BARBARA G. PRICE EXPONE DE NUEVO EN ALHAMA DE GRANADA

 

LA OSCURIDAD NO ES ETERNA

Autora: Bárbara Gillette Price. Título: Proyecto Pandemia: Huyendo de la oscuridad. Lugar: Galería del Carmen, Alhama. Fecha: Hasta el 9 de octubre.

Sorprende Bárbara Gillette Price en su obra última, mostrando su adaptabilidad a los diferentes registros que las emociones de los días invocan. Presentan un conjunto plástico de gran rotundidad expresiva, deshaciendo la idea original en el viaje azaroso de la creación de cada pieza. Ésta surge porque sí, pues toma vida en su desarrollo para emerger autónoma del lienzo, poderosa y enigmática, portadora de deseos y tristezas, expuesta como exorcismo, que borrará los recuerdos de los tiempos amargos de la oscuridad recluida.

La pintora posee una profunda capacidad expresiva, sin necesidad de cargar en demasía el cuadro, limitándose al gesto preciso, a la acción necesaria del pincel, que rasga la superficie para descubrir la esencia de la imagen. Juega esta creadora con el azar, dirigido por la experiencia, sensibilidad y técnica acumulada en su dilatada trayectoria artística.

En su obra los colores son limitados, jugando entre sí con sus variedades tonales, conformando composiciones sobrias, serenas, reflexivas, pese al violento trance de su elaboración, que queda contenido en su trazos, en estructuras danzantes que la mirada, en su fantasía, convierte en figuras espectrales, seres ocultos en sus sombras, que danzan, dialogan, transitan, existen solos, y vuelven a danzar, transitar… así una y otra vez, no hay escapatoria, están condenados a repetir la rutina de las horas.

Bárbara G. Price es directa en la descripción de su idea, cuyo resultado reflejado en el cuadro supera al concepto pensado. Ahí está su habilidad y oficio, pues ahonda en la maestría adquirida para convertir su actividad pictórica en gracia compositiva. Se libera de formas y signos singulares, de su producción reciente, para reflejar la imagen descarnada, limpia, simple y directa, exuberante en significados, incidiendo directamente en la razón sensitiva del espectador. Cada uno de ellos vivirá su aventura propia de los días oscuros sin nombre.

Elegante propuesta que huye del olvido para proclamar la esperanza, así es la obra mostrada por Barbara G. Price.

E. MENDIBELANDA EXPONE EN LA GALERÍA JUAN MANUEL LUMBRERAS

ATRAVESANDO LOS ABISMOS DEL ALMA

Autor: Erramun Mendibelanda. Título: “Volé tan alto tan alto… que di a la caza alcance.” Lugar: Galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao. Fecha: Hasta el 15 de Octubre.

Muestra el pintor una obra densa, de intrigante mirada, que profundiza en los abismos del alma. Erramun Mendibelanda (Guernica, 1958) presenta un conjunto de piezas variadas, compuesta por grabados trabajados posteriormente al óleo, en diferentes formatos, y composiciones mixtas. En todas ofrece una visión personal de la realidad, propuesta como espacio de exploración, pues parte del principio de considerar la imagen comúnmente admitida como simulación aparente, que oculta el universo oscuro que envuelve la existencia. Ésta sólo es percibida desde la mirada del espíritu, que se introduce en ella, deambulando en una búsqueda ciega tras el rastro de la Luz, en la Noche Oscura descrita en los poemas de San Juan de la Cruz. En esa soledad tantea, perdido en el laberinto de la nada, horizontes y planos veladores, siempre amenazantes con sus ángulos cortantes de geometría regular, ordenada y racional, salvo cuando se deshace y se hunde en el fondo de tonos oscuros de intensidades varias, en un ambiente de misterio y pérdida, sin desfallecer, pues la voluntad del encuentro da aliento.

Erramun Mendibelanda ofrece un trabajo plástico de fuerte carga cromática, soportado en la lógica de la línea ordenada. Logra que su obra brille en el entendimiento pese al predominio de tonos apagados, espesura en la composición y concepto plasmado en el cuadro. Quizá es porque ayuda al espectador a vislumbrar los campos luminosos de la realidad.

MARÍA LUISA DE MENDOZA EN LA GALERÍA KREISLER

EL ÁNIMA DE LA PINTURA

Autora: María Luisa de Mendoza. Título: Arquitecturas dormidas. Lugar: Galería Kreisler, Madrid. Fecha: Hasta el 15 de octubre.

Geometría ordenada en el espacio, en un universo frío y silencioso, ajeno al tiempo en la soledad de los sueños. Esta es la primera impresión ante la obra de María Luisa de Mendoza en su exposición última. Aparece ésta como la esencia visual que soporta la arquitectura de la ciudad moderna.

Si nos fijamos, nuestro entorno es un conjunto de rectas y ángulos, círculos, semicírculos, conos, pirámides, cuadrados… que se repiten sin cesar, estando desnudos de adornos recargados y de trayectorias retorcidas, según es cada vez más reciente su construcción, aunque siempre ha persistido el orden racional geométrico en el esqueleto esquemático de la arquitectura urbana. El ser humano intenta domar el territorio con su lógica, estableciendo un orden y disposición.

María Luisa de Mendoza juega con este concepto construyendo obras de naturaleza constructivista, expresadas como organización urbana. Envuelve su trabajo de fondos, que nuestra comprensión quiere que sean cielos, los cuales desarrollan el ritmo anímico de la comprensión de las piezas. Unas veces reflexiona sobre la luz y las formas, el cambio de las horas, el tiempo y la eternidad. En otras, ahonda en el mundo de la fantasía, navegando por campos etéreos libres de gravedad, conjugando movimiento y reposo, cambio o permanencia. Son tensiones que incorporan pulso en sus composiciones, vitalidad presentida, fuerza que vence la levedad de la mirada tranquila.

Se percibe la huella del morador, pero este es esquivo, salvo cuando aparece su sombra o el signo de su presencia: el humo. La transformación del entorno es su señal, pero también, a veces, se percibe como tránsito de existencias evaporadas que se desvanecen en el vacío. Todo es fugaz, persistiendo la impronta de nuestra presencia. Y tras estas reflexiones emerge de nuevo el cosmos geométrico de su trabajo plástico.

El conjunto mostrado por esta pintora contiene el ánima interna de la Pintura clásica, traspasada por la vanguardia y expresada como sutil propuesta de elegancia e inteligencia impresa. 

LA REALIDAD SEGÚN JOSÉ NAHARRO

 

EL POP ART DE JOSÉ NAHARRO

José Naharro transmite intensidad en su obra, mostrando la Pintura eterna, es decir aquella que refleja los ídolos y mitos de la Cultura imperante, los nuevos dioses y sensibilidad estética compartida. En su obra además se perpetúan las pasiones, miedos y emociones, siempre presentes en la vida humana.

Sus piezas poseen una elaboración compleja, transitando dentro de la creación del Pop Art, estilo que afirma con rotundidad. Las creaciones de este pintor son barrocas, de colorido espeso, poderoso, agudo, jugando con la gama de colores presentes en los anuncios comerciales, compañeros perennes de nuestra existencia. Son tonos que se imprimen fácilmente en la retina, envolviéndose con el flujo anímico del espectador, para crear un estado de topografía abrupta, donde unas veces se siente vértigo y plenitud extasiada al observar el entorno desde las alturas, para después ser presa del desasosiego de la caída imprevista, libre descenso hacia el fondo del Mundo, mas una brusca inflexión ascendente romperá el aliento. Este fenómeno visual es captado en la comprensión de la mirada, aunque sea imperceptible en el estado consciente del observador. Constituye un escenario perfecto para desarrollar la trama conceptual que el artista quiere reflejar. Bugs Bunny, Mickey Mouse, Pinocho, Pato Lucas, Pato Donald, Betty Boop, Popeye, son algunos de los personajes icónicos populares de la cultura del siglo XX, representando a través de ellos el entramado de pasiones que anega los espíritus en su cotidiano devenir. Sexualidad, ostentación sugerida por las marcas exclusivas, fantasías románticas, sustancias embriagadoras, lujo, poder, velocidad, son mostrados en sus obras. Éstas posee una fulgurante eficacia comunicativa, atrayendo la atención por el colorido familiar, siempre presente en nuestra cultura audiovisual, interpretadas a través de personajes de apariencia afable, simpática, siempre felices, lo que consigue que salve el juicio crítico personal, para ser digerido en el subconsciente. José Naharro transmite, con esta vía de expresión directa, una descripción de los anhelos eternos que impulsan las voluntades humanas, exponiendo los rasgos de la sociedad posmoderna, solo superficie, persistiendo las divinidades eternas vestidas con símbolos actuales.

Sus composiciones son críticas, divertidas, otras veces lúdicas e informales, pero siempre penetrantes, seductoras cuando se visualizan, pues el mensaje en ellas va acompañado de recuerdos, aromas y sensaciones de tiempos inocentes.

José Naharro es un creador plástico que demuestra gran habilidad en el uso lingüístico del color, inteligente en la puesta en escena de la idea ácida propuesta de forma edulcorada. Sus piezas poseen varias capas que se deshacen ante la mirada, concluyendo en el mensaje eterno que se repite desde los tiempos mágicos de la Pintura.

JOSÉ JIMÉNEZ EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

PAISAJES EXTRAÑOS

Autor: José Jiménez Soler. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 25 de septiembre.

La realidad es extraída, tal como la percibe el artista, para reflejarla vibrante en el cuadro. Los paisajes de José Jiménez Soler poseen una fuerza visual que se traduce en impresión poderosa en el lienzo. Están pintados con rotundidad, energía, desesperación, buscando el punto débil a través del cual pueda ser rota la rueda del tiempo, entrando en los espacios desconocidos de la parte oculta de la existencia. La obra presentada por este pintor está exenta de aparente geometría rectilínea, alejándose de su orden las trayectorias descritas, mas la racionalidad prima en la organización de sus composiciones. No importa que navegue sobre un colorido intenso de apariencia amable, el orden rígido que niega su racionalidad, la visualización cortante del paisaje, la atemporalidad extraña, y la deslocalización de la realidad impregnada en la obra, configuran un conjunto que induce al desasosiego. Es una obra inquietante, distinta y evocadora de situaciones contradictorias.

Ahí está su mérito, en crear piezas que atraen la atención, desordenan la línea plácida de la existencia, provocan sentimientos alejados de los imperantes en los días sin nombre.

José Jiménez Soler controla el uso del color, introduciendo desniveles tonales que originan sorpresa en la contemplación, plasmando imágenes descarnadas en la pieza, que desarrolla hacia expresiones plásticas de carácter singular.