I PREMIO DE ARTE EMERGENTE CERVEZAS ALHAMBRA, EN EL PALACIO CONDES DE GABIA

ARTE Y ARTIFICIOS

I Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente. Palacio de la Madraza. Hasta el 18 de diciembre. Autores varios.

Las obras premiadas en este certamen poseen un excelente nivel técnico, mostrando una habilidad artística de alta capacidad para para plasmar la idea en su forma tangible. Esta exposición es una representación escénica, donde se visualiza la Alhambra como punto central de la reflexión estética que sustenta la propuesta de este Premio. Cada autor ofrece un pensamiento particular del reflejo que suscita en su memoria la evocación del monumento nazarí. En las piezas presentes exhiben su esencia, e incluso en algún caso es deconstruido el recuerdo para ser reestructurado de nuevo según otra forma de ver la realidad, queriendo liberar la sustancia que da consistencia cromática, y geométrica, al monumento representado, de acuerdo con el discurso plástico que quieren desarrollar.

Las piezas seleccionadas están dotadas de calidad en su concepción, acabado y relato interpretado en ellas, introduciéndonos en el espacio simbólico descrito en sus espacios y arquitectura, contenido en sus claves, e incluso en alguna pieza se intuye un cierto estremecimiento sensitivo. Es una exposición de contemplación aséptica, precisa, centrada en elaboraciones muy bien conjugadas con el motivo central de la muestra.

Los autores son Jacobo Castellano, Alegría y Piñero, Miren Doiz, Teresa Sola Abboud y José Miguel Pereguíñez.

Jacobo Castellano aborda la tradición en la madera, vetustez, olvido, aspecto ajado por el tiempo. Alegría y Piñero, recorren el ritmo de las horas impreso en las decoraciones del monumento. La obra de Miren Doiz es color, complejidad, fantasía, geometría, en su constante racionalidad, que se rompe en su repetición infinita. Teresa Solar, cristaliza el flujo del tiempo en el recuerdo perenne del barro, que se mece en el vaivén del tiempo pulsante. José Miguel Pereñíguez presenta una estructura por la que transcurre el aire, el espíritu posado en las estancias, persiguiendo los ecos de su presencia.

El conjunto genera un cosmos cerrado, donde fluye la impresión que ejerce la Alhambra en el visitante, explicado en un montaje de hondo peso intelectual.

Pese a resultame esta instalación bastante académica, y fría en su observación, he de reconocer que contiene un alto interés compositivo, en cuanto a la plasmación del concepto en elemento sólido, que contiene los destellos con los que se define su naturaleza última.

HOMENAJE A CINCO PINTORES GRANADINOS

EL COLOR SE DESVANECE

Finaliza este año y el mundo de la pintura granadina palidece, al perder cinco de sus pintores más queridos y representativos.

Fernando González fue un nexo de unión entre la representación tradicional, de las costumbres de nuestra ciudad, y los modos actuales de expresión de la imagen en el cuadro. Supo unirlos y elevarlos a una forma de composición pulsante, poderosa, dotando de alma cada una de sus piezas. La esencia de la emoción organizaba su trabajo. Con ímpetu iniciaba la elaboración de sus composiciones, reflejando la realidad vivida, la realidad soñada, todas en una, brotando del centro del cuadro un torbellino cromático que se aclaraba en su periferia, quedando desvelado el testimonio de la imagen sentida, gozada ante la seducción de los momentos de la luz triunfante.

Nono Carrillo (Antonio García Carrillo) era un exponente de la raíz clásica de la pintura de esta tierra, el cual dominaba el discurso visual sin salirse de los cánones sobre los que asentaba el trabajo de su pincel. Estilizado, idealizando sus escenas, daba respuesta a la imagen solicitada para el lugar destinado.

Rafael Revelles significó la medida, pulcritud, orden en el espacio pintado, equilibrio y mesura, dotado de fuerte acento académico, rotundo en sus producciones artísticas. Su trabajo fue adaptándose al cambio de gustos y estilos, pero siempre sin abandonar las fórmulas que le dieron siempre éxito en sus composiciones, en las cuales la geometría y armonía estaban presentes. Mostraba desde una mirada íntima su recreación de la realidad. Fue maestro de muchos artistas actuales.

David Zaafra constituyó la pasión desbordada, signo de identidad del arte jondo, sublimación de la imagen y el gesto, pero también concisión, salvada siempre la levedad elegante, cuando se alejaba de sus temas cotidianos, véase su colección de estampas sobre las aventuras de Don Quijote, sencillas, escuetas, centradas en el relato, vitales, genialidad impresa, o sus cuadros de santos que escapan del concepto común, para exponerlos como exaltaciones sumidas en una delicada exposición cromática. Buscó nuevas formas de abordar la imagen, sin romper el molde de la figura, trabajando con elementos matéricos novedosos.

La desaparición de Julio Juste fue inesperada, dejándonos a todos desorientados. En su última exposición, aún presente en los Condes de Gabia, se resume la maestría que atesoraba y fuerza creativa. Trasladó la superficie cromática, el trazo de la figuración, a diversos soportes, extrayendo el mensaje sensitivo, la sustancia que lo intuye, experimentando con distintas formas y materiales, rompiendo el límite del marco, para salvar la luz en sus múltiples tonalidades, flujo intangible, suspiro visual, que con su roce ejerce el efecto deseado. Quiso adentrarse en la estructura íntima del color. Abrió nuevos campos en la expresión plástica.

Fernando González, Nono Carrillo, Rafael Revelles, David Zaafra y Julio Juste, han sido signos destacados en la creación artística de Granada, su desaparición hace que este sea un año triste para la Pintura.

EXPOSICIÓN DE PURI RETAMERO

Y AL FINAL ...SÓLO BELLEZA

Autora: Puri Retamero. Lugar: Cafetería El Doce. Fecha: Hasta finales de diciembre.

Hay muchos pintores en Granada y pocos espacios donde puedan exponer sus obras, pero cualquier lugar es bueno, si la artista posee las suficientes cualidades para demostrar su valía plástica. Este es el caso de Puri Retamero, pintora de excelente dominio técnico, alta sensibilidad y sobrada destreza a la hora de comunicar emociones.

Su producción es variada, marcada siempre por un profundo ritmo poético, desarrollado en un espacio de apariencia caótica, en el que prima la confrontación entre los tonos pesados y fríos y la calidez dorada, en una relación de fuerte tensión, lo cual origina una pulsión intensa en el cuadro. Esta disposición cromática en el lienzo se estructura como un pentagrama con notas tonales, el cual transmite el hilo central que mueve el trabajo pictórico de esta autora.

El color se organiza en las piezas de Puri Retamero, concentrándose en las formas comprendidas para desprender ante el espectador todo su repertorio emocional. Busca en sus obras un mundo ensoñado, idealizado, envuelto en una mirada apacible, que quiere descubrir la geografía de la tierra donde reina la fantasía.

Puri Retamero ofrece una propuesta de agradable contemplación, realizada con una hábil elaboración pictórica, centrada en la expresión de un trabajo de fácil comprensión en el espectador, cuando se introduce en el universo del cuadro, flotando en su ambiente mágico, empapándose de plenitud, vencida su mirada ante la armonía sostenida en la escena.

Esta pintora sorprende por su propuesta intimista, mostrada con sinceridad, fresca y desenvuelta, relatada con claridad gracias a la dicción directa utilizada. Gusta al espectador, comunica sosiego, emoción ante el esplendor por la belleza sugerida. Muy buena exposición.

JUAN RUIZ MUESTRA SU OBRA EN CEFERINO NAVARRO

TRAS LA LUZ

Autor: Juan Ruiz. Título: Show 2017. Lugar: Galería Ceferino Navarro. Fecha: Hasta el 13 de diciembre.

La figura se impone a la luz, al blanco envolvente que quiere disolver todo a su alcance. Se asienta en el cuadro, mostrando su realidad y misterio, las circunstancias que definen su existencia, surgiendo, sin instalarse sólidamente en la escena, los objetos que van perfilando sus días. Aparecen casi difuminados, como evocaciones momentáneas en el devenir del pensamiento.

Expresa Juan Ruiz de forma original el nebuloso mundo de los individuos sumidos en sus obsesiones, recuerdos o vivencias. Concluye el artista de forma airosa la idea propuesta, reflejando en sus piezas seres aislados en sí mismos, desvaído todo a su alrededor, resolviendo con facilidad el fondo de la composición, introduciendo luz en el espacio, soledad en la imagen, intimidad en la escena. En algunas obras el autor se adentra en la descripción del entorno que acoge el tema central del cuadro.

Juan Ruiz presenta un trabajo de apariencia liviana, cuya imagen se estructura en capas cromáticas evanescentes, de tonos intensos discontinuos, en ajuste continuo para fijar el relato visual, siempre soportado en un campo de color grávido, mas se vislumbra impreciso en su contemplación, tal y como surge al ser imaginado. Convierte Juan Ruiz la representación figurativa en corriente de claridades desbordadas, que asolan la impresión primera para liberar a los personajes de sus contingencias. Dota de vibración a la historia reflejada, organizando cada uno de los elementos del conjunto expuesto, en el instante capturado de un flujo mental que se pierde sin rumbo, extrayendo la importancia del ser humano, libre de la contingencia material. El autor es capaz de salvar los límites de la figuración conocida, para construir con la luz la realidad de los seres centro de su atención pictórica. Nervio, calidad, poesía y elegancia, son las características que definen las creaciones plásticas de este excelente pintor.

 

 

EL FLAMENCO SEGÚN F.J. SÁNCHEZ MONTALBÁN

FLAMENCO, GRANADA Y JEREZ

Autor: Francisco José Sánchez Montalbán. Título: Fieras Celestes, Retratos de Flamencos de Granada. Lugar: Centro Andaluz de Documentación del Flamenco, Jerez de la Frontera. Fecha: Hasta el 10 de enero de 2018.

Francisco J. Sánchez Montalbán expone en Jerez el arte jondo de Granada a través de sus instantáneas, mediante las cuales comunica el latir profundo que impulsa y da cuerpo a este tipo de cante. En sus fotografías no se queda en la mera puesta en escena de imágenes curiosas, atrapadas en el momento del éxtasis luminoso, sino que escoge el instante divino, cuando la realidad se despista para extraer del recoveco de lo invisible el halo que da sentido a este arte, hilo tenue que conecta con el sentimiento, arropa la persona en ese momento, para trasladarlo a su recóndita intimidad, enfrentándose con sus pasiones, sensaciones, o simplemente dejarse llevar por el espíritu misterioso de los tiempos soñados. Es pasión, arte, fuerza, desagarro, que describe los avatares de las gentes de esta tierra. Y todo ello es plasmado en las imágenes de este magnífico autor. En su trabajo plástico va mostrando la esencia de este sentir, del gesto convertido en arrebato comunicado, que hace partícipe al espectador.

Es una exposición numerosa en imágenes, conformando su totalidad una historia gráfica del flamenco en Granada, interpretada por su autores actuales. El mérito de este artista visual radica en saber captar el entorno del objeto fotografiado, el cual da cuerpo, y alarga en la imaginación, la historia reflejada. Tras la contemplación de esta propuesta puede el visitante salir plenamente saciado del sabor del arte flamenco, introducido en su espíritu, atrapado en su magia.

Con motivo del Día Internacional del Flamenco, celebrado en esta ciudad gaditana, enseña Francisco J. Sánchez la maestría en su obra conseguida.

SHOJI YOKOSHIMA EN GRANADA

SUMIDO EN EL COLOR

Autor: Shoji Yokoshima. Título: Horizonte. Lugar: Corrala de Santiago. Fecha: Hasta el 6 de diciembre.

Un mundo brumoso es transcrito por el pintor japonés Shoji Yokoshima en su exposición. Es un conjunto de organización sencilla, donde el autor en su elaboración juega con el color, fundiéndose en su devenir cuando se expande en el lienzo. Trasciende la forma y se adentra en la estructura de las gamas de la luz, en sus variedades tonales, las cuales describen la esencia del recuerdo que deja la imagen.

La obra de Shoji Yokoshima posee un desarrollo armónico, jugando el artista con el ritmo del color, con sus notas tonales, más ligeras o de mayor espesor. El resultado visible recuerda muchas veces a paisajes neblinosos, húmedos, en las horas mágicas del cambio, cuando la luz y la noche se relacionan en su alternancia.

Shoji Yokoshima dice que surge su trabajo tras un proceso de meditación, ante la observación del colorido de una pared, o de algún objeto. El pintor se enfrenta al color, se deshace de su yo e integra en su masa, navegando en sus entrañas para fundirse en él, retornando al mundo consciente para expresar esa experiencia con su paleta.

Me recuerda algo al arrebato de José Guerrero, mas en esta ocasión el artista asume su acción desde un proceso reflexivo, guiado por el devenir de la sustancia depositada por el pincel, actuando desde su interior para dirigirlo a la desembocadura deseada.

Esta es una producción de belleza sencilla, presente sin estridencias, cuya apariencia externa encierra una realidad más profunda, pues constituye un proceso de reflexión sobre la naturaleza real de las cosas.

 

 

EXPOSICIÓN DE LAURA SEGURA EN ARRABAL Y CÍA

USOS DEL PASADO

Autora: Laura Segura Gómez. Título: La piel. Lugar: Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 15 de diciembre.

La memoria del lugar es rescatada en la obra de Laura Segura. Propone una instalación escénica donde relata el uso dado a esta Galería en otros tiempos. El trabajo de las pieles curtidas es recordado, no como relato donde se rescata la historia descriptiva, sino como destello que invade el ánimo, para transformarse en inicio de una obra de hondo poso intelectual, en la cual la autora indaga en la consistencia del tiempo. Desde la piezas expuestas desvela los ecos del recuerdo, el sabor rancio de imágenes olvidadas, que se disuelven para convertirse en símbolos del relato visual.

Laura Segura posee una sólida destreza plástica, gracias a lo cual puede introducirse en la definición de la esencia del tiempo. Juega con los tejidos trabajados en conjunción con el material céreo, para crear piezas que simulan las pieles curtidas, el color rojo característico de esos materiales. Simula la artista el paso de las horas, anodinas y silenciosas, pesadas y trabajadas, en la complejidad de la elaboración de esas piezas, siendo el serón muestra de la descomposición y transformación de la materia. Ésta se deforma, altera su aspecto externo, muestra la extinción de las construcciones más complejas, sujetas al devenir de los días.

La exposición está organizada de forma aérea, clara, dejando espacios libres que potencian la sensación de vacío sobre el que flotan los recuerdos, vaporoso fluir que amenaza con eliminarse en la nada. La instalación de Laura Segura posee una visualización racional, escueta, de intenso significado depositado en cada una de sus creaciones. Supera la mera representación estética, la planificación teórica que quiere ser original, para concluir en un trabajo sugerente, fresco y de rotunda calidad.

EL JAZZ SEGÚN ANDREU ALFARO

SATIN DOLL

Autor: Andreu Alfaro. Título: La pasión por el jazz. Lugar: Cuarto Real de Santo Domingo. Fecha: Hasta el 10 de diciembre.

El pintor valenciano Andreu Alfaro nos muestra un propuesta sugerente, de condensado impulso sensitivo, aunando música y creaciones plásticas a través del gesto impreso en papel, o formas escultóricas.

Andreu Alfaro rinde homenaje a una música de intensa raíz étnica, donde la frescura de los ritmos africanos se mezclan con los occidentales, para original un sonido fresco, rompedor de moldes y reglas que encorsetan las notas musicales, saltando al éter libremente, como ritmo cambiante y caprichoso, que atrapa los sentidos para dejarse llevar unidos en su compás. Esto es jazz, emoción, sonidos espontáneos surgidos del alma de quien los interpreta, que penetran en los espíritus abiertos a modo de saetas, prendiendo en ellos un fuego devorador.

Hay momentos en que el jazz se convierte en corriente electrizante que inunda el ánimo, hasta seducir los sentidos; cuando aparece la melodía con la auténtica clave sinérgica que espolea, revoluciona, arrebata, embriaga, y nos introduce en el mundo onírico, presos de las fluctuaciones de los altos y contrastes, que se convierte en un cuadro brillante, impresionista y dinámico, si la música fuera color.

Este autor plástico, abatido por el arrebato de sus tonos, refleja en sus dibujos el trayecto ondulante del sonido, discontinuo, sensual, recio en sus trazos, apasionado. Plasma las partituras en dibujos escuetos, evanescentes, ligeros, mero pretexto para reinterpretar la melodía en la visualización de la imagen. Sus esculturas, de hierro y chapa, son más elaboradas, igualmente aéreas y sinuosas, jugando con la perspectiva, solidificando el flujo sonoro, convertido en expresión tangible.

Andreu Alfaro no se complica con elucubraciones que quieren ser originales y diferentes, sino que se encierra en su emoción, y transcribe su pasión por el jazz, en cada una de sus composiciones. Excelente exposición.