ELENA GOÑI EXPONE EN LA GALERÍA FERNÁNDEZ BRASO

 

FLUJO SERENO DE LAS HORAS

Elena Goñi (Pamplona, 1968) nos propone una pintura plana, descansada en la macha cromática inteligente, la cual muestra una realidad extraída de la mirada racional, evanescente, pero de intensa impregnación en la retina, que traslada la escena a los campos de la recreación de historias imaginadas. Es la mancha quien dirige el ritmo de la acción, impresión sensitiva que marca el relato. Son escenas azarosas, caprichosas, en la que la pintora va depositando imágenes que giran en torno a la existencia cotidiana, sucesos, conocidos, temores, conjuntando todo en un trabajo plástico que se justifica en la expresión del color, mostrado en una combinación sencilla, clara y agradable, evasión luminosa que quiere fundir las formas, diluidas en los destellos desprendidos en un cromatismo ligero aplicado por la pintora.

Plasma la artista paisajes sumidos en la tranquilidad de las horas, adormecidas en la placidez de la existencia, captada en la plenitud feliz, mas es expuesta sin grandes artificios, con serena parsimonia intrascendente, expresión acertada del momento percibido, pues el encuentro feliz surge de lo sencillo, en la intimidad del momento gozoso, que aparece porque sí, sometido a susurros. En otras piezas es el encuentro cotidiano quien domina la imagen contenida en la pieza, en sus momentos íntimos, que coincide con los instantes amables reflejados en su conjunto. Si no, representa a conocidos, en su cotidiana actividad.

Elena Goñi experimenta con la superficie cromática acotada, signo de la realidad trasplantada en flujo tonal que transmite estados emocionales, transcrito según una partitura suave, delicada, que transcurre apacible hacia los universos intangibles del inconsciente. Consigue la artista un trabajo plástico de gran habilidad expresiva, certera técnica y excelente calidad expositiva.

Con el título “Exposición” presenta su obra Elena Goñi en la Galería Fernández Braso (c/ Villanueva, 30, Madrid) hasta el 31 de octubre de 2026.

OBRA DE ANTONIO PEDRERO EN LA SALA DE EXPOSICIONES CASA DE VACAS, MADRID

 

ANTONIO PEDRERO. ANTOLÓGICA 1952-2026

Muestra rotundidad el pintor, siendo su obra una expresión latente portadora del espíritu de su tierra. En ella se refleja el carácter de sus gentes, el tiempo detenido en el laberinto del silencio, la anodina cotidianidad vivida con serena complacencia.

La obra de Antonio Pedrero Yéboles (Zamora, 1939) posee las características de un tipo de pintura figurativa desarrollada en la España de mitad de siglo XX, prosiguiendo con los tonos apagados, monótonos, ajados, espejo de un mundo terroso, reseco, descarnado, tal como es el duro paisaje zamorano. Esta rudeza es transmitida en toda su composición, mostrada en la geometría seca de sus paisajes urbanos, la soledad y abandono de sus plazas y calles, el silencio penetrante tras el cual se presiente miradas ocultas, tras visillos y ventanas. En sus figuras se observa la fuerza de su presencia, el volumen que sienta su peso en la escena, la existencia que circunda su rotundidad, sólo ellas en un mundo imperturbable, en estado de reposo, ensimismadas, abstraídas ajenas a sus acompañantes, soledad del ambiente que empapa el ánimo de las personas. Están en una postura extraída de la realidad, plasmada con un intenso academicismo, marcada su composición por una geometría rígida. Esto ayuda a comprender la estricta moral y costumbres intensamente arraigadas. Sin embargo hay piezas en la que el pintor quiere romper este encorsetamiento, mostrando signos expresivos en sus personajes, alegría y desenfado, aunque el orden compositivo manda en toda la obra.

Todas estas características descritas son las que dan peso a la obra de Antonio Pedrero, pues gracias a las impresiones que desprenden, ayudan a definir el mundo particular de sus tierras y ciudades, su estilo de vida, el carácter de un mundo rural ya desaparecido. Conjuga el espíritu de la tierra con la influencia ejercida por éste sobre sus moradores. Relata muy bien el paisaje y las gentes de una sociedad rural que aparentemente ha sido superada, mas en el fondo persiste en todos los rincones del paisaje. Esta impronta psicológica, asentada en un estilo plástico del pasado, es lo que hace destacar su obra, pues demuestra que cuando el ingenio es poderoso, puede con cualquier modo artístico expresar certeras descripciones, profundas y atractivas.

La exposición “Antonio Pedrero. Antológica 1952-2026” se puede visitar en el Centro Cultural Casa de Vacas (Paseo de Colombia. Parque de El Retiro. Madrid) hasta el 27 de septiembre de 2026.

EXPOSICIÓN "INTERVALOS Y MOMENTOS " DE JUAN MORANTE

 

INTERVALOS Y MOMENTOS

La luz fluye libre, encerrada en su claridad aparente, pues oculta el amplio ritmo cromático contenido en la disección de su esencia. Surge su espectro, de variabilidad en su intensidad tonal, ola envolvente que nos descubre la realidad sensitiva que el entorno encierra.

Juan Morante (Benahadux, Almería) trabaja sobre esta idea, viaje infinito hacia el pulso primero de la luz, gozo, tensión, emociones y representación nos descubre en su confrontación con las sustancias, mas él no se detiene, en este viaje exploratorio, en los hallazgos sensitivos, sino que quiere comprender el orden armónico, o desarmónico, sucesión estructural sometida a una fórmula que su vibración sostiene. Es ese orden estructurado el que define la realidad personal, según la emoción suscitada, la apariencia propuesta, dirigiendo la comprensión de la mirada.

En sus piezas organiza la percepción cromática según una sucesión recurrente, en la que las cimas y depresiones impuestas por las densidades o evanescencias tonales, plasman las pautas del ritmo variable luminoso, palpitación suave o acelerada, siendo ella quien define la escena de acuerdo a la sinergia, o antagonismo, con el pulso propio de cada mirada. Es por lo que juega con intervalos, extensiones y trazos cortos, fondos que encorsetan el sentido espectral y la secuenciación de manchas cromáticas, rompiendo adrede su equilibrio con las oscuridades disruptoras, que actúan cuan espacios enmarcadores de un impulso, describiendo el momento. Estos espacios de oscuridad, más que distribuir los intervalos significan el misterio subyacente a todo lo existente, proponiendo lo imprevisible, el azar, lo ignoto que escapa al imperio luminoso. Si no, representa en otras piezas el paisaje descubierto en su aventura plástica, cuando lo expresa como líneas combinadas, en las que interpreta el mismo concepto aquí descrito.

Juan Morante es uno de los grandes pintores vanguardistas del arte andaluz, poderoso, directo, sesudo y vibrante. Surge su pintura del estudio continuo, de su experiencia acumulada tras largas horas de tentativas azarosas, y sobre todo del ingenio plástico singular que posee. Excelente exposición.

Podrá contemplarse su propuesta artística “Intervalo y Momento” en la galería MecaMediterráneo (c/ Navarro Darax 11, Almería) hasta el 1 de octubre de 2026.

PEDRO LÍNDEZ EXPONE EN ESPACIO OMNIA, GRANADA

TRAS EL SIGNO IMPOSIBLE

Autor: Pedro Francisco Líndez Líndez. Título: Muestra maestra. Lugar: Espacio Omnia. Fecha: Hasta el 3 de octubre de 2026.

Presenta Pedro Líndez una obra de profusa creatividad plástica, en punto de fuga constante, circulando por los derroteros de la creación permanente, sea en impresiones digitales, esculturas férreas, composiciones de conceptualización mínima o trabajando el papel. En todos esos momentos de su trayectoria artística busca el gesto imprevisto, la idea centrada en la simplicidad de la forma, en la tensión de la estructura metálica o la monotonía del color, si no en el bravo enfrentamiento entre manchas cromáticas. En todas sus piezas busca rescatar el destello del encuentro extraordinario, aquel que permite penetrar en los campos de la imaginación, en la que se construye una simbología sensitiva que engarza recuerdos, sueños, o en todo caso rompe la lógica para penetrar en el caos del universo irracional, donde surge la emoción del signo imposible.

En su carrera artística deambuló por las posibilidades plásticas ofrecidas por la tecnología digital, diseccionando las posibilidades del color, su confrontación tonal, el efecto que su choque induce.

No conforme con los nuevos hallazgos se enfrentó a la dureza del metal, expresando con la mínima construcción la forma aérea, la solidez que sienta su espacio circundante, la permanencia sugerida ante una realidad cambiante, belleza de su brillo gris y sus aristas cortantes, como espejismo que seduce pero hiere. Tras comprobar la etereidad de la obra impresa o la permanencia de sus esculturas, quiso reflejar la plasticidad de la materia en el relato conciso, cuan haiku visual, desembocando en la sutileza del tacto del papel, que soporta el tono vibrante, los rumores sensitivos que su visualización expresa. La conjunción de estas piezas generan en su combinación una sinfonía sólo percibida por la retina, etereidad desprendida del mundo oculto de la nada sostenida en la obra, figura que permite romper la monotonía de la mirada lógica, para aprehender el signo de la ilusión surgida en el momento caprichoso.

Elabora Pedro Líndez una obra de amplio repertorio conceptual, inteligente, destilada de largas horas de estudio, muestra de la madurez creativa alcanzada en su oficio artístico.

EXPOSICIÓN "CONFLUENCIAS" EN LA GALERÍA LA ESCONDIDA, GRANADA

 

CONFLUENCIAS

Purificación Villafranca e Isabel González exponen su obra en la galería “La Escondida”, Granada, con el título “Confluencias”, hasta el 14 de septiembre de 2026.

Aúnan dos artistas sus obras para abordar el encuentro de la realidad y la razón, la comprensión del entorno desde una mirada equilibrada, serena, casi fría, en las que la fotografía acompaña la plasmación de la naturaleza íntima de la luz, abordando los pliegues que oculta, sus misterios y declinaciones.

Purificación Villafranca trabaja la estructura cromática luminosa, según una secuenciación ordenada, de acuerdo a claves caprichosas, que nos indica el flujo rítmico que sostiene su proyección, pulso acompasado según una modulación de altos y bajos acoplados a una intención vibrante, cuyo significado se traduce en el efecto que provoca en la mirada. Es una sinuosidad que dirige la intención de quien observa, trasmite emociones, sorpresas, destellos que atrapan su atención, armonía que resplandece en el triunfo de claridades, cuando definen las formas y el entorno. Su pintura es una azarosa sucesión cromática, paciente, sometida al rapto de la razón cuando la artista se interna en las entrañas de la luz.

Isabel González completa con sus fotografías estos efectos, los visualiza, en imágenes asépticas, extraídas del conjunto visual rutinario para exponerlas en su protagonismo puro. Aparecen rotundas, pese a su sencillez, en las que recogen el orden estructural arquitectónico que nos rodea, las diferentes inflexiones de las rectas, la variabilidad de ángulos presentes en edificios, signo del imperio racional que quiere transformar el medio natural que lo acoge, mas la creadora plástica no se entretiene en este detalle, sino que se centra en la comprensión visual del orden contenido en la radiación de haces luminosos, descansados en un azul profundo, inmensidad infinita, cuan espacio inabarcable, donde se puede mostrar la variabilidad de expresiones impresas que definen la caprichosa melodía tonal luminosa.

Ambas artistas confluyen en una misma descripción de la esencia presentida que el resplandor oculta.

CARLOS TÁRDEZ EXPONE EN LA GALERÍA BEA VILLAMARÍN, GIJÓN.

 

DESTELLO FUGAZ DEL INSTANTE

Es la obra de Carlos Tárdez (Madrid, 1976) una experiencia plástica centrada en la exploración de la imagen impresa, en cuyo ejercicio indaga sobre la plasmación de la esencia que sostiene la realidad, aquella que guarda en sus luminosidades la porción de sustancia que fluye por el entorno tangible, diferente de la fotografía, frío reflejo de las claridades atrapadas por la técnica, visión plana, detenida en un instante congelado en el tiempo. Mientras, el artista muestra en sus piezas una imagen con vida propia, que en su detenida acción aparente, encierra un periodo infinito de múltiples historias que han de realizarse en su seno. Refleja el instante fugaz, el impulso que promete una nueva acción, incorporando al espectador en el desarrollo de la acción, que en su imaginación infiere continuidad al relato visual insinuado.

Capta el pintor figuras inmersas en su deambular cotidiano, intrascendente, envueltas en una atmósfera que las extrae de escenas fuera de todo contexto, albergadas en el recuerdo, proyectadas en el cuadro, aderezadas con signos imprevistos alejados de la lógica, sólo fantasía añadida por el pintor.

Caros Tardéz recrea la imagen pensada, depositada con hálito propio, lo cual le confiere autonomía en su existencia. Ese es el mérito que da fuerza a su obra, demostrando que la pintura supera la instantánea, pues induce imaginación, habilidad surgida del propio creador, ajena a toda ayuda técnica, energía vital impregnada en sus composiciones. Las piezas expuestas descubren destellos desprendidos en el curso cinético del tiempo, en su deambular sin fin, exprimidos de imágenes caprichosas, elegidas por el pintor por la idea surgida en su observación, la cual discurre hacia su liberación de la realidad.

Muestra este artista inteligencia artística en su obra, sólido estilo plástico y madurez creativa.

En la galería Bea Villamarín, (C/ San Antonio 5, Gijón) se presenta esta exposición, con el título “Imagen Latiente”, hasta el 19 de septiembre de 2026.

EXPOSICIÓN DE ANTONIO BARAHONA EN SALA PARÉS, DE BARCELONA

 

INDEX BLAU

En la Sala Parés, Barcelona, se muestra la obra del sevillano Antonio Barahona (1984) con el título “Index Blau”, que permanecerá expuesta hasta el 10 de septiembre de 2026. Este pintor posee una dilatada carrera de éxitos y propuestas artísticas, estando ya en su madurez creativa, habiendo alcanzado sus objetivos en el mundo de la plástica. Sabe lo que quiere, ahonda en cada pieza hacia el estado de satisfacción plena, desazón que lo sigue estimulando en la búsqueda de la combinación cromática perfecta.

En la obra de Antonio Barahona se observa una conjunción de tonalidades desniveladas, inductoras de impulsos emocionales, trasladando su comprensión a momentos del pasado, plena nostalgia de recuerdos felices. Comunican intimidad, resguardo, silencio, tiempo pausado que transcurre en la serena contemplación de la estancia, frescor presentido, pasillos hacia espacios en los que se intuye la espera del encuentro amable, susurros permanentes insinuados, espacio detenido en la soledad. Y siempre la luz, no como elemento pesado, incordiante, cegador, sino como desbordamiento que anega de claridades el exterior del hogar, encuentro afortunado con su esplendor, que completa la experiencia jubilosa del espectador, unida en el relato propuesto en esta experiencia plástica. Intensidad y presión cromática destacan en la primera mirada. Impresión que se deshace al recorrer con placentera lentitud cada una de las piezas, aflorando variadas sensaciones que enriquecen esta experiencia de contemplación estética.

Antonio Barahona conjuga un cromatismo suave, ligero en su reflejo, con colores densos, azulados, que en otra combinación resultarían gélidos, oscuros, inquietantes, acompañados de verdes vitales, que gracias a su engarce, más los motivos incluidos en esta producción plástica, consigue transformarlos en elementos de placer visual junto a sus compañeros del espectro tonal. Se percibe, en la contemplación de las piezas expuestas, un rumor lírico que impregna el sentido de la mirada.

La luminosidad solar introducida en sus composiciones aparece fragmentada, no invasiva, enriqueciendo la estancia acogedora. Su distribución en las piezas induce un ambiente vibrante, chispeante, alegre, que potencia los efectos descritos.

Muy interesante muestra la presentada por Antonio Barahona, de asentada técnica y poderosa contemplación.

PHILIPP FRÖHLICH EXPONE EN LA GALERÍA JUAN SILIÓ (SANTANDER)

 

CABEZA FUERA DEL AGUA

Exposición “Cabeza fuera del agua” en la Galería Juan Silió ( C/ Sol 45, bajo. 39003 Santander). Hasta el 1 de septiembre de 2026.

Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Alemania, 1975) es un artista de interesante ingenio creativo, cuya obra trasciende el poder de la imagen reflejada en la fotografía, pues le infiere vibración vital en su contemplación, misterio, emociones que se transforman en intuiciones. Este pintor pinta la fantasía, previamente escenificada en sus maquetas y modelos, las cuales transfiere al campo de la imaginación, las completa y plasma en sus óleos. Aparentemente pinta porque sí, como placer visual que compite con la imagen real extraída de su pulso anímico, siendo sólo eso, percepción liviana, pues el artista transita mucho más al fondo, navegando por los senderos del inconsciente, evocaciones, fantasías, para penetrar en el lado gris de la realidad comprendida, donde lo imposible se hace presente. Utiliza imágenes intrascendentes, de perros escarbando el suelo, soporte de la existencia consciente, el instante intrascendente de la bombilla sencilla en un lugar olvidado, escenas fugaces destinadas a la invisibilidad de la mirada. Son motivos únicamente, pues tras estas escenas se encierran las puertas de los caminos hacia el fondo de la existencia personal, vía común de acceso al sentido universal que la sostiene, a través de sensaciones, evocaciones personales de quien las contempla. Este es el mérito de su trabajo plástico, que atrapa la atención, es una fuente de comunicación continua con el interior de cada observador.
El pintor aplica unas tonalidades que posibilitan todos estos efectos, unidas a la idea alógica escenificada en sus piezas.