PAISAJES DE ALMERÍA SEGÚN SÁNCHEZ ZABALETA

LA TIERRA AUSENTE

Los paisajes almerienses poseen una belleza primigenia, profunda, sobre todo en sus campos desiertos, abandonados y yermos, compañeros de la soledad, en su eternos días sometidos a la rutina de los elementos, sol y viento. Los destellos vibrantes, sumidos en la densidad luminosa que somete sus espacios en un sopor permanente, junto con los rumores arrancados por los azarosos vendavales, liberan la realidad para que afloren los genios del lugar, duendes sibilantes, cuyo rastro impregnan campos y ruinas, evocando historias de sus moradores, el paso del viajero, el olvido que rompe la memoria y oculta su rastro. Mas el aura de su presencia refulge en el ambiente, se siente, como ecos sensitivos que no cesan de vibrar.

Esta realidad mágica es captada por el artista, que la refleja en su obra. Joseba Sánchez Zabaleta, Cistierna, León, 1970, es un pintor de excelente registro técnico, cuya producción plástica posee una fiel precisión en su dibujo, plasmando la escena con pulcritud y realismo profundo, salvado de la fría imagen digital simulada por el halo lírico, que el artista incorpora en cada una de sus piezas.

En su trabajo pictórico se suceden soledades de campos desnudos, en los que su atmósfera turbia rompe la claridad solar, creando una neblina luminosa, que permite sostener las imágenes evanescentes que la impresión visual suscita. En este solar silencioso encuentra construcciones ruinosas, abandonadas a su extinción, en cuyas estancias aún quedan huellas de aquellos moradores que allí estuvieron. Penas, alegrías, deseos, ambiciones, son recogidos en sus habitaciones y pasillos, en un susurro cíclico sin fin, intuido por el pintor, depositando, en cada una de sus composiciones, las figuras sentidas en el vacío de la nada, sólo percepción, traducida en evocaciones líricas invocadas en la contemplación de su obra.

Joseba Sánchez Zabaleta ofrece su visualización intuitiva de la realidad circundante, incorporando en sus cuadros un pulso poético, que se superpone en la imagen real plasmada en su obra. Y siempre la Luz sienta su fuerza, su imperio infinito, cuya presencia acentúa el olvido de los tiempos, lo cual permite vislumbrar la esencias ocultas a la mirada, que dan sentido al paisaje contemplado. El artista se sume con el entorno, se funde en su inmensidad, empapándose de su ánima, elaborando una obra de gran calidad estética.

En el Museo del Realismo Español Contemporáneo, de Almería, podrá visitarse esta exposición, titulada “ Almería. La tierra ausente”, hasta el 30 de marzo.

ELENA LAURA Y ALFONSO SALAZAR EXPONEN FRUTOS DEL TIEMPO

 

SUEÑOS, SENTIMIENTOS Y REALIDADES

Autores: Elena Laura y Alfonso Salazar. Título: Frutos del Tiempo. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 21 de febrero.

Los días siempre iguales en la reclusión del domicilio familiar, rodeada de un paisaje triste y pesimista, sobre el futuro que aguarda, son el origen de la obra de Elena Laura, pintora de suave acento lírico, que plasma en composiciones de profunda percepción plástica. Obras complejas, ricas en detalles, mundos autónomos, surgidos del sentimiento flotante en el monótono trascurrir de momentos íntimos, perdidos en la nada de pensamientos evanescentes. En esa etereidad informe, de ideas y conceptos, surgían chispazos visuales, impulsos creativos, que llevaban a la artista a desarrollarlos en el lienzo, mostrando las aventuras mentales que le ayudaban a evadirse de aquella gris realidad. En el transcurrir etéreo de impresiones convertidas en imágenes, la pintora concluía cada uno de los rincones desvelados en su aventura, sostenida en la imaginación liberada. Unas veces mostraba su asombro ante el espectáculo de estructuras complejas, dinámicas por la imagen de roturas presentes, signo de vida que se resiste al desánimo, pues un resplandor poderoso sostenía la escena. Traduce estas piezas, belleza en la mirada, belleza sencilla, callada, presentada como gozo íntimo de existir. En algunas el fondo se oscurece, la estructura se enreda, apareciendo amenazante, pesada, reflejando senderos inseguros, sin salida, sumidos los seres allí depositados en la sensación de una presentida caída amenazante, mas en algunas introduce un guiño desenfadado, o acaso evocaciones de tiempos deseados.

Elena Laura, combina dos factores esenciales para conseguir crear un piezas de calidad artística. Una la constituye la sensibilidad inteligente, aquella surgida de los caminos fantásticos de la imaginación, en la que va diseñando escenarios evocadores de las emociones surgidas, como respuesta al mundo que nos rodea. Es acompañada por una sólida estética cromática, incorporando los colores según un ritmo acompasado, con pequeños picos tonales, que incrementan la vibración presentida, envuelta en un conjunto de gamas que encierran un brillo interior, que da vida y pulso a la obra.

Las composiciones propuestas por Elena Laura poseen misterio, pues tras la técnica mostrada, inducen la presencia de los genios que anidan en el subconsciente, los cuales transmiten vitalidad a todo su conjunto.

Elena Laura es una pintora que siempre sorprende, por el trabajo plástico que muestra.

Acompaña esta exposición las palabras presentidas en la instalación de Alfonso Salazar, frases danzantes, sugeridas por títulos literarios, sustentados en los objetos que la conforman. Llenan el espacio circundante de la Sala, con las imágenes evocadas, creando un impulso visual sensitivo sumido en la lírica de la mirada, que ayuda a penetrar en la trama de la exposición.

HOMENAJE A UN GRAN ARTISTA

 

IGNACIO ANTONIO

La noticia del fallecimiento, el viernes 24 de enero, del pintor Ignacio Antonio me produjo una profunda tristeza y desazón, ya que pude disfrutar de su amistad desde hace casi treinta años.

Lo conocí en el año 1996, en la galería Jesús Puerto, de Granada, cuando exponía su obra de título “Pórticos”. Ya me habían hablado de su trabajo plástico, de la valía contenida en él, debido a la honda carga conceptual reflejada en su configuración, auténtica teoría estética definida en cada una de sus piezas, luminosa rotundidad en la descripción de la idea que sustentaba su expresión artística.

Ignacio Antonio mantenía una continuidad en su trayectoria creativa, sustentando cada una de sus propuestas en la anterior, surgida como producto de sus indagaciones estéticas.

Inició su experiencia artística desde la miniatura, siendo el detalle mínimo el signo característico que explicaba todo el contexto, y significado, de la pieza. Trabajaba sobre tablas de madera, la cual con sus nudos, y vetas, conferían relieve presentido en la lisa superficie, generando impresiones de recovecos en el recorrido de las claridades. En sus composiciones fue recogiendo monumentos históricos, evolucionando su intención plástica hacia las construcciones tradicionales de la tierra granadina. En estas piezas se observa un brillo propio, un pulso lumínico que surge de las claridades tonales incorporadas en ellas, las cuales se liberan de las formas impresas para adquirir una presencia singular. Parece ser que el artista se percató de tal revelación, regalada por el momento creativo, sumiéndose en la fuerza de su influjo, elaborando composiciones de mayor tamaño, incorporando la Luz como protagonista en ellas. Buscó en los cielos el origen de su esencia, en nubes caprichosas, en paisajes difusos por la reverberación solar, persiguiendo su rastro en el cosmos, en mundos imaginados en la profundidad del espacio, hasta acceder a las puertas que cerraban la entrada al laberinto resplandeciente, que prometía desentrañar el misterio que el fulgor suscita en nuestro ánimo. Estos pórticos guardaban enigmas imaginados, provocando que la mirada suponga escenarios fantásticos tras ellos, en otras producciones los traspasó, describiendo campos de colores infernales, en algunas se aproximó a los destellos del Paraíso, mas la impronta telúrica ejercía su influencia. Y el pintor la superó, traspasando los Pórticos, dejando atrás la representación de la luz a través de imágenes y paisajes abstractos, para intentar reflejar el rastro lumínico caprichoso, la simulación de sus variaciones bajo el orden de las horas. Investigó el efecto del encuentro entre la materia y los haces de su espectro, olvidando la bidimensionalidad para poder representarla en formas caprichosas, que rompían el orden geométrico, pues la Luz es eso, creación azarosa que supera la lógica humana. Su ingenio fue más allá de la forma tradicional del cuadro, consiguiendo realidades plásticas novedosas, auténticas expresiones sobre la esencia de las claridades percibidas. No conforme, siguió penetrando en los secretos que el espectro visible esconde, volviendo su mirada en lo minúsculo, en construcciones tridimensionales, donde los colores impresos en su geometría, cuan direcciones de los haces luminosos, jugaban con las sombras de los instantes del recorrido solar, o el lugar expuesto según los focos, construyendo composiciones de penumbras y claridades, mostrando estructuras dinámicas alejadas del concepto de cuadro. Exploró las posibilidades de la expresión pictórica, tocando las orillas de la creación plástica futura, sin caer en las astracanadas que algunos quieren imponer como vanguardia. Paralelamente, a esta producción pictórica, se interesó por la escultura en madera, como vínculo de su investigación del signo visible de la materia, queriendo plasmar sus emociones personales. Sublimaba las formas, las depuraba, para que sintonizaran con el entorno luminoso.

Igualmente investigó la fotografía, siempre persiguiendo el genio que cabalga en las radiaciones cromáticas, interesándole más la sustancia del color que la forma, considerando como único protagonista el cromatismo y las figuras que sus conjunciones sugieren.

Ignacio Antonio Sánchez-Alhama era un gran artista, mi gran amigo cuya obra siempre me tuvo seducido, y uno de los más avanzados exploradores de las posibilidades que la percepción visible guarda. No se conformó con la forma, sino con la sustancia etérea que define la existencia, el tiempo, las dimensiones, que fluye y llena todo, pasa fugaz y nos explica la realidad.

Hay artistas que dicen haber alcanzado horizontes nuevos, y originales, en la expresión plástica, mas llegan tarde, Ignacio Antonio ya transitó por esos lugares.

Ignacio Antonio se unió a la Luz, yéndose con el Creador del primer instante luminoso. Nos dejó una poderosa obra, rica en hallazgos estéticos.

EN LA SALA DE ARTE 21, ALMERÍA, EXPONE JAVIER HUECAS

 

SENDEROS DEL BOSQUE

Autor: Javier Huecas. Título: Senderos del bosque. Paisajes. Lugar: Espacio de Arte 21. Fecha: Hasta finales de enero.

Cromatismo intenso, profundo, que se extiende queriendo vencer los perfiles de las figuras, pues es la pasión quien dirige el proceso de construcción de la imagen evocada.

José María Huecas rememora, en su trabajo plástico, la Sierra de los Filabres, rincón oculto en el paisaje almeriense, espacio fantástico, ajeno a los campos desnudos que dialoga desafiante con el sol, desde su lugar privilegiado en las alturas de las cumbres.

En esta propuesta artística, José María Huecas expresa la fuerza de la sorpresa de la impresión primera, cuando la mirada escapa de la luminosidad ardiente de páramos desnudos, encontrando asombrada un mundo incógnito, terreno áspero y rocoso, donde se encuentran mantos verdes protectores de genios. Seduce al pintor esta impresión, lo somete a un estado anímico que impulsa su acción pasional plástica, en la que prima el trazo grueso, descarnado, impetuoso, arrebatador de la razón temporal, trasladando el ejercicio pictórico del artista hacia el depósito desbordante del color, quien con sus manchas se desplaza sin freno, rompiendo la lógica de las formas, para mostrar la impresión de la escena evocada en la pieza. Los colores se organizan, ocupando su lugar en el plano, sugiriendo paisajes cubiertos de una densidad tonal, que nos recuerda la frontera deseada de traspasar, división de realidades opuestas, aquella libre, donde la Naturaleza exuberante resiste, y el espacio racionalizado, sumido al orden técnico o, en todo caso, huérfano de una capa vegetal consistente.

Javier Huecas emprende, en esta propuesta, su viaje hacia el cosmos oculto contenido en las cumbres, donde aún resisten zonas boscosas al avance arrasador de la sequedad del clima. Son un oasis persistente en esta zona del sur peninsular, contraste con el paisaje común asignado a esta provincia, espejismo para el viajero. Esta alteración anímica, por la sorpresa producida, origina un trabajo en el que la rotundidad del color triunfa, superando el mero recuerdo de modos pictóricos de principios de siglo veinte, pues este creador artístico incorpora una marca personal, surgida de la autentica vivencia de la imagen recordada, la cual está dotada de una vibración que conecta con los ritmos estéticos actuales, sin abandonar el estilo que lo sustenta. Es la densidad continua en la acción, que Javier Huecas imprime en sus esculturas, las transmitida a sus pinturas, como espesura cromática aquí definida.

Ofrece este pintor un atractiva obra, rica en significados visuales.

PEDRO GARCIARIAS EXPONE SU OBRA EN LA GALERÍA SANTIAGO COLLADO

 

LIRIOS Y NAUFRAGIOS

Autor: Pedro Garciarias. Título: Lirios de agua - Vánitas barrocas. Lugar: Espacio de Arte Santiago Collado. Fecha: Hasta final de febrero.

La realidad es descrita mediante el color, traduciendo sus secretos, y esencias, a través del ritmo percibido en su vibración, el cual incide en el estado anímico emocional cuando su encuentro ocurre.

Pedro Garciarias sigue perdido en el laberinto del jardín, sumergido en su mar de color, sometido al influjo de sus mareas cromáticas, en las corrientes de sus intensidades, en la ruptura sensitiva de sus olas salvajes, cuando se encuentran con la costa de la árida existencia, que irrealidad ésta pudiera ser, pues surge la duda de cual de ellas es la auténtica. Pedro sí lo sabe, y es por lo que se niega a salir de su jardín perpetuo, para seguir respirando los aromas del complejo mundo de gamas evocadoras, pasión constante que el artista plasma en cada una de sus composiciones.

No se conforma, este creador plástico, con el ejercicio repetido de la búsqueda sumida en una letanía circular, sino que valientemente continúa su senda exploradora, variando conjunciones cromáticas, liberando capas de su paleta, en otras, abrigándolas con un mayor peso cromático, esparciendo el trazo de su pincelada, mostrando la pasión profunda que este ejercicio plástico suscita en su oficio pictórico, exponiendo formas desveladas, caprichosas, de simetría imperfecta, volubles en su presentación, cuan criaturas caprichosas, que escapan de su ocultación bajo la sombra del color neblinoso, para transitar al gris mundo de los mortales, trasmitiendo el temblor de la belleza.

Hay muchas formas de describir, e incluso descifrar, las intenciones del pintor en la obra expuesta, siendo este modo de reflejarlo una propuesta para conectar la mirada del espectador, pretendiendo lograr introducirlo en el universo pleno de la existencia sensitiva.

Sobra hablar de la técnica de obtención de gamas y soportes, pues maestría sobra a este veterano pintor, cuya trayectoria justifica todas aquellas apreciaciones sobre el proceso creativo, desarrollado en la elaboración de su obra. Lo importante es lo que muestra, belleza profunda, discurso continuo que no se agota, como si un cristal fuera sometido a las veleidades de la luz, que nunca reproduce el mismo destello. Su contemplación alimenta el ánimo, siempre comunica con el que la contempla.

Mientras, Pedro Garciarias continua en su jardín.

MESA ESTEBAN DRAKE EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

 

EL SIGNO OCULTO DE LA IMAGEN

Autora: Mesa Esteban Drake. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 1 de febrero.

¿Qué busca la artista al internarse en su obra? Esa pregunta surge al contemplar las composiciones propuestas por Mesa Esteban Drake, pintora de poderosa personalidad estética, cuya producción plástica opta por derroteros difíciles para el gran público, en su indagación constante sobre el significado del trazo, su conjunción con el color y relieves, y el poder que la percepción genera en el observador.

Es una empresa que conlleva un gran conocimiento técnico, sabiendo manejar muy bien las texturas variadas, el lenguaje cromático, la importancia de la figura sugerida en el cuadro.

Logra la artista plasmar oportunamente el relieve en su obra, para que capte los caprichosos derroteros de la luz, cuyas sombras y contrastes abonan la imaginación de quien los contempla. En su obra se refleja una limpieza compositiva, siendo el concepto, la silueta afortunada, quien dicta el peso sensitivo, que desarrolla la imagen surgida ante la mirada.

Mesa Esteban Drake entrelaza diferentes materiales, soportes y técnicas, para expresar el sentido central de cada pieza, en la que recrea la imagen etérea, que surge del chispazo poético que la realidad de la contemplación encierra.

Esta pintora es certera en la expresión, con economía aparente en en su composición, la cual atesora un largo proceso creativo, basado en un amplio conocimiento de la técnica de representación pictórica.

Mesa Esteban Drake es una pintora poseedora de una sólida inteligencia plástica, cuya obra posee la impronta de exploración tras el signo oculto, que toda representación encierra.