EXPOSICIÓN DE DEVAN SHIMOYANA EN CAC DE MÁLAGA

 

EL YO Y LA VIDA

Autor: Devan Shimoyana. Título:Tell Me. Lugar: CAC Málaga. Fecha: Hasta el 27 de agosto.

Ofrece este pintor quince piezas surgidas del universo de la cultura pop, donde explora el mundo mágico del tarot en cada una de ellas.

Devan Shimoyana ( Filadelfia, Pensilvania, USA, 1989) es un artista afroamericano que desarrolla sus obsesiones en esta propuesta plástica, interrogándose sobre el por qué de la existencia, buscando una salida a sus cavilaciones. En su obra se observa la influencia del manga japonés, el mundo de la animación, el de las series populares, su autoafirmación de género libre, el sexo como motivo permanente, con el glamour siempre presente. Trabaja la figuración, utilizando amplitud de materiales, desde la paleta tradicional, añadiendo papel, telas, piedras preciosas y cristales Swarosvski. Todo sirve para expresar la realidad propia, las circunstancias que lo definen, y a partir de esta postura inconformista inicia el camino del descubrimiento. Para ello utiliza, transformado por su original estética de la vida, el Tarot en sus varias versiones. En sus composiciones recrea de forma personal cada uno de los arcanos, relatando el proceso de exploración de la realidad inmediata, aflorando multitud de ideas e interpretaciones. En ellas se observa una fantasía impactante, ofreciendo un mundo por donde discurrir, explorando los secretos del conocimiento, la abundancia líquida que transcurre, pasa y moja todo a su paso, fuente de vida y crecimiento. Sólo en la mirada verdadera está la llave que puede abrir el camino hacia ese lugar enigmático. Como todo lo desconocido genera inquietud, pero atrae por los brillos de la luz de la noche, revelaciones que surgen en la oscuridad de la ignorancia, la cual se multiplica en la piel cubierta de pedrería y cristales, iridiscencia que en sí encierran nuevas realidades. Todo es complejo, rico en opciones, solo falta que la mirada se aventure en descifrar la magia que encierra. Hay piezas en la que la negra noche de lo desconocido parece ofrecer soledad absoluta, mas eso simula su oscura cortina, por la ignorancia mantenida. Conocer significa salir de la seguridad y felicidad de la cueva, para observar la crudeza de la existencia.

Devan Shimoyana ofrece una obra singular, que destaca por su originalidad, y capacidad, para inducir hacia la reflexión de la presencia del yo en la vida.

JORGE GALINDO EN CAC MÁLAGA

 

EL RESPLANDOR DE LA VIDA

Autor: Jorge Galindo. Título: Las flores salvajes. Lugar; CAC Málaga. Fecha: Hasta el 3 de septiembre.

Explota el color en la obra de Jorge Galindo (Madrid, 1965) desbordándose exuberante, poderoso, espeso, traspasando los límites de la figura para ser solamente energía radiante, cromatismo salvaje que escapa de su orden natural para tomar personalidad propia. El pintor expresa esta exageración de tonalidades en formatos grandes, ideales para remarcar el efecto deseado. Es el reflejo del impulso vital el contenido en la obra de Jorge Galindo, intensidad descrita en trazos gruesos, que triunfan en el entramado de tiras de papel sobre el fotomontaje. Explora el sentido del color, la fuerza que su flujo libre produce en la retina, en su impresión primera, trasmitiendo el resplandor de la vida, el cual está sostenido en juegos florales escapados de su medio natural, que cuando fenecen entregan el áurea vital de su lozanía. Es una lírica decadente, percibida como vibración inconformista del sino temporal que somete la existencia. Se rebela el artista, ataca al cuadro con furia, con sus adherencias, brochazos, evadiéndose en ese momento de la razón consciente, para penetrar en el mundo de la realidad imposible, buscada como punto de fuga. Al final sólo queda la huella de ese enfrentamiento, su fracaso se transforman en brillo intuido de la trascendencia. Esta es la gran conclusión de su obra, que supera la mera propuesta estética para convertirse en reflexión. Equilibra bien el color, le infiere energía, lo transforma en mancha libre que quiere ser independiente, consiguiendo creaciones de poderoso influjo visual.

DIBUJOS DE SANTI MOIX

 

LOS GENIOS DEL LUGAR

Autor: Santi Moix. Título: Carbonífera. Hasta el 23 de junio. Lugar: Marlborough, Barcelona

Santi Moix (Barcelona, 1960) presenta una obra gráfica original, abandonando los campos del color para adentrarse en la pureza del trazo del lápiz y carboncillo. Plasma en este trabajo plástico los encuentros luminosos en su recorrido por la isla de Menorca. No se trata de un relato de viajes, sino de anotaciones en las que describe sus encuentros con los genios del lugar, entes impregnados en la imagen del paisaje, sólo percibidos por las sensaciones que producen. Los representa el pintor como masas de elementos interrelacionados, integrados entre sí, unidos en un mismo cuerpo. Aparecen en sus piezas accidentes geográficos expresados como seres estáticos, en su cambio lento de los años, vigilantes, pacientes, creando en su entorno un efecto de sorpresa, descubrimiento, evasión de la realidad cotidiana, imagen que penetra en la memoria para ser pintada sobre el papel. Presenta doce composiciones en esta exposición, consiguiendo incorporar la atención del espectador en el espacio sensitivo reflejado en ellas. Los paisajes contenidos en sus creaciones escapan del dibujo preciso, de la trayectoria lineal, para mostrar recorridos del trazo amplios, de límites imprecisos, que se evaporan en el seno de la figura, concluyendo en una pieza casi orgánica, disuelta en la luminosidad de la isla, sólo ellas con sus contrastes oscuros, pastosos, entremezclados los recorridos del lápiz o carboncillo. Santi Moix rescata de la emoción del descubrimiento visual las imágenes que seducieron su percepción, dejándolas transcritas en sus dibujos. Poseen fuerza inicial penetrante, para desembocar con suavidad en su contemplación, pulso presentido, comunicando el duende que rodea el ambiente de la isla. No basta con ser preciso en la evocación dibujada, sino que es más difícil expresar el momento sentido, penetrando más allá de la realidad, para descubrir el alma del lugar. Y sólo es posible conseguir expresarlo gracias a la intuición, habilidad técnica de la figuración y dominio del pensamiento estético.

ASUNCIÓN JÓDAR Y LOS OJOS DEL PASADO

 

LA MEMORIA RESCATADA

El dibujo rescata del olvido las huellas del tiempo pasado, rastros dejados por los moradores antiguos para reivindicar su memoria, permaneciendo pintados en monumentos antiguos, tumbas, palacios o cráteras. Estas imágenes del pasado van soportando el deterioro de los siglos, la ruina de la memoria, o acaso permanecen en la oscuridad de sus mausoleos. Esperan la mirada de quien se fije en ellos, esperando que pueda reconocerlos, darles forma en el pensamiento, es decir conseguir que estén presentes en la realidad actual.

Asunción Jódar, Lorca, posee varias exposiciones en su currículo. Obras suyas están presentes en diversas colecciones de Madrid, en Tesalónica, El Cairo o Granada, entre otros lugares.

En esta ocasión muestra sus dibujos en el Espacio de Arte Santiago Collado, galería de referencia en la ciudad de Granada.

La artista conjuga la investigación de técnicas de dibujo con el estudio histórico, observando costumbres, la vida cotidiana de los seres representados, las modas de su época, incluso el descubrimiento de sus personajes. También las creencias y aspiraciones de aquellos que reposaban en su eterno sueño. La pintora los extrae de su entorno, les da protagonismo, superando el mero estudio académico, o el análisis histórico, para expresarlos como obra de arte propia. Pues al rescatarlos del olvido, o sueño inane de museos o ruinas, los eleva a protagonistas en primera persona. Les da voz, presencia, forma visual expuesta para entablar un diálogo con el espectador.

Asución Jódar los reproduce en sus papeles, les incorpora su cromatismo restaurado o acaso añade rasgos propios, que potencia la expresividad original de las figuras. También recoge en sus piezas detalles decorativos, los resalta de su conjunto, mostrando la estética que encierran.

La pintora recorre los mundos oscuros del pasado, relatando en sus dibujos el reflejo de la vida de sus personajes. Sacerdotes egipcios cuyos grabados estaban perdidos en los laterales de un pasillo, ajenos a las miradas de quien busca el motivo central de la tumba, cobran aliento, permanecen en el pensamiento, aparecen con sus mejores galas. O pinturas de tumbas y sarcófagos, envueltas en una apacible tristeza serena, contándonos la felicidad pasada, su deseo de pervivir en la eternidad. Mas siempre la melancolía y tristeza recorre la obra, sobre todo en las piezas en las que aparecen jóvenes vírgenes, expuestas libres de emociones.

Asunción Jódar nos muestra un trabajo plástico interesante, que podrá visitarse en esta galería hasta el 29 de julio.

OBRA DE JULIO ALONSO YÁÑEZ EN LA GALERÍA ORFILA

COMO LA LUZ EN EL TIEMPO

Autor: Julio Alonso Yáñez. Título: De los Sistemas Emergentes a la alta complejidad. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Hasta el 24 de junio.

El pintor experimenta la relación existente entre el orden, en su rigidez perfecta, y la complejidad llamada desorden, caos aparente sometido a caprichos invisibles. Sobre esta base conceptual el artista Julio Alonso Yáñez (Madrid, 1963) elabora sus composiciones. En ellas aparecen piezas de imágenes sugerentes, combinación de manchas inconexas, sometidas a una conjunción vibrante de rastros de colores, entremezclados, que evolucionan hacia destinos imposibles, maraña cromática que simula a veces figuras escondidas, mas al aproximarnos se disuelven en pinceladas sin conexión. La ilusión triunfa en su seno, pareciendo en la impresión primera superficies de rocas pulidas, pues en ellas se encierran auténticas abstracciones surgidas del azar natural, expresiones de un orden desconocido. En otras superpone imágenes de perfección geométrica, fraccionadas en contornos asimétricos, flotando sobre superficies monocromas o de tonalidades aunadas sin razón, pero cuyo resultado produce un efecto de estética abstracta. En ese mar del caos navegan estos fragmentos, tensionados entre sí, surgiendo en la estructura de la pieza destellos resultantes de su enfrentamiento, atracción y repulsión, vida latente en la desorganización percibida, resultado de una estructura superior incomprensible, solo producto de la inteligencia irracional, flujo de vida, existencia superadora del orden, escapando del tiempo vacío. Es por lo que las composiciones de este pintor, collages y técnica mixta, reflejan muy bien el horizonte de la fantasía, sorpresa permanente, imagen que quiere ser variable, como la luz en el tiempo. Busca este creador plástico la comprensión de lo complejo, para descifrar la esencia del azar. En su camino artístico va obteniendo piezas de atractiva contemplación, y nervio visual permanente.

EL AULA DE GLORIA MARTÍN

 

EN LA INTIMIDAD DE LA PINTURA

Autora: Gloria Martín. Título: Aula Río. Lugar: Galería Birimbao. Fecha: Hasta el 25 de junio.

El mundo cotidiano de la pintora es representado en su obra, contenido éste en el estudio de trabajo, los rincones en el que imparte clase a sus alumnos, el lugar donde la rutina del tiempo convierte los días en una repetición sin fin. Es un espacio sereno, donde la artista permanece ajena a todo aquello que no es Pintura, siendo el motivo que da vida a esta propuesta plástica.

Gloria Martín elabora una obra de sólida composición, trascendiendo el realismo hacia una realidad brillante, superado por la fuerza del cromatismo, que convierte en rememoración mágica el lugar gris de las horas sin sustancia. Estas son la apariencia del duro proceso creativo, mas el destello surge siempre si se es hábil en el oficio, obteniendo como resultado las piezas expuestas.

Las composiciones de Gloria Martín poseen fuerza, expresividad, lirismo sosegado, brillo plástico que las convierte en piezas de excelente calidad y originalidad. Conecta con el nuevo realismo, en el que se refleja la ilustración, la pureza del dibujo, el mundo interior que nos acoge.

La pintora extrae las figuras de la realidad, objetos sin valor, rincones anodinos, para plasmarlos como representaciones que atraen la mirada, llevándola a escenarios de evocaciones de tiempos detenidos, curiosidad suscitada, relatos de trabajos y conversaciones en su estudio..

ÁNGEL ALÉN EXPONE EN CAC LA CORACHA, MÁLAGA

 

ESPACIOS ACOGEDORES

Autor: Ángel Alén. Título: Chanson du soleil. Lugar: CAC Málaga La Coracha. Fecha: Hasta el 25 de junio.

Ángel Alén es un pintor original, por la forma de abordar el realismo en la pintura y la conclusión del motivo central de su obra, en torno a la arquitectura de Le Corbusier.

Se siente enamorado de ese tipo de proyección en las edificaciones, basada en la simetría limpia, geometría de rectas y proporciones, diafanidad en los espacios habitables, en medio de una Naturaleza serena que los rodea. Pero este tipo de interiores toma vida propia a través de la luz que los traspasa, claridad solar que inunda su ambiente en las horas centrales del día, y en la noche, explosión luminosa interior percibida a través de sus ventanales. Esta última perspectiva es la utilizada por el pintor para realizar sus obras, pues busca las horas crepusculares, el azul que se apaga en el cielo, las sombras crecientes de la vegetación circundante, la cálida luz que sale de sus ventanas y claraboyas, que invita a suponer unas estancias acogedoras, que abrigan en las horas pesadas de la noche, suponiendo unas existencia tranquila.

Es un evocación poética de la intimidad, en un mundo sosegado, sometido a la razón descrita por la geometría y la limpieza de la Luz. Ángel Alén acompaña estas piezas con otras en las que relata el complicado universo de la creación plástica, reproduciendo rincones de su estudio o de otros pintores amigos. Es un desorden dinámico el que aparece, que se organiza hacia una construcción de la lógica, para expresar las piezas de representación arquitectónica aquí comentadas. Sus composiciones son elaboradas con carboncillos, lápices de colores y óleo, siendo su resultado una estética brillante, atractiva y de gran peso compositivo.

LAS FANTASÍAS DE NATIVIDAD JIMÉNEZ

 

EN EL MAR DEL DESEO

Autora: Natividad Jiménez. Título: De mar y otros deseos. Lugar: Galería Haurie, Sevilla. Hasta el 7 de julio.

Ofrece la pintora una obra en la que recrea un universo de fantasía, jugando con las imágenes del mar, la mujer y el jardín.

Natividad Jiménez, Torredonjimeno, Jaén, organiza estas tres ideas para construir un mundo lleno de sensibilidad. La mujer representada de forma sutil, con líneas ligeras, casi esquemáticamente, apareciendo como vaporosa, flotando ingrávida, ajena al entorno real, ella sola y su círculo íntimo, casi fundida en su ambiente de irrealidad, construido como un espacio mágico. Ella y la Naturaleza, umbrías en la floresta, en la cual respirar la fuerza de la vida, internarse en sus misterios, en espera permanente de la sorpresa que aguarda. Y el mar siempre presente, horizonte que promete aventuras soñadas, línea donde encontrar la realidad deseada, lugar en el que encontrar el Paraíso presentido, descrito en las gamas de colores, estructurados horizontalmente, como una partitura que desarrolla toda la trama sentimental contenida en su propuesta plástica.

Natividad Jiménez domina el lenguaje del color, el trazo preciso que se deshace en delicada evanescencia, o contundente trazo cuando representa el paisaje marino, que se desvanece en imaginación lírica, consiguiendo transmitir la idea de serenidad, silencio, privacidad, generando un universo propio. Esta artista pinta ajena a formas y modas, pues posee un estilo personal, dominio en el uso del color, habilidad en su dicción pictórica.