SOBRE LA OBRA DE CARLOS MORAGO EXPUESTA EN LA GALERÍA HAURIE

 

SERENO EJERCICIO DE HABILIDAD PLÁSTICA

Autor: Carlos Morago. Lugar: Galería Haurie, Sevilla. Fecha: Hasta el 11 de mayo de 2024.

Es la obra de Carlos Morago un sereno ejercicio de habilidad plástica, en el que el pintor plasma un mundo equilibrado, tranquilo, silencioso, sometido a la razón geométrica, espacios donde la luz transita entre sus rincones, en los que resuenan los ecos ocultos del vacío. Lo expresa el artista con plenitud pictórica, rotundidad en la imagen, que se suaviza inmersa en la tenue claridad que inunda la escena. En ese contexto, es en los huecos ajenos al influjo luminoso, donde se palpa el rumor del ambiente, efecto inducido por la percepción de los espacios habitados, que gracias al juego psicológico definido por el pintor, presume el observador vida en él, rastros de su presencia difuminada en el tiempo; puede que permanezcan, aunque no son percibidos en el instante real de la mirada.

Quizá, intuye el observador, se encuentran los moradores tras las ventanas, viviendo su existencia ajena al devenir de los ojos intrusos, que invaden el espacio interior de la pieza. Consigue Carlos Morago generar con la luz un ambiente que dota de vida a la obra, le infiere cualidad, historias pensadas incorporadas por quien las contempla. La claridad marca el ritmo, incorpora al espectador en su trabajo plástico.

En otras piezas, centra su atención en la repetición caprichosa de formas alejadas de la geometría, estructuración simétrica natural, ajenas de rectas y ángulos, sometidas a la curvatura y aleatoriedad de los perfiles. La flor encierra en sí la razón y el sueño desbordante del exceso libre, la belleza y el misterio, la fantasía luminosa que perdura en la memoria con la inconsistencia de la permanencia. Contiene en sí los sueños y realidades de la realidad humana. El pintor lo transcribe en sus piezas, conjuntando, con las producciones anteriores, una instalación en la que se quiebra la linealidad del hilo conductor, ofreciendo el sobresalto en su obra, cuando es revelada la esencia verdadera de la existencia, en el sueño deslizado de su contemplación

Siempre sorprende Carlos Morago.

LOS MUNDO DE SANTI LARA, EN MECA MEDITERRÁNEO, ALMERÍA

 

ENTRE EL SOL Y LA SOMBRA

El pintor manchego Santi Lara expone una obra fresca, dinámica y mágica, en la galería almeriense Meca Mediterráneo, hasta el 24 de abril.

Su trabajo plástico esta sustentado en un dibujo esquemático, vestido de un cromatismo limitado, sencillo, de rememoración publicitaria, propuesto como tonos amables, felices, sumidos en un resplandor de aparición fantástica, burbuja, que encierra espacios mágicos, penetrada por la percepción del tiempo real, el cual se sorprende, amansa su ímpetu, y se acopla al devenir suave que transcurre eternamente en su tiempo circular. Consigue el pintor esta sensación gracias el efecto cromático impreso.

Es una obra que se impregna de reflejos naif, poderosa estructuración gráfica de técnica ilustrativa, y estilo figurativo pop. Mas el artista lo transforma, con todos sus aderezos, convirtiéndolo en piezas con singularidad propia.

El título de esta propuesta es “Entre el Sol y la Sombra”, es decir, aquello que se visualiza y lo que oculta la oscuridad, universos vislumbrados que se equilibran entre sí, creando discontinuidad en el trayecto visual, en la observación del cuadro, induciendo la entrada hacia un relato de resonancias mitológicas. La Naturaleza, en su esencia, es cantada, a través de los personajes que ritualizan la fuerza de sus animales, los cuales son simbolizados por las máscaras de los oficiantes, o la humanización de sus ánimas, cuando evocan a las energías espirituales que se esconden en las umbrías de los bosques, tal y como se celebraba en las fiestas paganas greco latinas o célticas.

Santi Lara representa estas escenas bajo una luz fría, impersonal, casi lunar, pues no podría alejarse mucho de las horas de Diana. En ese ambiente surge el ciervo blanco, el auténtico Grial conocedor de la fuerza de la Naturaleza primigenia, cántico añorante de un medio entorno que vivía inmerso en sus duendes, hadas, espíritus danzantes, cuando el bosque era un ser vivo, no contaminado, simbolizando la puerta hacia otras formas de afrontar el tiempo de la existencia.

El pintor construye, con estos elementos intelectuales, la narración plasmada en sus composiciones, consiguiendo el efecto deseado. Denuncia los excesos de la ocupación del espacio circundante por el ser humano, ajeno al tiempo que se desarrolla en las sombras selváticas, donde cada ser viviente posee una presencia inteligente propia, otra lógica de las horas, liberada de la arquitectura racional idealizada, siendo mostrado por el pintor en una figuración serena, equilibrada, paradójicamente racional, mas tras el claroscuro se oculta la verdad de las sombras. Magnifico Santi Lara.

JUAN JOSÉ AQUERRETA EXPONE EN LA GALERÍA MARLBOROUGH, BARCELONA

 

EL PINTOR Y EL TIEMPO

Autor: Juan José Aquerreta. Título: Autorretrato. Lugar: Galería Marlborough, Barcelona. Fecha: Hasta el 13 de abril.

El perfil y el color definen las formas y el sentido de la mirada. Así es como percibo la obra expuesta de Juan José Aquerreta, Pamplona, 1946, en esta propuesta artística.

Ofrece en esta ocasión, un conjunto de piezas en las que plasma paisajes, bodegones y retratos. La razón que da sentido a su conjunto descansa sobre el yo y su proyección en objetos y lugares. Objetos que por sí solos no dicen nada, aparecen como composiciones inertes, estética en su esencia, pero conectadas entre sí describen el universo íntimo del pintor. Es a través del objeto, del montaje, la sensación percibida ante el paisaje, o la luz impresa y sus declinaciones tonales, como logra definir el ritmo visual del reflejo narrativo del mundo que envuelve al artista. Lugares cotidianos, tranquilo paso de las horas, cosas por descubrir sólo vislumbradas en la pieza, espacios cálidos donde llegar, son los guiños que introduce el pintor en sus paisajes. Los bodegones describen a través de sus proyecciones recuerdos del pasado, el arraigo que lo sujeta a éste, el proceso transitorio de la luz, la cual aparece amable, dorada, suave, en un flujo sin estridencias tonales, acompañando el silencioso paso de las horas, momentos de creación, reflexión y búsqueda permanente, el pintor y el tiempo, sometido a su cambio en el viaje vital, pero permanente en su impronta imperecedera.

La obra de Juan José Aquerreta posee una sólida estructuración estética, profundidad en su significado y elegante sencillez plástica.

SOBRE LA EXPOSICIÓN DE GONZALO SICRE

LA SOLEDAD SIENTA SU IMPRONTA

Autor: Gonzalo Sicre. Título: American Dreams. Lugar: Galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao. Fecha: Hasta el 12 de abril.

La soledad sienta su impronta, aplasta y dirige el ritmo de la escena observada, cuando se contempla la obra de Gonzalo Sicre ( Cádiz, 1967). Es su trabajo plástico un ejercicio de reproducción fiel de la imagen rememorada, surgida de la experiencia o creación mental, en el cual el pintor reproduce en sus piezas formas y figuras, ofreciendo como resultado producciones cargadas de ambientes enigmáticos intensos. La mirada del artista recorre el entorno, fijándose en rincones, escenas, paisajes o mobiliario, que suelen ser invisibles, oscuros y anodinos ante la atención del espectador. En ellos encuentra una atmósfera envolvente, estática, pesada, silenciosa. Se distingue la tensión originada por el encuentro entre la ocupación humana y la Naturaleza virgen, surgiendo una confrontación que genera desequilibrio en la estructura de la imagen, eco latente que indica la ruptura de un estado armónico, contradicción permanente en su contemplación.

Las piezas elaboradas por Gonzalo Sicre recuerdan a la obra de Edward Hopper, mas tras esta impresión inicial se diferencia su estilo figurativo propio. Las composiciones de Gonzalo Sicre muestran frialdad, contradicción, siendo más reflexivas, cuya soledad, que une a los personajes de ambos pintores, adopta en su obra el reflejo de un pensamiento metafísico profundo, ante la fugacidad de la existencia, pese a querer éstos dejar su huella en el ambiente, siendo al final ilusión, quedando sólo el rastro de su paso. Y es en esos rincones, en los instantes de tránsito, donde se resume la letanía de los momentos gastados en la rutina ciega, cuando vivimos ajenos a lo que nos rodea, remarcando la insignificancia del tiempo de paso de la existencia humana. El pintor extrae la imagen, en su estructura, para expresarla como evocación plástica.

La pintura de Gonzalo Sicre posee una gran calidad, siendo uno de los sólidos valores de la pintura actual.

MIGUEL GALANO Y SUS ESPACIOS DE MISTERIO

 

CAMPOS OSCUROS DE LA IMAGINACIÓN

Miguel Galano expone “Luces encontradas”, junto a Juan Carlos Lázaro, en la galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao, hasta el 12 de abril.

El trazo espeso toma fuerza en el papel, rompiendo la homogeneidad del blanco plano, para expresar ruptura del equilibrio espacial, y hundirse en la profundidad del peso sugerido. Miguel Galano (Tapia de Casariego, Asturias, 1956) juega con una gama de tonalidades limitada, amparadas en la apagada radiación que presentan, construyendo un ambiente irreal, extraído del recuerdo luminoso para exponerlo envuelto en un halo de sugerencias oníricas, recuerdos evadidos de la memoria, evocados emocionalmente en el trayecto de su rememoración. No es la imagen lo que importa en su obra, sino el ambiente que la sostiene, el guiño sensitivo que le infiere un latido interno, espacio construido para que el observador desarrolle las fantasías, que pretenden explicar el otro mundo que se supone, completa y explica la rutina apática de las horas irrelevantes.

Las manchas, que organizan los paisajes en su obra, son extensas, rotundas, siendo la percepción de quien las contempla el actor que desarrolla aventuras singulares, libertad del pensamiento que salva las contingencias sujetas a las leyes temporales.

Miguel Galano es un pintor de complejo lenguaje visual, el cual, pese a la simplicidad de la paleta utilizada, posee una riqueza expresiva de intensidad espesa en su nacimiento, cuando ocurre el primer contacto de la mirada, evanesciendo en el desarrollo de su contemplación, ayudando al pensamiento a trasladarse hacia los mundos ocultos de la imaginación. Es hábil el pintor en su destreza plástica, expresión de la nada hecha forma, que emerge del paisaje oculto tras la composición artística.

LOS ESPACIOS SUGERENTES DE JOSÉ LEAL

 

JOSÉ LEAL: IMAGINACIÓN Y MATERIA

Es José Leal (Almería, 1941) un artista de ingeniosa inteligencia plástica, lo cual le permite elaborar composiciones poseedoras de equilibrio visual, solidez en su percepción, peso generado en el entorno de su influencia.

Este escultor plasma en sus dibujos la forma fugaz aprehendida, instante pasajero que se marca en la memoria, como rastro borroso de las formas recordadas, envueltas en su acción cinética. Esta cualidad es depositada en sus bocetos, gracias al dominio del trazo, y a su comprensión del cuerpo en movimiento, que atrapa en ese momento pasajero, confundido por el rastro cromático sedimentado en la memoria. Trasporta el artista esa impresión bisimensional al universo de las tres profundidades, quedando contenida en un bloque de bronce, o láminas metálicas organizadas, según la fantasía visual que pretende elaborar.

Sus figuras no son bloques en los que se quiere liberar las formas, sino que conforman la acción dinámica pensada en la escultura, nervio interno cuan soplo de vida añadido por la genialidad creativa del artista. Las formas compuestas por José Leal poseen energía interna presentida, a punto de emprender su acción, congelada en el punto anterior de su ejecución. El metal aligera su solidez para interpretarse como halo que cubre, oculta y acompaña, al protagonista sujeto en la pieza. La cual aparece suave, casi penetrable, secuenciación rápida de la imagen confundida en el torbellino de su trayectoria. Existen ajenos a su entorno, el cual invaden con su presencia, Están solamente ellos y su entorno, sumidos en una actividad que se escapa a la imaginación del espectador, generando misterio, curiosidad, enigma del yo oculto en una atmósfera del movimiento envolvente, que cubre los detalles precisos de la figura.

En otras producciones plásticas, el escultor construye un espacio sugerente soportado en las formas de sus piezas, ambiente aéreo inducido en su observación, vibración perpetua del vacío, sometido al ritmo insonoro de su presencia. Es un pulso extraído del conjunto del latido que se supone en la pieza, por cuyos intersticios espaciales fluyen, se entremezclan y resuena, en una oscilación infinita. En algunas juega con la mirada engañosa, siendo los huecos, contenidos en sus composiciones, interpretados como formas reales, mas todo es fantasía.

En la madrileña galería Orfila, expone su obra José Leal, hasta el 13 de abril, resultado de una larga trayectoria de búsqueda, reflexión y hallazgos, en la cual el artista ha conseguido conjugar imaginación y materia.