EXPONE ALEJANDRO GORAFE EN ARRABAL Y CÍA

LA FE DE SANTO TOMÁS

Autor: Alejandro Gorafe. Comisaria exposición: Concha Hermano. Título: ESPEJISMOS nada es lo que parece. Lugar: Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 5 de octubre.

Sorprende nuevamente Alejandro Gorafe en su última exposición, pues supera planteamientos de otras propuestas anteriores, abordando de forma valiente las entrañas de la imagen. Este autor granadino ha estudiado la percepción suscitada por la visión comprendida en las composiciones con materiales dotados de voz propia. Logró construir obras donde triunfa la tensión que genera un espacio pulsante, duro, frío y aséptico, o dio vida a máquinas imposibles, cuya misión no era servir a la industria como un titán más, sino que se desarrollaban a sí mismas en sus singularidades. Todas estas propuestas poseían una estructuración espacial, escenificación y planteamientos teóricos que sorprendían por su frescura e inteligencia, creando perplejidades en la mirada, presentando la huella del nervio del artista en cada uno de sus detalles. Hubo otras exposiciones en las que Alejandro Gorafe jugaba con la imagen, y la interpretación que la lógica desarrollaba para salvar el pozo irracional.

En esta última exposición, el creador plástico rompe los límites de lo visible, caminando por los senderos ocultos que los planos vacíos, entre los instantes percibidos, guardan en los detalles no sentidos. Organiza un reto lúdico, en el que la razón interviene a través de la percepción sensorial de la vista. Seduce la mirada para encantarla y mostrarle fantasías, pues cree real aquello que su imaginación fabrica. Alejandro Gorafe se centra en el error de la percepción basada en la suposición y experiencia, en lo común establecido y creído por todos, haciendo ejercicios de prestidigitación, con los cuales demuestra que hay que acceder a la naturaleza tangible para conocer la esencia de la realidad. Hay que ver, palpar, dudar e intuir fuera de la corrección lógica establecida, y así de este modo comprender la verdadera faz de la existencia.

Este montaje plástico posee una puesta en escena precisa y equilibrada, que conecta fácilmente con el público.

DÍAS DE OTOÑO EN RONDA

DÍAS DE OTOÑO
Señor: es hora. Largo fue el verano.
Pon tu sombra en los relojes solares,
y suelta los vientos por las llanuras.
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Haz que sazonen los últimos frutos;
concédeles dos días más del sur,
úrgeles a su madurez y mete
en el vino espeso el postrer dulzor.

No hará casa el que ahora no la tiene,
el que ahora está solo lo estará siempre,
velará, leerá, escribirá largas cartas,
y deambulará por las avenidas,
inquieto como el rodar de las hojas.

R.M. Rilke

El otoño, aunque parece en estos días cálidos que no ha entrado, ha sentado su presencia, tomando fuerza según avanza el calendario. La luz irá perdiendo fulgor, espesura, palideciendo el brillo exultante que inundó la retina, y su abrazo será menos agobiante, aclarando sus pliegues, organizando un festival de tonos de peso suave, que según trascurran los días irá desvaneciendo, hasta extinguirse en su ocaso. La luz se hará tenue, pero entre medias creará espacios acogedores, plenitud ligera, de colorido intenso, donde surgen de los umbrales de la oscuridad signos de fantasía, mas las sombras van imponiendo su dominio.

El Sur de España aparece como lugar de tranquila resistencia, guardando la luz, la alegría, las mañanas tibias, los atardeceres sumidos en una explosión vital luminosa, rompiendo la claridad su monotonía cromática para deshacerse en sus tonos ocres y rojizos, apareciendo sin transición la noche, misteriosa, enmudecidos los grillos, roto el silencio por el chirriar de las lechuzas, y cada vez más el frío, alterando las tormentas su paz, anunciando los meses del estado invernal.

Buen refugio es el Sur para vivir el otoño, disfrutar de sus destellos, del fulgor que consume el final del día, la templanza de la mañana, la modorra del mediodía, el dulzor de sus caldos, la nostalgia de su paisaje bajo un cielo azul profundo, o la levedad de sus tormentas.

Esto es lo que vio Rainer Maria Rilke en sus estancia en Ronda, cuando en el final del otoño de 1912 le escribió a una amiga “Ronda tiene mucho que ofrecerme, /.../ es el lugar justo para quedarme una temporada”

En esta ciudad existen lugares aún auténticos, y más aun sus paisajes. Es una muy buena opción pasar unos días de otoño en Ronda. Hay muchos establecimientos hoteleros, y casas rurales donde alojarse, les aconsejo uno en el cual podrá disfrutarse el sabor del otoño apacible.

https://www.youtube.com/watch?v=--wXUTk-DJc

Hotel La Fuente de la Higuera

JUAN ANTONIO DÍAZ EN SANTA FE

DIÁLOGO CON EL AZUL

Autor: Juan Antonio Díaz. Título: “Siempre igual, siempre diferente" Lugar: Centro Damián Bayón. Instituto de América de Santa Fe. Fecha: Hasta el 14 de octubre.

El azul se expresa en todas sus posibilidades en la obra de Juan Antonio Díaz. Organiza este pintor un trabajo de múltiple comprensión, según sea la perspectiva que se quiera considerar.

En el catálogo propone el artista la imagen del mar, como paisaje cambiante y también eterno, pues siempre está ahí, aunque su presencia es distinta cada vez que se mira. El mar como frontera, también como nexo de comunicación, lugar de tragedias, y otras veces fuente vida. El mar siempre está presente, es inmenso, sugiere misterios y aventuras, abre la imaginación y anonada ante su grandiosidad al contemplarlo. La literalidad de su visualización, la sustancia intelectual que impulsa todas estas ideas, es la primera aproximación que se desprende al estar ante cada una de sus piezas, mas guarda otras interpretaciones, estéticas y sensitivas.

Juan Antonio Díaz explora los tonos azulados, la naturaleza del azul, diseccionando sus vibraciones, reflejándolo en sus composiciones en amalgamas de heterogénea densidad, en formación aparentemente caótica, pero sujeta a un vaivén permanente, eterno, sometido al eco del tiempo. El azul se descompone apara aclararse a veces, dejando escapar destellos de luz, reflejo de Sol disperso en la superficie que se descompone en multitud de chispas brillantes, instantáneas, fugaces, juguetonas. Cuando se condensa abre su faz a sus entrañas frías, cerradas y enigmáticas, mostrando su bravura y peligros.

Pero el autor se introduce aún más en el sentido de su producción plástica, pues descifra el significado oculto del azul, el influjo que ejerce en la persona impregnada de su presencia, frío, profundidad, libertad e infinitud, sueños y fantasía, es un lenguaje amplio, imposible de expresar con el alfabeto.

Es una pintura de impronta abstracta, pero en realidad lo que hace este pintor es extraer fragmentos de la realidad para elevarlos a escenas que abren la imaginación, para entablar un diálogo sensitivo con el espectador.

SOLEDAD SEVILLA EXPONE EN MARLBOROUGT

 

FUGAZ RECUERDO LUMINOSO

 

Autora: Soledad Sevilla. Título: Luces de invierno. Lugar: Galería Marlborougt, Madrid. Fecha: Hasta el 13 de octubre.

 

La pintora crea desde una postura estática, saliéndose del ritmo temporal que recorre su propuesta plástica, luces de invierno, con las que describe un estado de emoción, de espera, descubrimiento y relato de la insustancialidad de lo intangible.

Soledad Sevilla evoluciona en su obra desde la frialdad de los ángulos y rectas, en su producción inicial, hacia la exuberancia cromática, donde el color inunda la superficie del cuadro, en una marejada suave, de claroscuros y gravidez comedida en el tono.

Genera en sus piezas la sensación de luz que penetra, que escapa de la rejilla para envolver todo el conjunto, haciendo invisible la opresora presencia que le impone límites, para construir la idea de una imagen, fugacidad que se siente, siendo la escena devenir dinámico, instantes que se pierden en el final de la caída de lo últimos granos de arena, que alberga el reloj. Mientras, la autora expresa desde una visión atemporal el signo pasajero de la luz, reflexionando sobre la etereidad de ilusiones, ambiciones y quimeras cotidianas, todo es paso parece decirnos.

Su actitud no es de abandono ante la contingencia que anuncia el destino, sino de resistencia, pues salva la esencia de la imagen, no la representación real resumida en un brochazo o sentimiento grabado con su paleta, sino un reflejo de su pensamiento ante el recuerdo de un paisaje, que proyecta en el cuadro, siendo la luz el mensajero que imprime esa sensación.

Soledad Sevilla se sumerge en un universo de honda metafísica, íntima visualización descrita en una composición de luces tímidas, escurridizas, que abren sus tonos, se ocultan en las sombras, evaporándose cuando el espectador descubre el trasfondo del trabajo expuesto.

El conjunto mostrado posee un sello elegante, que trascurre en clave poética, sin aditamentos innecesarios, pues la maestría de esta creadora se ciñe al detalle exacto, portando una reflexión sobre la levedad de la existencia.

EXPONE EN ANSORENA JOAQUÍN UREÑA

ESTÁBAMOS HABLANDO DE TI

Autor: Joaquín Ureña. Lugar: Galería Ansorena, Madrid. Fecha: Hasta el 13 de octubre.

Fluye la soledad en las estancias, bajo un pálido son aséptico, equilibrado, tranquilo. Así es la última obra de Joaquín Ureña. Este pintor desarrolla un trabajo de gran pulcritud visual, sometido a un entramado de colores de intensa tonalidad, que contrastan con la levedad desvaída de otras gamas, que se diluyen evanescentes para centrar la mirada en los elementos esenciales del cuadro. Trasmite el artista un aroma de íntima rutina, describiendo los accidentes espaciales que rodean sus momentos privados, su vida, sus circunstancias, el silencioso proceso de labor continua. Nos muestra un mundo desde el universo interior que envuelve sus horas, propuesto como un paisaje apacible, lugar para ensoñar, que transcurre en la madrugada, cuando la razón decae para liberar la fantasía, la mirada feliz, recreándola en las imágenes donde el cromatismo contienen la melodía que alimenta los sentimientos.

Joaquín Ureña ahonda en las posibilidades de las acuarelas, extrayendo el lenguaje del color, susurrando las impresiones mágicas del instante. Expresa esa idea sobre un complejo montaje plástico, de técnica pictórica conseguida, buen gusto en las tonalidades seleccionadas, encuadres originales, y alguna que otra acuarela que sorprende por el juego de reflejos introducidos en la pieza, ofreciendo varios espacios en uno, reduciendo toda la idea que encierra su obra en una sola composición.

Abre la geometría al azaroso juego de la influencia cromática, que arropa su perfección para llevarla a un plano secundario, ofreciendo escenas de claro sabor pop, basado en la tradición figurativa del los últimas décadas. Sus acuarelas son un relato poético donde triunfan los sueños, que escapan de una realidad gris, anodina y ciega. Joaquín Ureña busca la belleza en la cotidianidad de la existencia.

 

EXPOSICIÓN DE PABLO FORURIA EN LA GALERÍA BENEDITO

CAPRICHO DE LAS CIRCUNSTANCIAS


Autor: Pablo Foruria. Lugar: Galería Benedito, Málaga. Fecha: Hasta el 27 de septiembre.

Pablo Foruria expone una obra de color condensando, expuesto en pleno dinamismo, inquieto, pulsante, variado. Su obra es de técnica amplia, abordando diversos soportes, como tipos de pigmentos de origen natural.

Este pintor granadino posee una amplia trayectoria artística, pese a su juventud, iniciada en París, lugar donde se trasladó para completar sus estudios de Bellas Artes.

Aborda la abstracción clásica, el mundo de las pasiones imposible de comunicar con las palabras precisas, siendo posible conseguirlo mediante la expresión plástica. El contraste entre tonos oscuros y claridades genera una pulsión interna en cada uno de sus cuadros, creando zonas de opresión, transmitida por la gravidez del color, y lugares de escape por la levedad de las gamas usadas. Introduce la impresión de cambio, variación captada en el instante azaroso, capricho de las circunstancias. Incorpora, en el conjunto cromático de cada pieza, rastro de colores portadores de un significado explícito, que adjetiva el relato impreso, sensación pintada que comprende el espectador, compartiendo el momento con el autor. Verdes, azules, rojizos, algún marrón, desvaídos y mezclados, componen un conjunto envolvente, cuya conclusión es una propuesta equilibrada, pero de signo inquietante.

Pablo Foruria trabaja la abstracción clásica de mediados del siglo XX, muy común en España todavía en los ochenta. Persiste en ese estilo, dándole nuevas voces pictóricas, giros y gestos, estirando sus posibilidades de representación, mas abusa de la acumulación abigarrada, pudiendo optar por la concisión del trazo, el sutil impulso presentido del movimiento, lo cual no desmerece una obra realizada con soltura, fuerza, sentimiento y elegancia, que muestra la habilidad técnica e ingenio de este creador plástico.

MERCEDES LIROLA EN ALFAJAR (MÁLAGA)

LAS CREACIONES DE MERCEDES LIROLA

Autora: Mercedes Lirola. Título: Deja que la vida fluya. Lugar: Galería Alfajar. Málaga. Fecha: Hasta el 18 de septiembre.

Mercedes Lirola es una artista prolífica en sus producciones, exponiendo su obra con frecuencia, dejando siempre un signo distinto respecto a su trabajo anterior, que denota un progreso continuado en el camino de búsqueda de expresiones, y elaboraciones artísticas complicadas, sugerentes.

La autora indaga en la plasticidad de la materia, explorando las fórmulas de la mezcla perfecta con el agua y el calor. Obtiene piezas donde imprime su nervio, la fuerza visual imaginada que convierte en real, pero en potencia, iniciada y congelada, en ese instante de fulgor cinético, que explota rompiendo el sosiego de la materia inerte, para mostrarse triunfante en un cambio hacia otras nuevas formas, pero que el momento detiene para quedar como gesto perpetuo, acción perenne, que invita al espectador a soñar con el resultado no resuelto. Mas la creadora ha dejado la huella del ritmo en sus composiciones, el cual disuelve la rigidez sólida para visualizarse como frágil objeto, que oscila al compás de la tenue brisa, o bajo el impulso de la bravura de las olas.

En esta propuesta, Mercedes Lirola ahonda en el equilibrio entre la modulación inducida por su pulso y la resistencia de los materiales. Conocedora de sus secretos, vence su estado de postración para salvarla de la invisibilidad, trasmitiéndole vida, movimiento, cambio sugerido. Lo que consigue gracias a la técnica acumulada en sus experiencias continuas, habilidad e inteligencia compositiva. Posee aquello que la diferencia de otros artistas, curiosidad, tesón, maestría y gracia creadora.

LAS ACUARELAS DE JULIO VISCONTI

TODO VISCONTI EN UNA PIEZA

Autor: Julio Visconti. Obra expuesta en la Galería Trino Tortosa, Almería. Agosto de 2018.

Hace unos días vi unas piezas de Julio Visconti expuestas en la Galería Trino Tortosa, llamándome la atención de nuevo. Las obras mostradas poseen el estilo característico de este excelente acuarelista, siempre cargadas de tonos densos, cuasi sólidos, veteada la superficie de aberturas livianas de colorido suave, por donde el blanco quiere apenas colocarse. Pero las acuarelas allí presentes poseían el halo de la magia inicial del trabajo de este autor. En ellas se reflejaba la influencia de la tierra del sureste peninsular, agreste, desnuda, páramos abiertos presos del sol y la soledad, donde el viento arrasa sin compasión, sonando sus silbos en la inmensidad de su olvido. Julio Visconti capta muy bien el espíritu de este paisaje, sus espacios libres de frondosidades vegetales, solo el hombre, la luz, el cielo y el áspero terreno. En este escenario se invita a la reflexión interior, a la liberación de la mirada para adentrar la comprensión en el revés de la realidad, descubriendo el amplio universo de entidades que pululan en el ambiente. Sus piezas constituyen expresiones poéticas descarnadas, precisas en el objeto central definido, aderezadas con la emoción del artista al contemplar la grandeza luminosa que recorre los campos.

En esta producción Julio Visconti se une a la obra de otros pintores almerienses, que desde estilos y actitudes plásticas diversas, concentran su mirada en el paisaje de esa parte del sur de España. Están unidos por lo árido, la luz, la libertad contemplativa, el azul infinito en todas sus gamas.

Estas acuarelas de Julio Visconti resumen su trayectoria pictórica, así como su grupo de pertenencia, en el cual él es uno de sus maestros.

SOBRE LA OBRA DE MANUEL HIGUERAS

LUZ Y MAGIA

Autor: Manuel Higueras. Obra expuesta en la galería Trino Tortosa, Verano de 2018. Almería.

Es una pintura limpia, exacta, precisa, basada en un dibujo de perfil fino, sobre el cual Manuel Higueras transfiere la imagen real de la composición atrapada. Este pintor captura la visión de instante, plasmándola en el lienzo. Busca los tonos adecuados, sin cargarlos de emociones pictóricas, ni ensoñaciones estéticas, definiendo de manera pulcra la realidad, desde una postura aséptica, sin inferir en las figuras con aditamentos sensoriales, solo la escena veraz, la realidad tal cual. Manuel Higueras realiza un ejercicio de habilidad plástica, maestría en el dominio cromático en el dibujo. Ejecuta un trabajo de perfección, superación ante la técnica fotográfica, introduciendo el componente humano, la fuerza del trazo y la magia, pues el artista actúa como medium para retener el tiempo, queriendo apresar las cosas, recordar el pasado.

Manuel Higueras exprime las posibilidades de la representación fiel de la imagen, recogiendo la luz en todas sus declinaciones, lo vivido como así era. Esto hace que se concluya en que la obra de este pintor esté centrada en la luz, siendo la perfección obtenida mera excusa para conseguirlo. Si centramos la mirada, el autor utiliza los objetos como contenedores del reflejo luminoso, en todas sus variantes y tonalidades, queriendo retenerla, parar el tiempo, condensando en el cuadro los brillos que sus haces provocan en el estallido de su encuentro con los materiales.

Con todo lo anterior estoy describiendo el trabajo de Manuel Higueras, independientemente de comentar su estilo y situación dentro de movimientos, y épocas, pictóricas. Su propuesta posee gran calidad, muchas horas dedicadas, y elegancia expositiva.

EL BODEGÓN DE BAUTISTA JIMÉNEZ

EL BODEGÓN ES ESTOS TIEMPOS DESCREÍDOS

Autor: Bautista Jiménez. Obra expuesta en la Galería Trino Tortosa.

La pintura como obra de arte es una expresión libre que admite todas las variantes posibles, pues su verdadero fin consiste en la expresión sincera del artista, presentada con la suficiente habilidad para suscitar una chispa de emoción, inquietud, reflexión, o diálogo con el espectador.

Cuando el autor opta por recorrer senderos ya marcados por la repetición incesante, puede caer en el campo de la imitación, elaborando productos con buena acogida en el círculo comercial. Es aquí donde es difícil mostrar su valía, porque decir algo nuevo resulta casi imposible. Pero hay creadores que poseen la suficiente pericia plástica, dominio de la profesión pictórica, como para proponer composiciones de buena factura artística, dotadas del destello sugerente que las diferencia del resto, aportando una actualización del tema trabajado. Y este es el caso de Bautista Jiménez. Ojo lector, no es pariente mío ni lo conozco. Este pintor almeriense trabaja el bodegón desde una perspectiva clásica, ofreciendo productos de excelente acabado. Logra realizar obras donde actualiza los elementos que las componen, sin romper con el gusto por la tradición. El resultado de su producción se muestra en unas piezas que conectan con el observador, tanto desde la vertiente histórica, como desde el plano personal, pues lo introduce en el espacio íntimo del cuadro, proponiendo relatos de vidas, tiempos pasados, señas del protagonista que se oculta tras el lienzo. Quiere el artista captar la existencia, absorber el tiempo, la forma que la luz confiere a los objetos, impregnado su obra de nostalgia, melancolía y soledad. Aborda el arte de la Pintura desde el punto de vista circular, indagando sobre la magia de la imagen, y el poder de atraparla en toda su plenitud.

Bautista Jiménez consigue crear piezas que gustan al público, de gran nivel técnico, superando la reproducción para poder exponer su punto de vista personal, en un estilo donde otros se quedan mudos.

ALEX SANTOS EXPONE EN SANTA FE

LA REALIDAD COTIDIANA

Autor: Álex Santos. Título: Sitar. Lugar: Instituto de América de Santa Fe (Granada) Fecha: Hasta el 22 de julio.

Se muestra una obra variada en la Sala, presentando el pintor óleos, dibujos al carboncillo, y acuarelas.

Álex Santos centra su atención en la imagen real, sublimada hacia la perfección ensoñada cuando se trata de dibujos, y cuando son óleos, y acuarelas, disuelve las formas en el color, el cual se convierte en grafía visual sensitiva, comunicando de esta manera las emociones, e ideas, que el artista quiere compartir. Aborda su trabajo situando su mirada en el exterior del cuadro, logrando así exponer una propuesta impersonal, que no nace del autor, sino que éste comparte con el espectador, resaltando las vivencias que se desarrollan dentro de los edificios, el mundo íntimo supuesto, abierto a toda conjetura y fantasía, moduladas según la luz plasmada, cálida y acogedora, contrapuesta con la fría e impersonal de las avenidas o edificios públicos. Es muy densa la superficie en los óleos, lo cual crea un ambiente intenso. Las acuarelas nos enseñan un espacio deslavazado, según dicta la memoria. En los dibujos se representa un mundo gris, frío, inmerso en el vacío de las horas de la madrugada.

Las piezas expuestas intuyen el paso de los moradores, el signo de la razón y la pasión impresa en el cromatismo imperante. Álex Santos crea un conjunto plástico en el que propone una versión poética de la realidad cotidiana.

CARMEN SOLA FRÍAS EXPONE EN EL HOTEL LADRÓN DE AGUA

ESTILO Y COLOR

Autora: Carmen Sola Frías. Lugar: Hotel Ladrón de Agua, Granada. Fecha: Hasta el 20 de julio.
 

Es un mundo soñado, tranquilo, donde se describen los recovecos de espacios sensibles, ante cuya contemplación se producen estados de serena tranquilidad. Carmen Sola Frías propone una estética rica en matices sugerentes, donde desarrolla desafíos estilísticos, jugando con el contraste entre lo complejo y el vacío simple, el entramado de gamas suaves de pétalos con el plano de colores cálidos. Consigue conjuntos cromáticos de vibración visual, que trascurren silentes, con leves alteraciones de diversos destellos tonales, creando un mundo de luz que brilla suave, la cual se disuelve en las gamas de líquida densidad, cuya gravidez se evanesce. Logra en algunas piezas estructuras profundas, cuando no, ofrece estampas sencillas, envueltas de romanticismo.

Carmen Sola Frías es una pintora que se mueve en el campo de la tradición plástica, consiguiendo obras de excelente factura artística, pues tras la habilidosa puesta en imagen, muestra un buen dominio de la combinación del color, siempre marcado por la pasión y la mirada sensible, usando un lenguaje de contrastes y claves ocultas, pues incluye en sus composiciones los genios, que fluyen en los rincones y paisajes, reflejados en ellas. Esta artista nos enseña una obra equilibrada, agradable en su contemplación, producto del nivel artístico alcanzado. Gusta su trabajo, rompe la soledad de la estancia, gracias al diálogo que se establece entre el cuadro y el espectador.

 

CECILIO CHAVES EXPONE LA LUZ DEL SUR

RELATOS DEL SUR

Autor: Cecilio Chaves. Lugar: Galería Benot. (Cádiz) Fecha: Hasta el 2 de septiembre.
 

Brillantes, fulgurantes, captan la luz impetuosa del Sur, así se definen los cuadros de Cecilio Chaves. Este pintor muestra una serie de sugerente cromatismo, donde el blanco triunfa, resplandor rotundo del Sol vibrante, siempre rodeado del azul, vestido en sus amplias gamas. El verde y la banda de ocres se introducen en el conjunto, organizando todos un autentico cosmos, extraído de la visión deslumbrante impresa en la retina, que trasmite alegría, cánticos de vida, en un espacio vacío de personas, apareciendo como protagonista por sí mismo. Es sugerente el silencio inducido en cada una de las composiciones.

El autor introduce una perspectiva distinta a la mirada clásica ante un cuadro, pues juega con la observación en diferentes ángulos, y perspectivas, para completar un gran escenario de múltiples apreciaciones, que conforma momentos superpuestos, reverberación en el recorrido visual, introducción en el vaivén del tránsito del espectador. Si no, curva la imagen, concentrando su contenido para simular el instante de su captura.

Cecilio Chaves juega con el formato de las piezas, superponiendo varias en un conjunto único, o a veces ondulando el plano. Su pintura es vital, describiendo los paisajes urbanos gaditanos, el ánima que circunda por esas tierras. La luz es la protagonista, suponiendo a los individuos que allí habitan protegidos en las umbrías de sus hogares, o en siesta continua. Enfrenta los contrastes de las horas para un mismo paisaje, siendo el ritmo temporal, marcado por las luminosidades, quien define el lugar.

Este artista desarrolla un modo plástico que surge desde la tradición pictórica, transportándola hacia una propuesta actual de exponer sus obras, sea por el formato, como por las líneas de estructura geométrica, disueltas en el fondo de tonalidades incorporadas a éstas. La imagen real es traducida por Cecilio Chaves, exponiéndola desde la racionalidad e impresión sensitiva, impregnada del concepto que describe las características de la costa andaluza.