MARIETTA NEGUERUELA EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

 

LA RAZÓN DEL PAISAJE

Autora: Marietta Negueruela. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 21 de octubre.

Marietta Negueruela (Valladolid, 1963) aborda con valentía la definición plástica del paisaje, recomponiendo la imagen como reflejo extraído de la mirada recordada, reconstruida con el pensamiento racional bañado en fantasía.

En sus piezas surgen los campos teñidos del brillo resultante de su encuentro, producto de las sensaciones que afloran en ese instante. Traduce esta impresión, y la transforma, en una estructura medida, acotada, conjugada de gamas disonantes, cuando tras el peso de un color sucede la evanescencia de su vecino, simulando una estructura cristalina interpuesta en la visualización del observador y el espacio natural. Traslada la imagen a estancias ajenas al orden temporal, construyendo una realidad ordenada, limpia, donde los colores van modulando las sensaciones aprehendidas en la percepción de la pieza, guiando al espectador en el recorrido de sus recovecos y rincones, llanuras y elevaciones, envuelto en una danza cromática que se percibe en su atmósfera. Placidez, serenidad y ensoñaciones triunfan en el ambiente contenido en sus obras. En éstas los cielos inducen plenitud vital, que se abrazan en un horizonte susurrante de esperanzas, misterios por descubrir, paraísos por contemplar. Al final surgen, en muchos de sus paisajes, montañas cuyas siluetas irregulares rompen el orden pensado en el recuerdo, mas su presencia es necesaria, pues significa que el azar y la sorpresa siempre aparecen, el futuro es impredecible, no todo está definido en su totalidad.

Marietta Negueruela posee un estilo fresco, dinámico, en el que el resplandor de la luz, en sus obras, conecta con la pintura renacentista, proponiendo un modo plástico elegante de entender la Pintura, para elaborar composiciones de gran calidad.

LOS PAISAJES DE ALESSANDRO TAIANA

 

LA IMAGEN ETERNA

Autor: Alessandro Taiana. Título: Aire de Puerto. Lugar: Galería Gurriarán, Madrid. Fecha: septiembre-octubre de 2023.

Explora el pintor la realidad a través de los signos que percibe, formas y colores, a lo que suma la emoción del instante, la fuerza que arrebata su mirada, encogido su espíritu por el esplendor sentido en ese momento fugaz que se imprime en la memoria.

Alessandro Taiana (Como, 1967, Italia) es un pintor seducido por el paisaje, paseando por todas los escenarios que el entorno le propone, unas veces urbanos, la periferia de las ciudades, así como campos y sierras, libres de la huella humana, en su vibrante transcurrir de los días repetidos, sólo alterados por el signo de las estaciones.

Quiere el artista plasmar la realidad autentica que encierra la observación de la Naturaleza, captarla tal cual, alejada de la representación pulcra en que la razón imprime su huella, como también no dejarse seducir por la pasión sensitiva, presa del colorido que inunda la retina. Es un ejercicio de gran sutilidad plástica el realizado por Alessandro Taiana, que implica una gran habilidad técnica para realizarlo.

En esta ocasión expone el pintor una serie de óleos, sobre soportes diferentes, en el que recorre el paisaje de la Sierra del Guadarrama, lugar que ha seducido su percepción sensitiva, buscando describir la esencia que sostiene su realidad.

No se limita A. Taiana a reproducir en su obra la imagen como expresión realista, sino que supera ese pensamiento tras la descripción de la luz que la define, vehículo que sostiene la verdad de su esencia. Logra el artista componer paisajes en el que supera el dibujo, transposición fiel de lo visualizado, empapándolo de un cromatismo contenido, reflejo de las energías telúricas del ambiente, el cual transcurre cadencioso por toda su extensión, en forma de susurro que quiere atrapar la atención del espectador. Imprime una atmósfera singular en este conjunto de piezas, diferente a la luminosidad vibrante de otras obras anteriores, pues modula la claridad, engarzándola en la humedad del ambiente, que unida a la hora anunciadora del ocaso, recrea una luz casi ajada, convirtiendo la contemplación en una imagen atemporal, eternidad de la montaña, la cual vive en su perennidad transformante sin percatarse de nuestra existencia.

A. Taiana consigue trasponer esta experiencia emocional, y visualizada, en su trabajo plástico, gracias a la habilidad que posee en la conjunción de gamas y su destreza compositiva.

EXPOSICIÓN DE JONTHATAN HERNÁNDEZ EN LA GALERÍA LA CAJA NEGRA

 

¿ARTE O ENSAYO?

Autor: Jonthatan Hernández. Título: Andado, dislocados y fuera de lugar. Lugar: Galería La Caja Negra, Madrid. Fecha: Hasta el 16 de octubre.

La realidad es concebida en el entendimiento cotidiano como una verdad que está fuera. La vemos, sentimos, y nos la enseñan a través de los medios de comunicación, sobre todo audiovisual, pues la imagen es el instrumento más eficaz de plasmar el reflejo del acontecimiento, su sentido y significado. La misión del ser humano, según las afirmaciones anteriores, es descubrir el entorno real que nos acoge, a través del pensamiento racional, de las luces del pensamiento. Comprendida así la circunstancias que nos rodean, la imagen ayuda a descubrir el mundo tal y como es.

La realidad, así entendida, es tangible e inmutable, tanto en su parte iluminada por el descubrimiento de la razón, o aquella inmensidad que aguarda en las sombras de la ignorancia. ¿Es así en verdad? Puede que sea todo apariencia, depende de la intención de quien la descubre, de cómo se interpreta, de su relación con la cultura de valores que la digiere y adapta a su visión de la vida.

El artista mejicano Jonthatan Hernández, ofrece una instalación en la que muestra las imágenes de la realidad tal y como nos la ofrecen los medios de comunicación. Conduce al espectador a una reflexión sobre la veracidad de las historias contadas, poniendo en duda el uso de la percepción en la comprensión de los hechos, y realidades, que nos rodean. Todo consiste en una elaboración bien sincronizada de imágenes, teñidas de situaciones incitadoras de estados emocionales, que cuentan una realidad figurada, cuyo rastro en el recuerdo es anulada por el siguiente relato inmediato. Así no se reflexiona, sólo se acumula, quedando un fondo basura en el subconsciente, que entorpece la puesta en acción de los valores propios, anulando el sentido común. Es por lo que este creador plástico pone en duda la solidez del mundo real, pues propone éste como una entelequia construida por una razón ajena. Actuando el sujeto receptor como ente pasivo, siendo el activo la parte interesada que quiere que la imagen comprendida así sea.

Jonthatan Hernández elabora sus montajes con recortes de periódicos, imágenes de vídeo descontextualizadas, realizando un trabajo expositivo, en el que salva los destellos de la realidad manipulada hacia un propósito determinado. El autor desmonta la lógica imperante, cuestionando los mensajes visuales que se reciben como un flujo incesante.

Jonthatan Hernández crea un lenguaje basado en imágenes, construido con habilidad e inteligencia, producto de largas horas de reflexión, en el que describe, y denuncia, la realidad presente, la sociedad impuesta, la dicotomía entre lo que es y aquello que nos presentan como verdad.

La cualidad de este artista es haber conseguido transformar en expresión plástica piezas construidas como instalación expositiva, pues inducen a la reflexión, e investiga a la vez sobre formas alternativas de expresión visual.

 

EXPOSICIÓN LIMITS EN LA GALERÍA MECA MEDITERRÁNEO

 

PHOTOESPAÑA EN MECA MEDITERRÁNEO

Autores; Dori Fernández, Karlos Kaplan, Francisco Uceda. Título: No Limits. Fotografía Contemporánea. Lugar: Meca Mediterráneo, Almería. Fecha: Hasta el 5 de octubre.

La mirada perdida en la bruma de los días esquematiza la realidad como una entelequia intelectual, no sabiendo si aporta más el recuerdo que la imagen auténtica. Mas al detener la atención en un punto intrascendente se descubren mundos ocultos, que presentados fuera de su entorno aparecen como abstracciones fantásticas de la imaginación. Los artistas rescatan estas imágenes, convirtiéndolas en motivo de reflexión o apoyo a su discurso expositivo.

Dori Fernández propone un trabajo de honda significación conceptual, en el que salva del entendimiento difuso la imagen de un avispero. En esta visión nos muestra el efecto de rechazo ante el temor que sus constructoras suscitan, y tras salvar esta precaución ancestral nos adentramos en el espacio repetitivo, matemático, denso, de las celdas, incitando la curiosidad sobre cómo es su interior. Induce muchas sensaciones esta visualización. Superada la inicial sorpresa, eleva la contemplación a una reflexión sobre la realidad social que nos rodea: ciudades con edificios colmena para acoger una colectividad dedicada a una función, a una disciplina de especie, cuando la individualidad no existe. Esta artista nos muestra un trabajo fotográfico fresco, dinámico, de pensamiento intenso sustentado en una hábil expresión plástica. Excelente.

Karlos Kaplan presenta unas esculturas de rotundidad absoluta, en las que se aleja de la minuciosa fotografía del detalle para exponerla con salvaje postura creativa. Su obra describe lo que el subconsciente del pensamiento actual anida, es decir, la Naturaleza acosada por la técnica, la cual se subleva y rompe los moldes impuestos por la razón humana. En otras piezas nos muestra la futilidad de las ilusiones, cuando en los primeros años todo es deseo y fantasía, saltando chispas de ensoñaciones, siendo más tarde restos de naufragios; o la linealidad como vía temporal que todo encierra y comprime. Se empieza en la nada y allí desemboca, todo contenido en pequeños detalles de imágenes agolpadas, sometidas a la luz del momento de la emoción. Se resume la vida en una estructura limitada.

Francisco Uceda presenta un conjunto de rostros, que aparecen espontáneos, tal cual, ante el objetivo de su cámara, en los cuales se desprende la diversidad y a la vez la identidad que nos unen. Cada semblante muestra una mirada, a través de la cual se traducen deseos, vidas, o vacíos. Gracias a su habilidad genial en la expresión de la imagen, logra el artista relatar una complejidad de ideas de forma tan sencilla.

Como siempre, las exposiciones en esta galería no defraudan.

KARLOS KAPLAN

FRANCISCO UCEDA

DORI FERNÁNDEZ

OBRA DE CELSO ROMÁN EN LA GALERÍA HAURIE (SEVILLA)

 

LA PRIMERA IMPRESIÓN

Autor: Celso Román. Título: Gesto, Color y Figura. Lugar: galería Haurie, Sevilla. Fecha: Hasta el 21 de octubre.

Expresa en una impresión profunda el resumen de la imagen. Celso Román (Linares, 1967) plasma el recuerdo de rostros y personas, con sutileza profunda y agilidad descriptiva, en trazos breves, discontinuos, gruesos cuando quiere reflejar el rasgo poderoso que define su carácter, ligeros para expresar el mundo de fantasía que guía sus ilusiones. Crea el pintor un lenguaje plástico cuyo vocabulario visual describe la esencia que acompaña cada rostro, incorporando una gama cromática inductora de sensaciones, aunando así presencia y emoción, gracias a lo cual cada rostro posee una singularidad propia, mostrando su fuerza, personalidad y sentimientos, que su encuentro suscita. En las piezas encontramos las diferentes forma de ser que se encierra en cada personalidad, la social y la íntima, expresada con habilidad por el artista, mediante una simplicidad de líneas, marcadas con rotundidad, acompañadas de un salto cromático que muestra las diferencias de ámbitos en el que se presentan, bien conjuntados, lo que permite el paso espontáneo y fácil, según la aleatoriedad del momento dirigido por la emoción presente. Celso Román elabora un trabajo plástico directo, en el que la simplicidad del dibujo sustenta una combinación inteligente de tonalidades, que reflejan las historias contenidas en cada una de sus piezas. Con economía de líneas y precisión de colores, define el mundo interior de los rostros plasmados en sus composiciones.

 

GENIO E INGENIO SEGÚN CRISTINA ALMODÓVAR

 

LAS FORMAS DEL INGENIO

Autora: Cristina Almodóvar. Título: Plenitud y vacío. Lugar: Galería Fernández- Braso, Madrid. Hecha: Hasta el 28 de octubre.

Se interna en el mundo de símbolos y conceptos la artista, desarrollando su teoría sobre la simulación de la realidad, la discontinuidad de la percepción, siendo el pensamiento quien construye la verdad entendida.

Cristina Almodóvar realiza un trabajo plástico más preocupado por la experimentación que por su expresión final en la mirada del público, siendo sus creaciones puntos de reflexión sobre la autenticidad de la imagen tangible, mostrando la futilidad de la veracidad de la escena real que se quiere interpretar. Conociendo la esencia que sustenta la interpretación de lo percibido, pudiera comprenderse qué esconde la auténtica faz del espacio que nos rodea, la expresión de la luz desvelada en sus intrínsecos secretos, la Naturaleza comprendida tal cual es ¿o acaso es la forma quien nos engaña mediante la simulación en otros materiales?

Formas, luces y sombras, rupturas espaciales, y saltos de dimensiones, recrean el flujo temporal que ordena la sucesión de imágenes, convirtiendo la lectura, de las creaciones plásticas expuestas, en vida contenida en ellas, la cual apresada en el espacio expositivo se repite cíclicamente. ¿Pero esta es la auténtica realidad que se descubre? Es la pregunta que espolea la curiosidad insatisfecha de la artista, provocando que busque incesantemente en el vacío de la nada, para construir relatos visuales con la mínima expresión de materiales, sentando en su inteligencia compositiva la obra que quiere explicar, y que a la vez sirva como campo de exploración de la realidad última, Mas puede que ésta sea resultado de la construcción de su ingenio, pues le da nombre, distingue y propone, siendo producto del interior de su genio. Genio e ingenio, como decía Baltasar Gracián.

Cristina Almodóvar exhibe una obra de gran habilidad compositiva y precisión técnica, acompañada por una capacidad expresiva que la convierte en conocimiento, o en todo caso en aventura visual compartida.

EXPOSICIÓN DE WILLY LEPLATTENIER EN GRANADA. SEPTIEMBRE DE 2023

 

EL CUBISMO RESISTE

Expone Willy L´Eplattenier su obra en el Carmen de la Victoria, de Granada, con el título de “El último cubista”.

Muestra el pintor que los estilos artísticos no están sujetos a periodos definidos, sino al ingenio que desarrolla, y adivina, sus posibilidades varias. No recrea, sino que prosigue en el camino hacia la esencia última de la imagen plasmada.

Willy L´Eplattenier es un artista suizo afincado en Granada, no se sabe si es más andaluz que suizo, el cual elabora una obra de gran sentido estético, siempre inmersa en los cánones cubistas, que no por ello elige senderos propios, en los cuales enriquece la visión sostenida en este modo pictórico. No se queda con la mera recreación, trabajo estéril que como mucho puede aspirar a la perfección, siendo el resultado una pieza sin soplo creativo, sino que el pintor recrea obras de vibración vital, equilibradas en armónica composición, cuyos elementos se sitúan en un estado transitorio, a punto de cambiar a otro orden, plasmado en un instante infinito, extraído del baile temporal, del flujo de transformación permanente en el que está inmerso. Willy L´Eplattenier salva la imagen de la futilidad del tiempo, atrapando la mirada del momento, transposición lógica de la realidad, tal como es o convertida en fantasía, reduciéndola en planos y ángulos, o si no en curvas caprichosas, internándose en el concepto último de lo visible, para ser descrita como reflejo de la razón que los quiere organizar en un orden determinado. Mas subyace una magia interna en la obra, pues el cubismo nace de la esencia primigenia del arte, cuando la representación se ajustaba a un monolito geométrico, arte mediterráneo, influjo de la cueva, pensamiento esquematizado de sueños e imaginaciones.

Imprime este pintor su visión propia del cubismo, desde el cual prosigue trabajando, impregnándose en esta ocasión de la estética del Pop Art. Rompe la bidimensionalidad cubista con la introducción de pequeños genios de la ilustración pop, recorriendo el travieso Mickey Mouse los rincones de la pieza, o alguna sombra que oculta el laberinto de formas agolpadas.

Willy L´Eplattenier es un artista integral, que ha sabido amoldar el estilo cubista al momento presente, ofreciendo una obra dinámica, atractiva a la mirada, ingeniosa y de alta calidad técnica. Busca y profundiza en el sentido de las formas, en su síntesis ideográfica, para poder representarla desde una mirada intelectual, básica y primigenia. No es el último cubista, como titula su exposición, sino la figura que promete su continuidad.