MAR GARRIDO EN CICUS

 

BELLEZA AJENA AL TIEMPO

El paisaje es objeto de atención plástica, respondiendo su plasmación a motivos diferentes. Esto ocurre, como en otras técnicas de expresión artística, en la fotografía o videocreación.

Puede suponer un escenario típico, castizo, sorprendente, curioso, encuentro inesperado, atrapado en el instante.

Hay, también, creadores que utilizan la imagen del paisaje como relato de abandono, destrucción y olvido. Invitan a la reflexión y cambio de actitud, esperando despertar conciencias, o comprometer, en el cambio del presente imperante.

Otros artistas fijan su mirada en el medio natural que los acoge, desde una perspectiva estética, en ocasiones casi mágica, unas veces aprehendiendo la esencia invisible que danza en sus espacios, en otras proyectando la sensibilidad que les impulsa a dialogar con la realidad que les rodea. Es una acción de ida y vuelta, esta última, pues irradia su experiencia emocional hacia fuera, retornando ésta impregnada de sutiles tonalidades evocadoras, que enriquecen su actividad plástica.

En el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, CICUS, se han reunido dieciséis artistas visuales en la exposición colectiva «Nuevas topografías fotográficas: de vueltas con el paisaje», que tendrá lugar hasta el 20 de julio de 2023, proponiendo tres miradas de la realidad mostrada por el paisaje, centradas en su construcción artificial, la memoria y la poética visual.

En el grupo de creadores participantes se encuentra Mar Garrido, artista de intensa relación expositiva con Almería, la cual presenta su obra, fotografía digital sobre papel de algodón, estructurada en tres líneas de pensamiento, aunada por la percepción lírica de la realidad natural que nos rodea. Estas son: Las huellas del agua, Voluntad de las líneas y Poéticas de la interrupción. En las tres muestra un relato profundo sobre el destello de la luz, que encierra los espacios sentidos tras la imagen. Reconstruye el tránsito del agua en la huella de su paso, en otra reflexiona sobre la libertad azarosa del recorrido de las ramas vegetales, en una pared de intenso amarillo, cuyo contraste genera una tensión visual, que ayuda al espectador a internarse por los espacios de resplandor estético, olvidando la verdad racional para contemplar su mundo interior. Si no, fija su atención en el movimiento detenido, ritmo armónico cerrado en su estado estacionario, periodo repetitivo hasta el final, imagen estática comprendida en su movimiento.

Las piezas de Mar Garrido poseen la belleza del momento, en la evasión del pensamiento ajeno al tiempo.

LA MIRADA DE ALEX HÜTE

ROMÁNTICA METAFÍSICA ESTÉTICA

Autor: Alex Hüte. Título: Flowers and Rooms. Lugar: Galería Helga de Alvear, Madrid. Hecha: Hasta el 29 de julio.

Alex Hüte ( 1951, Essen, Alemania) explora el significado de la imagen, la impresión de la luz percibida que define visualmente las formas, colores, e influencia que en el entorno sensitivo produce. Este artista alemán trabaja la fotografía, sus posibilidades, introduciéndose en los diferentes modos de expresión según las técnicas de revelado, o el soporte de su impresión.

Extrae la esencia de la imagen, liberándola del color percibido en la realidad, para adentrarse en otras formas de comprensión, el efecto que produce la alteración cromática de su visualización. Alex Hüte capta el paisaje en sus instantáneas, también se centra su obra en motivos arquitectónicos, no como un todo, sino buscando la parte que individualmente adquiere personalidad propia. No busca reproducir una escena para mostrar su belleza, como tampoco su tipismo, sino para representarlo como una aparición de figuración azarosa, singular, antesala de una experiencia mágica.

En esta ocasión el fotógrafo experimenta con el trasfondo de la imagen no percibida, alterando la luz original reflejada, invirtiéndola, plasmándola en cristal o metal, previamente pintado de negro. Como resultados surge un mundo onírico, distinto, en el cual muchos elementos de la imagen se destacan, tomando protagonismo sobre aquellos efectos que los hacían invisibles. Centra su objetivo en interiores barrocos, los cuales se convierten en estancias sugerentes de historias inquietantes, extraordinarias. Descubre lo mágico del paisaje cotidiano. Las flores son otro motivos de su acción plástica, extraída su presencia habitual para mostrar el halo oculto que encierra su belleza, vida latente en su naturaleza muerta, halo presente como rastro de la lozanía que tuvo, la cual se presiente que está en proceso de liberación. Son muchas las apreciaciones sobre la obra de este artista visual, siendo su versión romántica aquella que percibo de su metafísica estética.

OBRA DE ISABEL BAQUEDANO

 

ISABEL BAQUEDANO

En la galería Guillermo de Osma, Madrid, se presenta “ El color del ensueño”, obra de Isabel Baquedano. Hasta el 14 de julio de 2023.

Es la obra de esta pintora un trabajo de profundo sosiego visual, en el cual transcurre sus años de producción plástica sin grandes sobresaltos estilísticos. Isabel Baquedano (Mendavia, Navarra 1929- Madrid, 2018) fue una artista con un sello particular en su creación pictórica. En su obra recoge todas las adherencias de modas estéticas del siglo veinte, estando marcada por una poderosa metafísica en su visualización, la cual se desliza hacia un misticismo último. El hombre y su contingencia, lo perdurable y eterno, son las tensiones que sostienen la estructura de sus composiciones. En otras se evade y pinta porque sí, sean bodegones o momentos íntimos. En el desarrollo de su obra se observa una transición del dominio de la abstracción, sobre la figura, hacia un realismo evanescente, expuesto como ensoñado, para pasar a una figuración donde abundan los campos de color, la geometría y el dibujo estilizado de sus personajes. El cromatismo aplicado en sus piezas transcurre sin sobresaltos, suave, acogedor, con cimas de intensidad de tonalidades más grávidas y oscuras, mas en el conjunto triunfa la claridad, la serena sensación de una luz tenue, como surgida del recuerdo. En estas últimas elaboraciones el signo de la animalidad humana, el mono como ancestro, acompaña la delicadeza de las actividades artísticas, evolución del pensamiento estético de la vida, superación de la intuición, que es dominada por la sensibilidad del espíritu.

Isabel Baquedano fue una artista de gran personalidad, libertad compositiva, claridad de ideas, como expresión profunda de afirmación de sus creencias, fantasías y búsqueda la la imagen sosegada, reflejo de la belleza sentida.

JOSEBA SÁNCHEZ ZABALETA POR LOS CAMPOS DE ALMERÍA

EL VACÍO DE LA TIERRA  AUSENTE

Joseba Sánchez Zabaleta (Cistierna, León, 1970) presenta “El olvido que nos habita” en lSala Parés, de Barcelona. Los óleos mostrados en esta propuesta reflejan la realidad invisible que nos acompaña, aquella que existe, pero pasa inadvertida ante nuestra mirada, sumida en las rutinas cotidianas. Ofrece el pintor una obra de pulcro realismo, detallista, sumida en una luz tenue, de claridad pausada, extraída del instante recordado, aquel en el que el paisaje rompe el velo del ritmo temporal imperante, trasladando la contemplación al estado sumido en el reposo del tiempo detenido. En otras composiciones, recrea el artista instalaciones en la cual quiere reflejar el lento fluir de la existencia, espacios vacíos en espera de sus moradores. En sus piezas la ruina es apariencia, pues el ánima de los habitantes están impregnados en objetos y rincones, utensilios y pasillos, el vacío solo es inexistente. Para ello sólo basta mirar, mirar con parsimonia, detener el pensamiento y esperar que surja el destello revelado de la realidad auténtica, aquella que permanece, cambia y se transforma, manteniendo su esencia eterna.

El pintor recorre el sudeste peninsular, descubriendo los paisajes de esta provincia. Dice este artista que “ Almería se ha convertido en el epicentro de mi vida en estos últimos tres años. He viajado periódicamente al oriente andaluz en busca de ese vacío propio de la tierra ausente y allí estaba”. En su visita quedó atrapado de la belleza primigenia de los campos desiertos, de las ruinas y cortijos abandonados, envueltos en luz cegadora, en la nada descarnada de un escenario primigenio.

La obra de Joseba Sánchez Zabaleta es un ejercicio de reflexión sobre la soledad aparente, la libertad de la persona libre del tiempo. Lo expresa en escenas compuestas con un equilibrio visual absoluto, superando la perfección de la fidelidad en la imagen plasmada en el cuadro, para incorporar el rastro de la ausencia, el misterio en las sombras, el reflejo presentido de las huellas en los utensilios abandonados. Sabe modular el ritmo de la contemplación, estimular los sentidos en la aventura visual de su recorrido en el cuadro. Los colores aplicados en sus piezas son suaves, apagados, simulando estar el polvo impregnándolo todo, los objetos, paredes, suelo, el aire…reflejando el instante detenido del olvido. La pintura de Joseba Sánchez Zabaleta nos muestra la existencia ajena al tiempo medido. Esta excelente exposición podrá visitarse hasta el 1 de julio.