SPIELBERG Y C. JUNG

 

SOBRE LAS COSAS QUE SE VEN EN EL CIELO

El misterio OVNI está arraigado en la cultura popular, muestra de ello es el éxito de la película “El día de la revelación”, dirigida por S. Spielberg.

Carl Jung se interesó sobre los ovnis, tratando este tema en su libro “Sobre cosas que se ven en el cielo”, publicado en 1958. Tuve conocimiento del interés de Jung por este tema a través de la lectura de “Heliópolis” de E. Junger. El mismo Jung indica que empezó a estudiar el fenómeno UFO en los años cuarenta, fecha en la cual se hicieron más frecuentes sus apariciones, aunque antes escribió sobre el “rumor”, que se extendía a toda la población del planeta, de presencias extrañas en la atmósfera, artículos publicados en los años veinte.

Admite Jung que los UFOS han sido vistos, e incluso detectados por el radar, aunque excluye muchos de estos fenómenos por considerarlos no estar bien constatados.

No entra este psicoanalìsta en la naturaleza del UFO, no sabe si su presencia es física o espiritual, si procede del espacio o del universo inmaterial. No entra en esa cuestión, sino que utiliza estas visualizaciones para trasladar el fenómeno observado a casos clínicos.

Expone que el hombre moderno vive angustiado ante una realidad amenazante constante, aunque viva dentro del confort de la sociedad occidental. Es una angustia y miedo persistente, de guerra inminente, de cambio rotundo de la existencia cotidiana, amenazas de hambre y miseria. El origen de esta angustia se agudizó tras la Segunda Guerra Mundial, incrementándose con la Guerra Fría y el peligro nuclear, y no digamos en estos días.

El hombre actual, según Jung, busca un “Mediador”, un signo en los cielos que transmita esperanza. Proyecta en el “rumor”, en la creencia común, la imagen salvadora, vista como disco luminoso, circulo totalizador de la inmensidad incomprensible divina, o también la confrontación de formas alargadas y redondeadas, tributo a la obsesión sexual freudiana. Los arcanos antiguos aparecen trastocados en el nuevo mito espacial.

Achaca estas “proyecciones”, en los cielos, a la disociación del hombre moderno con los mitos tradicionales, eliminados por la cultura positivista, pues la inconsciencia ha sido apartada y estigmatizada en la actualidad. Esta ruptura genera angustia, desesperación, pérdida y caos emocional, no comprendiendo la realidad auténtica y total, lo cual hace que entienda la aparición celeste como producto de la técnica, en la que descansa el reflejo del futuro presentido, hacia el cual está abocada la sociedad.

OBRA DE ALBERTO MONTES EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

DONDE AÚN CRECE LA VIDA

Autor: Alberto Montes. Título: Donde aún crece. Lugar: Galería Birimbao. C/ Alcázares, 5, Sevilla. Fecha: Hasta el 5 de julio de 2026.

Alberto Montes ( Los Corrales, Sevilla, 1995) nos muestra un trabajo plástico en el que conjuga concepto, experiencia y percepción imaginada. Concepto, pues juega con la idea de la Naturaleza circundante invisible a la mirada cotidiana, olvidada en nuestras vidas, ajena la atención a lo auténtico, sea el esplendor luminoso refulgente en las plantas y flores, o sus intrincadas formas azarosas, que se confunden en un caos geométrico.

La experiencia, como ejercicio de indagación de la plasmación de la imagen, e investigación de expresiones cromáticas singulares, unas veces captadas las figuras vegetales en su intrincada realidad, y en otras profundiza en la figuración fantástica, queriendo ahondar en la verdad oculta que sostiene la variedad de colores, expuesta con gamas monocromáticas que inducen a una sensación de mirada penetrante, que ausculta el alma de las plantas.

Aborda el artista la percepción imaginada, cuando conjuga el concepto organizado en su experiencia, técnica y búsquedas visuales, abriendo la contemplación al encuentro entre la figura, color y la proyección que nuestra fantasía propia deposita, consiguiendo transformar la realidad sentida.

Alberto Montes sugiere en su obra que levantemos la mirada, que apartemos el velo de la rutina que oculta el entorno, para penetrar en la vibración originada por el pulso vital que recorre la vida a nuestro derredor. Nos propone una tensión sentida entre la realidad técnica y la natural, aquella libre del orden geométrico y sometida a la lógica de la vida, ofreciendo la liberación del pensamiento encorsetado.

Esta exposición nos ofrece un agradable momento de reflexión y descanso estético de la mirada.

MOMENAJE A MANUEL RUIZ

 

No hace falta que abunde sobre las cualidades personales del pintor Manuel Ruiz, queriendo resaltar el carácter más importante de su obra pictórica. En ella se observa un barroquismo intenso, en sus alhambrismos, densidad poderosa que se expande hacia su disolución en el entorno, para perderse en sus cielos etéreos, universo de claridades, fantasía que se esconde ante la imagen del paisaje granadino. Es una plasmación de su alma, de la magia que encierra en sus rincones.

En su obra cada pincelada, campo de color, encierra un relato extraordinario, una historia arraigada en el espíritu de Granada, misterio y tradición, luces de alegría y sombras de tragedias, esto lo une al alma lorquiana. La auténtica alejada de los tópicos con los cuales se presenta a Lorca. Ambos comprenden nuestra tierra, ahondan en su esencia y la expresan en su obra.

Así lo hace Manuel Ruiz, cuando plasma personajes, monumentos o paisajes. Siempre giran sobre la ciudad nazarí, soportado en los signos de la Alhambra, tras la cual incorpora el rojizo de sus atardeceres, preludio de la magia de sus noches.

Más podría decir sobre Manuel Ruiz, pero con estas palabras quiero rendirle mi homenaje personal.

PASEANDO POR CÁDIZ, OBRA DE CECILIO CHAVES

 

CÁDIZ EN LA OBRA DE CECILIO CHAVES

Autor: Cecilio Chaves. Título: Paseando por Cádiz. Lugar: Galería Benot, ( Av. Cuatro de diciembre de 1977,11006, Cádiz) Fecha: Hasta el 4 de septiembre de 2026.

Cádiz constituye el centro de atención plástica en la obra de Cecilio Chaves, elaborando piezas de cromatismo intenso, claridades deslumbrantes, destellos visuales que describen la impresión primera al contemplar el paisaje.

En ocasiones anteriores reflejaba en sus piezas el ambiente que cubre la ciudad, el sol, los horizontes marinos y la geometría arquitectónica de sus edificaciones, girando siempre en torno a la catedral, punto de referencia urbano.

En esta ocasión el pintor abandona las azoteas y se introduce en el laberinto del viejo solar gaditano, plasmando sus umbrías, la luminosidad que lo invade, el tránsito despreocupado de sus gentes, el tiempo tranquilo de espeso transcurrir que dirige sus pasos, reflejando el signo feliz asentado en el lugar. Imprime el pintor los momentos cotidianos de mirada eterna, aquellos en los que el pensamiento se abandona a la recreación del instante vivido.

Es la fuerza de la luz quien va dirigiendo el desarrollo visual en las piezas de Cecilio Chaves, auténtica protagonista que marca su peso en el ambiente, otorga esplendor al cromatismo de las fachadas, fuerza al azul del cielo, sensación de calidez en las escenas.

Cecilio Chaves controla el equilibrio del color, en su conjunción en las piezas, que se desliza suave en los saltos tonales, acompasados a la presencia de las claridades que dirigen toda la composición, ese es el signo que el artista deposita en su obra.

Propone este pintor un trabajo plástico sugerente, atractivo y optimista en su contemplación.

TRES TARDES CON PEDRO GILABERT

 

UNA TARDE DE SAN JUAN

Hoy día de san Juan se cumplen veintinueve años de la presentación del libro “Gilabert y su obra”, en Arboleas. Este proyecto surgió en una oscura y fría tarde de noviembre, cuando mi amigo Cristóbal Berbel me presentó al alcalde de la localidad Cristóbal Granados. En aquel encuentro estuvimos hablando del Tío Pedro, y del proyecto de la creación de un museo dedicado a este escultor. Fue cuando le propuse elaborar un libro sobre su obra y vida, encontrado acogida para su realización por parte del alcalde.

Fueron muchas tardes las que dedicamos a visitar la casa de Pedro Gilabert, horas de largas charlas, fotografías de sus esculturas, realizadas por el incansable José Ángel Marina Gil, profesor de Geografía e Historia. Por aquel tiempo yo era director del IES Valle del Almanzora, de Cantoria, y ofrecí participar en el proyecto a un grupo de profesores de ese claustro. Ilusión y entusiasmo nos empujaron a realizar este estudio.

Y llegó el día, una calurosa tarde de san Juan, en la que se presentó el libro, estando presente Pedro Gilabert y María, su mujer. Lo acompañamos en esa presentación los profesores del IES Valle del Almanzora, los delegados de cultura y de Educación y el de la Junta de Andalucía. Participó también el director del CEIP de Arboleas, además de los poetas Julio Alfredo Egea, Juan José Ceba y Domingo Nicolás, más el periodista Miguel Ángel Blanco. Fue un acto muy emotivo, el Tío Pedro estaba muy satisfecho. En esta presentación se comunicó el inicio de las obras de construcción del Museo Pedro Gilabert.

Más adelante, con motivo de la puesta de la primera piedra, organicé otra publicación, la cual también coordiné, titulada “Gilabert en el aula”, presentada en una tarde de noviembre del noventa y siete. En el acto estuvieron presentes, aparte de los políticos de turno, los poetas Julio Alfredo Egea y Rafael Guillén, Premio Nacional de Poesía.

En este libro participaron los profesores del IES Valle del Almanzora, según el área de conocimiento de cada uno, pues la obra era una Unidad didáctica interdisciplinar, para trabajar en el aula, basada en la escultura de Pedro y el entorno natural de la comarca del Almanzora.

Podría continuar con el siguiente libro que dirigí, “Campo de Luz, homenaje a Gilabert”, del año dos mil, obra en la que participaron poetas y pintores de Almería, mas sobre esa publicación ya me referí en otro artículo.

ÁNGELA SOLÍS O´NEILL EXPONE EN GALERÍA HAURIE

 

EL SOL EN LA PISCINA

Autora: Angela Solís O’Neill, Título: Un sol que se cayó a la piscina y se ahogó. Lugar: Galería Haurie. ( C. Guzmán el Bueno, 13, Casco Antiguo, 41004, Sevilla) Fecha: Hasta el 7 de julio de 2026.

Cuando el trazo rompe el albor del lienzo genera tensión en su espacio circundante, su desarrollo induce desconcierto a la mirada, la cual busca asirse a una lógica en su interpretación, el color infunde emoción, dejando su contemplación a la suerte de quien contempla la pieza.

Angela Solís O’Neill, joven artista peruana residente en Sevilla, nos presenta una obra en trance de elaboración, cuan bocetos inacabados, que en ese estado muestran sugerentes imágenes que atraen la mirada. Expone la pintora una obra en trance de conclusión, la cual, sin embargo, posee un resultado estético que resume el concepto inicial que impulsa su acción plástica. Quizá sea esa la intención de la pintora, desnudar la imagen de todo aditamento innecesario, dejando que sea la percepción quien intérprete su significado. En ese punto de elaboración intermedio, buscado como conclusión por la artista, organiza un vértice de visualización inestable, cuya decantación origina un estado mental en el espectador, de desasosiego por la confusión visual que produce, o de abertura hacia la ensoñación, cuando la imaginación se embarca en construcción de espacios y figuras, en las que incorpora experiencias y fantasías propias. Esta cualidad adherida a la obra es la responsable de la generación de la tensión percibida, cuando la comprensión busca una salida lógica a la imagen contemplada. Puede que al final quede como objeto plástico de representación atractiva, impulsora de sensaciones sin descripción posible.

Es la obra propuesta de Angela Solís O’Neill una sugerencia estética interesante.

BODEGAS Y OTRAS SERIES DE JACINTO GUTIÉRREZ "GUTI"

 

PODEROSO CROMATISMO TRADUCIDO EN FIGURAS

Autor: Jacinto Gutiérrez “Guti”. Título: Bodegas. Lugar: Espacio de Arte Santiago Collado. Fecha: Hasta finales de julio.

Recorre el trazo el lienzo, en su ambición de plasmar el instante, para retener su impronta primera en la imagen, en un entramado cromático desbordado, que el pintor estructura con lógica contemplativa, resaltando la idea retenida en la memoria, sea de un lugar, el encuentro azaroso, o la evocación de la esencia del objeto que impulsa su experiencia plástica.

Jacinto Gutiérrez “Guti” nos muestra un conjunto de series pictóricas elaboradas en los últimos años, surgidas de la fuerza expresiva que mueve a todo artista, porque sí, sea como divertimento estético o necesidad vital de búsqueda de la esencia última, que da sentido a la realidad contemplada. En su obra los campos de color sientan su dominio, celosos de su territorio pintado, en plena tensión con los tonos distintos, en cuya interacción surgida de su encuentro se conjugan, para hibridarse en gamas tonales con personalidad propia. El color por sí solo constituye emoción, sensación, signo estético cuya radiación alimenta la mirada, mas en ordenación racional conforma el esbozo de la escena pretendida, siendo su complejidad una condensación del relato expresado en la pieza. Cada trazo, mancha depositada, el recorrido suave del pincel, constituye un gesto propio, que abre la comprensión de la mirada a cualidades nuevas que se adhieren a la imagen, organizando un ambiente singular, unas veces lóbrego, frío, solitario y proceloso, en otras un lugar sosegado, donde reposa la conjugación de la luz y el tiempo, en el silencio de las bodegas, o si no en la expresión limpia de la forma sugerida, sustentada en los brochazos de colorido intenso, que amarra la imagen al lienzo.

Jacinto Gutiérrez comprende el sentido último de la expresión plástica, plasmando su significado en sus piezas, recreando un mundo de formas y paisajes en los que describe sus vivencias, tras las cuales explora la razón primera del encuentro del color con la blanca superficie, su comprensión y la fantasía encendida en la imaginación al ser contemplada. Es su pintura ingeniosa, de poderoso cromatismo traducido en figuras, pasión desbordada descansada en la obra concluida. No termina todo en ella, pues es la nueva puerta que le sugiere otras posibilidades expresivas. Domina el concepto de la imagen, el lenguaje cromático que la acompaña. Sus piezas poseen excelente factura artística y calidad plástica.

EXPOSICIÓN DE JESUS CALLE ROMERO EN HOTEL GAR ANAT, GRANADA

 

ALHAMBRA ÍNTIMA

Autor: Jesús Calle Romero. Título: Alhambra íntima. Lugar: Gar Anat Hotel Boutique, Granada. Fecha: Hasta el 31 de julio de 2026.

La acuarela es una técnica pictórica que requiere dominio de la pincelada precisa, manejo acertado de la mezclas de tonalidades, armonía mental y paciencia en el desarrollo de los trazos, siendo necesario, además, el ingenio oportuno para convertir la imagen plasmada en imagen viva, vibrante sensibilidad que atrapa la mirada. Sólo unos cuantos consiguen poseer estas cualidades, permitiendo que elaboren piezas rompedoras del tedio de la rutina expositiva presente.

Jesús Calle Romero nos propone un conjunto de obras de gran interés estético. En sus acuarelas nos muestra un universo que palpita en el olvido del tiempo, vacíos aparentes en los que fluyen impregnaciones del tránsito de sus moradores. En el silencio aparente cabalgan sentimientos, vivencias, recuerdos, extinguidos en la nada material, aunque ocultas sus presencias en la invisibilidad del vacío. Pasa la luz, triunfa y estalla en su plenitud cromática, siendo el rayo rompedor del tedio aparente, incitando a percibir el pulso que sostiene la imagen en su vital presencia. Es como un fulgor que arropa el ambiente, el espacio, todo el paisaje, o la soledad de la estancia. Le infiere temblor visual en su contemplación. A veces, el rayo luminoso rasga el equilibrio sosegado de la imagen, incorporando nervio en su percepción.

Todo lo expuesto en estas líneas, son sensaciones producidas en la visualización del trabajo plástico de este excelente artista, exacto en la puesta en escena de su obra, sin utilizar decoración innecesaria, ni artificio barroco, sólo la plasmación de claridades que inunda la imagen percibida, en cuyos hilos luminosos discurren los relatos que la percepción aprehende, en su observación inicial. Es por eso que sus piezas aparecen como destellos instantáneos, desvaneciéndose tras su impulso primero en una lánguida retirada, cuan ritmo poético, que deja el sabor de la palabra después de su irrupción sonora triunfante.

Jesús Calle Romero nos ofrece un conjunto plástico de gran sutileza compositiva, decantando el color en su expresión liviana para representar, sobre una estructura de campos cromáticos en la mayoría de las veces desvaído, el esplendor de la Luz, signo permanente del recuerdo, cuando su paso rememora los momentos de los descubrimientos iniciales de la infancia. Es ágil en el manejo del pincel, directo en la expresión esencial de la imagen abordada. Su obra posee calidad y elegancia.