MARTA AGUIRRE EN LA GALERÍA BAT.ALBERTO CORNEJO

 

MIRADAS AL SUR

Autora: Marta Aguirre. Título: Miradas al Sur. Lugar: Galería BAT. Alberto Cornejo. Fecha: Hasta el 4 de junio de 2026.

Fluye el color por espacios de contornos imprecisos, conjuntado con sus compañeros para organizar la impresión de una imagen diluida, intuida en su significado, empapada de emoción.

Marta Aguirre (Tudela, 1983) es una pintora de extensa trayectoria expositiva, al igual que en reconocimientos, siempre inmersa en el espejismo descrito por el destello cromático, vía a través de la cual describe la realidad sensitiva. Sus piezas nos relata un viaje en el que va descubriendo paisajes, ciudades, encuentros sometidos a la postración que la sorpresa ofrece, cuando es detenido el tiempo en la mirada, evasión hacia la inmaterialidad de la existencia, vislumbrando el latido que sostiene la percepción sentida. ¿Pero es esa la realidad que nos envuelve o acaso aquella que presentimos en nuestra imaginación? Esta es la gran duda que propone la artista en su descripción plástica, sujeta a la emoción del color.

Es la tonalidad descansada en sus piezas quien va modulando el ritmo sensitivo apreciado en la mirada, reflejándose en el susurro de los instantes que se deslizan con suave curso, permitiendo reflejar en ellos el resplandor sereno surgido de dicho encuentro, depositado en la memoria como fulgor etéreo del encuentro recordado.

Marta Aguirre describe, con exuberante precisión, todas las historias sentidas en la exploración de su mundo circundante, ofreciendo, a quien contempla su obra, la esencia del lugar plasmado en sus acrílicos, dibujos o grabados. Es una producción plástica fresca, dinámica, optimista y rica en sugerencias visuales. Siempre me ha gustado el estilo de esta pintora.

"CON EL TIEMPO A SOLAS" POEMAS DE JOSÉ TUVILLA

 

CON EL TIEMPO A SOLAS

El tiempo es relativo, depende del ritmo que le imponga el pensamiento. Unas veces la ansiedad lo hace pesado y lento, en otras la glotonería por la felicidad lo convierte en insuficiente, también existe la experiencia en la que el ensimismamiento en una idea y contemplación lo olvida, ralentizando su paso, ajeno al que así lo experimenta.

José Tuvilla Rayo es un poeta de extensa trayectoria lírica, incansable en su labor de difusión cultural y creativa. Propone en esta ocasión el poemario “ Con el tiempo a solas”, editado por Círculo Rojo, en el que desarrolla una profunda reflexión sobre la existencia y las injusticias sufridas por los seres humanos.

El poeta nos relata el recorrido por la senda en la que se interna en su soledad, caminando por los campos vacíos de estímulos externos, acompañado solamente por su eco interior, en cuya oscuridad, en las frías horas de la noche del alma, busca refugio. En ese ensimismamiento, abandonado en su propio ser encuentra el signo salvador, un atisbo de resplandor, presentido al principio, el cual se consolida en el trayecto hacia el descubrimiento de la verdadera esencia del ser humano, pese a que en sus diferentes etapas encuentra el rastro del dolor, el peso del egoísmo que marca su huella en el débil. Me recuerda este ejercicio introspectivo al filósofo y poeta Vladimir Soloviev, quien consideraba el amor como impulso que supera el egoísmo, descubriendo el valor y dignidad del prójimo. La verdad descubierta por la persona se apodera de su interior y proyecta hacia el prójimo.

En este proceso de revelación, José Tuvilla transforma su indignación en esperanza, pues sabe que el amor triunfará, es una semilla que todos llevamos, sólo hay que ayudar incentivarla, mediante su abono con más amor.

Su obra está dividida en tres partes, reflexión y soledad, que corresponde a las horas de oscuridad, su paso por el dolor del mundo, horas más frías de la madrugada, y el descubrimiento de la luz, amanecer del alma.

Lo expresa el autor en un cuerpo lírico preciso, unas veces libre de sujeción de rimas, acompañado de pulcros sonetos, en todos soportados por el ritmo natural de la palabra, sonido armónico que crea la resonancia rítmica sentida por el poeta.

Los poemas de José Tuvilla poseen luminosidad en su significado, más la razón metafísica que sostiene el ánimo trasmitido por el poeta. Es el afecto, comprensión y diálogo, la mejor manera de transformar la realidad.

PEPE CANO EXPONE EN LA GALERÍA HAURIE

 

LOS MIRONES DE PEPE CANO

Autor: Pepe Cano. Título: Mirones. Lugar: Galería Haurie (Calle Guzmán el Bueno, nº 13, Sevilla) Fecha: Hasta el 23 de mayo de 2026.

Posee Pepe Cano una impronta en su obra que le confiere fuerza expresiva. En las piezas que expone ofrece un relato sencillo, en el que aborda distintas imágenes de la vida cotidiana, momentos intrascendentes, que en su conjunto definen la existencia real de las personas. Es directo en la comunicación de la idea que mueve su obra, exacto y preciso en la descripción portada en sus composiciones, alejándose del uso de elementos innecesarios, sólo la figura simple, en la que la mancha organizada, su variedad cromática y la profundidad de una amplia mirada, configura la narración plasmada en propuesta plástica. Sus colores están depositados con intensidad, huyendo de la pasión tonal para expresarlos en su presencia suave.

La obra de este pintor es rotunda en su contemplación, portando una estructura de cromatismo esquemático, que modula la trayectoria del relato, la simplicidad de su contemplación, aflorando una mirada inocente que en el zambullido de su comprensión se une a las vivencias de quien la observa, tomando la dirección del sentido último de su significado, en su exploración en el desván de los recuerdos, imaginaciones o simplemente la evasión fantástica surgida en ese momento.

Es directo el artista en la imagen compartida, rico en evocaciones, oportuno en el estilo empleado, hábil conocedor de las técnicas comunicativas, que transforma y enriquece como una pieza de arte.

La obra de Pepe Cano es sugerente, alegre, optimista y de interesante construcción estética.

ANDERS ZORN EN LA FUNDACIÓN MAPFRE

 

ANDERS ZORN. RECORRER EL MUNDO, RECORDAR LA TIERRA

Exposición: “Anders Zorn. Recorrer el Mundo, recordar la tierra”, Sala Recoletos, Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos, 23, 28004. Madrid) Hasta el 17 de mayo de 2026.

Anders Leonard Zorn ( Mora, Suecia, 1860-1920) fue el pintor más famoso, en su tiempo, de Suecia. Trabajó los diferentes estilos y técnicas de la representación plástica, siendo considerado como uno de los artistas mejor valorado por la alta sociedad, de finales del XIX y primeras décadas del XX. En sus acuarelas, óleos o grabados, plasmó paisajes de su país natal, retratos de personajes de la política, nobleza y burguesía internacional. También recogió en sus lienzos escenas campesinas, alejados de la artificiosidad y lujo, para mostrar la vida de las personas comunes, así como imágenes exóticas plasmadas en sus viajes por el extranjero, recogiendo entre ellas retratos y lugares de España.

Sus obras sobre el entorno natural sueco describen estampas de la vida cotidiana, donde el agua aparece impresa con frecuencia, alcanzando en su plasmación una gran perfección, de tal forma que se le llamó el pintor del agua. Una de las piezas que más me ha gustado, de esa época, es la acuarela titulada “ Placer de verano”, 1886, en la que la superficie acuosa es pintada con absoluto realismo, dejando impresa en ella la fuerza de la fascinación del momento rememorado, el juego de reflejos producido por el cielo monótono del Norte, que los rizos acuosos rompen, alterando la serenidad imperante en la escena, integrándola en el flujo temporal.

Sus retratos le dieron gran fama internacional, sabiendo trasladar a su obra la personalidad íntima del retratado, que acompañado por la estancia, enseres y utensilios que informan de sus actividades y gustos, marca en sus miradas la intención que ha motivado el pose del personaje, y con el cromatismo incorporado en la pieza, cálido, acogedor, intimista, gris, brillante, da fuerza a la intención del pintor para definir la esencia del cuadro.

Los desnudos, la libertad de cuerpo en una sociedad puritana, fue otro de sus motivos pictóricos, en los que mostraba el esplendor de la existencia, en su momento de lozanía.

Recogió en su trabajo plástico la vida del pueblo llano, en las luminosas jornadas estivales, celebrando la recogida de la cosecha, o sus quehaceres y labores en la penumbra de los días oscuros. Oscuridad que simula el rincón velado en el que la sociedad oficial lo tenía relegado. Al igual que los pintores itinerantes rusos de su época, Anders Zorn elevó el mundo del campesinado sueco a motivo artístico, queriendo expresar el alma verdadera que define a un pueblo, su auténtica realidad.

A. Zorn trabajaba con economía cromática, desplazándose, en su trayectoria plástica, desde un dibujo sostenido en la pureza de las líneas, disueltas en el color, hacia la plenitud de la mancha, efecto visual que inducía la emoción querida transmitir en la impresión de la imagen, el dinamismo que ésta poseía, el tránsito fugaz del tiempo.

La Fundación Mapfre acierta con esta exposición, difundiendo la obra de una de las figuras que han enriquecido la Pintura contemporánea.