los orígenes artísticos de Amesa se perciben al observar esta propuesta plástica, retornando la autora al punto anterior de su periodo creativo, cargada de nuevas experiencias recogidas en su trayectoria pictórica, para enriquecerla y retornar con brioso impulso compositivo. Se recrea y supera así misma, consiguiendo nuevos retos. Esta magnífica exposición avala el buen comienzo de Punto Rojo. Larga vida a la galería.

EXPOSICIÓN DE MATUG ABORAWI EN GRANADA

SOBRE ESPERANZAS Y TRAGEDIAS Autor: Matug Aborawi. Título: Homenaje a los desaparecidos. Lugar: Fundación Euroárabe de Altos Estudios. Fecha: Hasta el 3 de febrero. Una pintura fresca, desarrollada con libertad, fuerza y pasión rotunda, describe el drama de la inmigración, donde sueños truncados se hacen palpables cada día, salvo para aquellos afortunados que creen haber llegado al paraíso prometido. Constituye lo expuesto aquí la idea central de la muestra propuesta por Matug Aborawi. Este pintor libio, afincado en Granada, relata el tránsito del estrecho, las esperanzas que promete y las tristes realidades que encierra su conclusión. M. Aborawi expresa su obra con un lenguaje cromático agudo, cortante, libre de formalidades estilísticas, que libera de su formación académica para plasmar con dureza, como grabado en el lienzo, en acrílicos o acuarelas, demostrando el dominio del oficio plástico del autor. El trabajo ofrecido es potente visualmente, resuelto con soltura, henchido de sensaciones que se transforma en voces, cánticos o súplicas implorantes, que anhelan un mundo más humano. Los colores empleados encierran un dramatismo no exento de aventura desasosegante, sujeta a los peligros que rodea con sus fantasmas el ambiente del cuadro. Tras la imagen aparece un horizonte de tonos amables, blanquecinos o presentidos dorados suaves, como signo de esperanza. El pintor recrea su alegato de forma simple, en manchas de significado inteligente condensadas en figuras intuidas, que la comprensión supone, atrapando las ideas impregnadas en ellas para convertirlas en historias. Una inocencia vital se desprende como efluvios radiantes en cada una de las piezas, reflejo de las ilusiones que inunda el entendimiento desde el espejismo real. Matug Aborawi nos presenta una obra auténtica, rotunda en el concepto contenido y resuelta con habilidad, sencillez y sentido primario de la pintura, que da fuerza a su producción y enseña la calidad del artista primigenio que guarda. Muestra un gran talento y categoría plástica en esta exposición.

EXPOSICIÓN DE ARANCHA RUIZ NUÑO EN EL PALACIO DE LOS CONDES DE GABIA, GRANADA

¿ARTE O MECÁNICA CUÁNTICA? Autora: Arancha Ruiz Nuño. Título: Exposición con cuerpos. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha. Hasta el 27 de enero. Lo que está arriba tiene su imagen abajo, ambos son mundos paralelos, en un tiempo detenido sin ningún suceso de referencia, alterándose cuando es el entorno perturbado por la presencia del espectador en este cosmos dual, generando un suceso temporal. Éste es continuo, indiferenciado y simultáneo. La síntesis del camino no distingue de instantes, pues todo sucede a la vez, sumando hechos, circunstancias, en puntos espaciales y momentos distintos. El espacio lo llena todo, al no distinguirse pasado, presente o futuro, flotando el silencio del vacío tras la ausencia del espectador. Es el motivo central del relato descrito por Arancha Ruiz Nuño La autora nos quiere explicar, en sus composiciones fotográficas, que la realidad es un conjunto de fragmentos múltiples que se aúnan encajando entre sí, o superponen, donde la lógica es un acontecimiento feliz cuando lo racional es una rareza. La conclusión a la que nos conduce con su trabajo es el de un escenario dividido, variado, de cuyas numerosas imágenes se extraen las sensaciones percibidas. Surgen luces de tonos dispersos, intensidades, movimiento, geometrías definidas en líneas contenidas en la interpretación de las radiaciones, al comprender la realidad, producto del espacio y tiempo. Y en el centro del universo creador de lo visible se encuentra el espectador, quien define lo real con sus sentidos, existiendo sólo la luz y espacio, energía pura. Esta es la percepción que se produce al observar la obra de Arancha Ruiz, en una Sala amplia, con un montaje sencillo y no muy numeroso en piezas, que resulta frío al penetrar en él. Según nos explica el catálogo que acompaña a esta exposición, en el texto de Maite Méndez Baiges, la artista quiere introducir “uno y muchos cuerpos en imágenes de exposiciones, y contraponiéndolos, precisamente es esos mismos espacios, pero vacíos”, forzando a la mirada a “reconocerse como lo que es, algo manipulado, construido, si no guiado”. Su fin es “ recuperar la capacidad de ver de nuevo el arte”. A mí me parece más bien una escenificación descriptiva de la interacción espacio-tiempo, propio de una muestra relacionada con la mecánica cuántica. Arancha Ruiz Nuño ofrece una propuesta bien trabajada conceptualmente, inteligentemente estudiada, elaborada y expuesta, que se queda en un estadio intermedio de las vivencias de la artista, cuando explora las posibilidades de la luz, el trasfondo de la realidad. No por ello carece de mérito. Me recuerda a un poema de T.S. Eliot, de su libro Cuatro Cuartetos, que dice: “Están presente y pasado presentes, / tal vez en el futuro, y el futuro / en el pasado contenido. / Si está eternamente presente el tiempo / todo, todo el tiempo es irredimible”.

EXPOSICIÓN DE VALENTÍN ALBARDÍAZ EN LA SALA RUIZ LINARES

EL CAZADOR DE LA LUZ Autor: Valentín Albardíaz. Título: Alhambrismos y otros collages. Lugar: Sala de exposiciones Ruiz Linares. Fecha: Hasta el 15 de enero. Una cartografía del reino de la luz es descrita por Valentín Albardíaz en esta exposición, a través de sus collages, que reflejan la sustancia que contiene la realidad en las grafías simuladas en cada una de las piezas. Éstas recuerdan aquéllas de culturas orientales o antiguas, más los signos desarrollados desde la percepción que la herida de la luz causa en el contacto con las superficies que abraza. El trabajo elaborado por Valentín Albardíaz es ingenioso, de duro transcurrir y sugerente en su solución plástica, reflejando la complejidad del cinetismo desde su origen simple y único, que se descompone en una simetría caótica. El autor ordena la imagen, trata de comunicar su transcurrir y etereidad temporal con alfabetos varios, la estructura interior que se repite sin cesar y descubre nuevos espacios de acción. El resultado concluye en un viaje atemporal, donde un instante resume el todo. Atrapa las radiaciones luminosas en su movimiento de resonancia infinito, extrayendo el soporte anímico que las impregna para exponerlo en sus obras. Es preciso en la dicción de la idea central que mueve su propuesta, mediante el uso de colores elegantes, cálidos, optimistas y algunas veces de gravidez melancólica, configurando el discurso de la existencia. Su ráfaga acaricia la mirada, aunque evanesce entre las figuras del cuadro. Quedan solo las huellas de su paso, que presienten el esplendor pleno. Los collages presentados son de técnica laboriosa, expresando nítidamente el concepto del pintor. Lo consigue con un lenguaje libre de adherencias innecesarias, centrándose sólo en la estructura básica de la imagen. La exploración iniciada por Valentín Albardíaz nos lleva a descubrir la magia de la luz.

Ha salido publicado el libro "Tiempo de espera", editado por Tágilis Ediciones, donde recojo las críticas de arte publicadas entre 2009 y 2011, en el Diario de Almería e Ideal de Granada. Podrá encontrarse en las librerías Picasso de Almería y Granada, y en Continental, Babel y Atlántida de Granada.

GRANADA: LUZ Y AGUA. VI CONCURSO INTERNACIONAL DE PINTURA AGUAGRANADA.

 

Primer Premio.

"Puerto". Juan Carlos Porras Funes

Segundo  Premio

"Reflejos". Ana Sánchez Lucas.
 

Este me gusta y debería haber tenido alguna mención.

 

Muy buena pieza. Debería, igualmente, haber tenido alguna mención.

 

 

Otro cuadro de gran calidad.

Estos últimos han llamado también mi atención.

 

GRAN VÍA DE GRANADA.

Imagen tomada con un teléfono móvil Nokia. Es la esencia de la escena lo que se capta, el punto de mira, la oportunidad del instante, llevando al extremo las limitaciones técnicas del instrumento utilizado. Ahí está la intervención del factor humano.

EXPOSICIÓN DE INMA LEÓN LEYVA EN EL HOTEL LADRÓN DEL AGUA

UN MUNDO SINGULAR

 

Autora: Inma León Leyva. Título: Sin título. Lugar: Hotel Ladrón del Agua. Fecha: Hasta el 14 de enero.

La búsqueda en la pintura es como un viaje iniciático, donde unas veces se naufraga, otras se cae preso de formas y obsesiones, en algunas son alcanzadas las Hespérides, cuando el árbol de las manzanas de oro, en respuesta a la invocación, concede el deseo anhelado, accediendo a un nivel superior de sabiduría. Para ello el artista debe despojarse de vanidades, del “yo pintor genio”, para convertirse en un viajero, mendigo peregrino que busca su gran transformación. Esta es la esencia de la búsqueda en el arte.

Inma León Leyva nos expone un conjunto de piezas de figuración imprecisa, en estado de proyecto permanente, donde densas manchas de color intenso intentan ocupar la estructura dibujada. La variedad cromática es rica, aunque concentra su frecuencia en tonos fuertes, espesos y pesados. Crean estos últimos gravidez, tensión espacial, rompiendo la bidimensionalidad para generar un dinamismo vibratorio propio ante la mirada.

Las formas dibujadas son extraídas de un cosmos fantástico, irreales, indefinidas, centradas en armazones lineales, que las fijan a una porción espacial y someten a la influencia del autor. Están ancladas a unos límites y posibilidades. La artista desarrolla un juego visual complejo, describiendo un universo fantástico, ajeno a la lógica visual,  incentivando el interés por sus composiciones.

Esta muestra descubre un producto diferente, en su comprensión, a la mera observación. Éste aparece simple, sencillo, bajo un aroma académico y de búsqueda ligera. Tras esta impresión el intelecto describe un mundo tridimensional, palpitante, preso de lo extraordinario, describiendo una fauna que pulula en sus rectángulos enmarcados. Inma León Leyva ofrece un trabajo que enseña el desarrollo de su obra hacia una maduración creativa, técnica ya posee, que suponga su afianzamiento en el oficio pictórico y la lleve al final del camino de la reflexión iniciada, donde pueda lograr elaborar piezas marcadas con su huella personal, singulares y de originalidad contrastada.

Las buenas maneras plásticas reflejadas por Inma León le auguran un futuro feliz como pintora.

 

 

LA PINTURA ES POESÍA

Autora: Elena Laura. Título: Ver versos. Lugar: Sala Municipal de Exposiciones de Maracena. Fecha: 28 de diciembre.

La pintura expresa el sentimiento a través del color y  el gesto,  produciendo un efluvio de radiaciones que se derraman del cuadro para ser compartidas por el espectador. La artista hace de intermediaria interpretando la musicalidad adherida, en este caso a los versos, para cristalizarla en imágenes que trasciende su naturaleza para convertirse en relato visual de la idea, sentimiento o musicalidad contenida en el texto.

Elena Laura posee un oficio dilatado, más una sensibilidad profunda, que consigue plasmar en cada pieza la fuerza lírica que recorre su pensamiento. Conozco su trabajo desde hace tiempo, poco se puede decir de él, pues su gran categoría deja sin respuesta al entendimiento. La pintora lo sabe, y se recrea en su habilidad plástica, describiendo el devenir de los días en su interior, las energías que azotan las costas de la consciencia, para componer un cosmos ajeno a la tosca realidad.

En un cromatismo festivo, ardiente unas veces, suave y melancólico en bastantes otras, desarrolla el tema de su propuesta, centrándose en los elementos figurativos que condensa la acción, para extraerlos y dejarlos navegar en  la inmensidad del color, que se agita en el cuadro.  La selección de los tonos, su conjunción, unido a un dibujo preciso que se afirma así mismo,  además de la idea oportunamente definida, crean piezas que traspasan su faz  para convertirse en concepto, sensación comunicada con todos sus ritmos e inflexiones. En esta exposición es el impulso poético el que se trasmite al contemplarlas. Aunque la afectación está escondida, a punto de apoderarse de la composición, en todas ellas.

Elena Laura elabora una obra de colorido patente, ajustada fielmente a la idea que quiere comunicar, desarrollándola de forma correcta, pues es una maestra en ello, consiguiendo un producto de gran valía artística y comercial.

 

 

HABLANDO DE LA LUZ

 Autor: Juan Antonio Díaz. Título: “ Y en el principio el color se hizo”. Lugar: Centro de de Lenguas Modernas. Fecha: Hasta el 15 de enero.   

¿ Qué misterios encierra la luz ? ¿ Cuáles son las esencias que oculta ? La luz define la imagen, la abraza y añade a su influencia. Extrae la sustancia que define el concepto de lo existente, para convertirla en destellos que se expanden en los pliegues del resplandor, siendo difícilmente aprensible, pues es un halo, una intuición suscitada por un reflejo evanescente. La luz comunica la magia de las formas, engaña a veces, si embargo, el ánima que se desliza en sus haces penetran en el subconsciente para dictar sugerencias al intelecto. ¿ Por qué digo esto ? La obra de Juan Antonio Díaz así lo induce.

 Este pintor nos muestra una obra extraída de la realidad tangible ajena a la figuración, hundiendo en la abstracción el desarrollo de ésta. La conclusión constituye un grupo de cuadros de topografía cromática accidentada, suaves en las tonalidades usadas, tensos a la mirada, poderosos en el  mensaje comunicado por el susurro del color.  Surgen como caras de un cuerpo común, donde la sensación del origen percibido, o el título que el autor expone, nos indican la escena real de procedencia, mas eso no importa, porque cada uno de ellos detalla la fugacidad del espíritu del áurea del genio, impregnada en las radiaciones, comunicando la realidad auténtica. Cada pieza expresa una porción de las sensaciones descritas por el artista, componiendo en su totalidad el relato de la intuición sentida ante una imagen sublime.

Juan Antonio Díaz  elabora una propuesta profunda en su significado, de apariencia intrascendente a los entendimientos poco sensibles, cuya solución se proyecta gracias a una técnica y habilidad plástica suficiente, aunque se queda muchas veces en la superficie, sin penetrar en el meollo de la estructura lumínica.

 

EXPOSICIÓN DE RIBES COLL EN GRANADA

 

LA AVENTURA DE RIBES COLL

 

Autor: Ribes Coll. Título: Ribes Coll. Óleos. Lugar: Galería Rincón del Arte. Fecha: Hasta el 19 de diciembre.

El silencio y la contemplación se aúnan en el desarrollo de una obra de arte, que nace tras el impulso suave que transcurre hasta expresarse en una producción plástica. Surgen las piezas de forma cotidiana, forzadas por la necesidad que crea la belleza del instante sustraído de su orden rutinario, para ser exaltado en el resplandor que descubre, fugazmente, la extraordinaria faz  de la realidad  auténtica, que atrapa los sentidos extrayendo de la imagen el pulso de la eternidad.  Otras composiciones se justifican por sí mismas, divertimento del autor que se recrea en su oficio por simple placer de pintar.

El artista valenciano Ribes Coll presenta un conjunto plástico dispar, en el que encontramos producciones de estudio acompañadas de paisajes.  Todas son consecuencia del sosiego, gusto por la pintura y búsqueda de nuevas maneras de expresar la luz, sus declinaciones, la distorsión creada en la imagen, usando en algunas como pretexto los pintores que admira.

En sus paisajes trasluce la fuerza del Mediterráneo, la feracidad del paisaje levantino, el fulgor de la vida que explota en el frescor de su vegetación, el aroma que emana en esas piezas.  El barroquismo es la propiedad de los escenarios contenidos en sus obras.

Desde un dibujo limpio desarrolla el espíritu de sus elaboraciones, que poseen un colorido intenso mediante  el cual se apodera de la imagen, para describir con su lenguaje el aroma del Mediterráneo. Cuando son piezas de estudio, late en ellas un cromatismo pausado,  denso, sobre el que juega la luz.

 
Ribes Coll ofrece una propuesta rica en sugerencias, que deshacen la sencilla primera impresión, para profundizar en el concepto de la  esencia de la Pintura. 

EXPOSICIÓN DE WILLY LËPLATTENIER

EL MISTERIO DE LAS VENTANAS

Autor: Willy L´Eplattenier. Título: Visión cubista. Lugar: Centro Cultural Gran Capitán. Fecha: Hasta el 30 de noviembre.

Los estilos y formas de entender la pintura no pasan de moda, solo es cuestión de trabajarlos y obtener producciones que igualen su categoría artística, o sugieran nuevas formas de expresar la idea contenida en la composición, superando lo presente. No es este el caso comentado aquí, pero no por ello carece el autor de fuerza original en la presentación, y habilidad, en el desarrollo de la obra.

Willy L´Eplattenier propone una producción plástica enmarcada dentro de las posibilidades del cubismo, jugando con las formas y situaciones para expresar una visión de la realidad sometida al raciocinio, caótica en apariencia, donde subyace un cosmos ordenado, deformando la mirada en la esencia geométrica que la interpreta. La realidad es traducida en un entramado rígido de líneas y círculos, que contienen una poderosa base cromática, potente e hiriente, que hace palpitar las formas que en el espacio enmarcado se configuran.

El trabajo pictórico de W.L´Eplattenier es correcto, intenso en la expresión y continuador de un estilo aún no fenecido, según se constata en las piezas mostradas. Contienen vigor las imágenes  aprehendidas en cada una de ellas, guardando una atmósfera densa en lirismo, que transmite serenidad, la visión de la rutina en los momentos íntimos, impregnando la comprensión del pintor en cada imagen contenida.

Este artista ofrece una obra de calidad, sosegada en su contemplación, que se muestra sin apariencia rutilante inicial para contagiar más tarde el misterio de un mundo ignoto, tranquilo, relatando historias cotidianas ensilladas en  una dicción poética.

El espectador concluye su visita marcado por la impronta del espíritu contenido en sus cuadros.

 

EXPOSICIÓN DE FRANCISCO G.VALENZUELA

EL TRAVÍA DEL RECUERDO

Autor: Francisco G. Valenzuela. Título: Tranvías en Granada. Lugar: Centro Artístico, Literario y Científico de Granada. Fecha: Hasta el 30 de noviembre.

 El tranvía constituyó un símbolo del paisaje característico de la Granada moderna del siglo XX, que caracterizaba el progreso, así como la superación del sopor secular en el que estaba sumida nuestra ciudad. Su figura es un recuerdo ya, con los cables y vías extendidas por todo el casco urbano, cuya visión se ha difuminado y es rememorada por unos pocos.

El tranvía es el elemento central de la propuesta que ofrece Francisco G. Valenzuela, desarrollando en un profuso conjunto de piezas la historia que su puesta en marcha supuso, la expectación creada en los habitantes, el aroma de cambio e ilusión por un futuro de progreso, la absorción  de su imagen para formar parte de las escenas castizas de la ciudad. Todo esto es relatado en el trabajo del pintor, resuelto de manera ágil, rica en sugerencias y buen oficio plástico.  Describe un retazo del pasado reciente granadino.

Las acuarelas expuestas son profusas en color, de construcción cromática densa, vibrante, que induce al pálpito de la escena para simular vida continua, el calor de la existencia. Logra trasplantar la memoria de escenas contenidas en fotografías, y películas, en producciones pictóricas, donde el trazo de la pincelada precisa del artista extrae la exactitud de la forma, para sustituirla por la silueta henchida de mágico espíritu activo, que da vida a la composición, dejando que la comprensión del espectador desarrolle y defina los contornos de la imagen percibida.

El pintor posee una habilidad pictórica que le permite expresar un trabajo dinámico, con un elevado trasfondo de poderosa sensibilidad, evocador y atractivo en su visualización, atrapando una porción del tiempo transcurrido. Supera la elaboración lánguida de la acuarela ligera, tenue, dominada por el color, para construir una obra sólida, que reta a otras técnicas por el resultado conseguido. 

Francisco G. Valenzuela demuestra el oficio contenido en las piezas expuestas, consiguiendo ofrecer una propuesta artística de valía.

ULTIMOS RAYOS DE SOL EN UNA TARDE DE OTOÑO

CRÍTICA A LA EXPOSICIÓN DE PACO MONTAÑÉS

MANTENEOS LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO

 

Autor: Paco Montañés. Título: La pincelada única. Lugar: Palacio de los Conde de Gabia. Fecha: Hasta el 25 de noviembre de 2012.

La acción sustrae el pensamiento, evadiéndolo de la realidad cotidiana para centrarlo en la ejecución del acto, no como medio para conseguir un objetivo o producto sino como fin último. La senda emprendida es entendida como permanencia, reflexión activa y ajena al entorno distinto del trabajo emprendido.

El camino se justifica en sí mismo, siendo más enajenado el pensamiento cuando es mayor la concentración, minuciosidad y precisión. Consigue romper el cerco racional para lograr el surgimiento del resplandor de la idea nueva. Se accede de esta forma al conocimiento personal y a ideas originales. Este es el sustrato de la filosofía oriental, desde la técnica zen, utilizada por Paco Montañés en la construcción de su obra.

Los dibujos en tela de arroz constituyen un haiku continuo que recita la vida cotidiana, el descubrimiento del sentido humano. Es difícil el método empleado, pues no permite fallo alguno. Rapidez, exactitud en el trazo y concentración profunda, son los elementos necesarios para su correcta ejecución.

 
En ese trance el artista muestra una visión de la realidad más profunda, estando la mano raptada, presa de la voluntad del subconsciente, que aflora y destapa aquellos recuerdos ocultos observados en la rutina diaria.

Surge una obra vibrante, de impacto visual, delicada en la contemplación, rotunda en la pincelada, poderosa en el cúmulo de sensaciones transmitidas en la mínima expresión. Al concluir su producción, el autor sufre un cambio interior, encuentra su solución, mostrando un conjunto de piezas con las características aquí descritas.  

Igual ocurre con las piezas cerámicas elaboradas, surgidas como gotas destiladas tras un largo proceso alquímico de tortuosa elaboración, sintiendo el artista una trasformación intensa cuando concluye. Cumple con los mismos principios de la técnica liberadora del cerco lógico, para alcanzar los destellos de la imagen distinta intuida en el interior de su creador.

Quedan como resultado las piezas para la contemplación del complejo trabajo realizado, cuya repetición requiere gran esfuerzo y pericia, solo apto para los elegidos.

Paco Montañés nos presenta una exposición de intensidad conceptual profunda.

EXPOSICIÓN DE INMA LEYVA EN EL HOTEL LADRON DE AGUA(GRANADA)

ESENCIAS DEL MEDITERRÁNEO

Autora: Inmaculada Leyva Palma. Título: Mediterráneo. Lugar: Hotel Ladrón del Agua. Fecha. Hasta el día 20 de noviembre.

Inmaculada Leyva nos describe un mundo arquitectónico definido por líneas y ángulos, sumergido en un océano de cromatismo denso y abigarrado, trasmitiendo fuerza, cuando la luz se disuelve en el mundo de la noche o resucita para estallar en una gloriosa jornada ardiente. Huye la pintora de estas horas, deteniéndose en cielos limpios, pálidos, eternos. Éstos son el fondo que sustenta el propósito de la obra, para mostrar la razón que ordena el entorno. Todo es cadencioso, lánguido, absorto al tiempo, irradiando la esencia permanente de la cultura mediterránea. En sus cuadros conjuga un color sensitivo con la singularidad geométrica que se impone a las formas.

La fuerza de la palabra es la que acota estas imágenes, dándole un carácter singular. Se expresa la artista en composiciones de figuración geométrica, extrayendo los trazos ordenados de las formas imperfectas, como ejercicio academicista que desarrolla la mirada ajena a la emoción del ambiente, el relato de la palabra que interfiere con la mirada, para componer, y entender lugares comunes. El color se alinea con las figuras, generando la diversidad de tonalidades una asimetría visual en la contemplación de las piezas, induciendo el sentido de penumbra protectora, la gravidez de las horas, el peso de la atmósfera, en el intermedio entre el tiempo luminoso y la oscuridad. El espíritu de sus moradores envuelve el espacio, que con sus pensamientos, sentimientos y plegarias, impregnan las estructuras de la influencia de sus moradores.

Sosiego en la expresión, e inteligencia en su configuración, describen la obra de Inma Leyva Palma.