LOS ESPÍRITUS APARECIDOS SEGÚN LA FILOSOFÍA CHINA

 

CUATRO ESTADOS DEL ALMA

Según C. Jung, en su libro “La flor de Oro”, basado en el Libro de las Mutaciones, I Ching, el yo está compuesto de ánimus y ánima. El primero constituye la parte espiritual y el intelecto. El ánima está relacionada con la parte material, es la energía que la sostiene.

En la muerte el ánima se sume en la materialidad, para desaparecer, y el ánimus sale del cuerpo y asciende a otras realidades.

Cuando el yo está sometido a pasiones, ambiciones y deseos, el ánima prevalece y somete al ánimus, evitando que siga su camino, lo aprisiona. El yo está ligado a la realidad, aunque se mueve en un estado ilusorio. Vive en torno a los objetos y lugares que desea en demasía, como casas, objetos y tesoros propios, desarrollando su existencia ajeno al mundo real. Está inmerso en un dolor profundo por no ser real, y si se hace presente aparece como espectro o sombra. Cuando interactúa con los humanos es para absorberle su energía, necesaria para seguir existiendo, es cuando aparece como sombra. Si no lo hace se hundirá en la oscuridad permanente.

Hay ánimus que luchan por ascender, pero el ánima posee gran fuerza. Es una lucha interior, y necesitan las plegarias de los que sobreviven. Interaccionan con los humanos, son fantasmas. Actúan beneficamente o malignamente, de acuerdo al predominio de sus obras buenas o malas en su conducta anterior. Pueden ascender al cielo, pero no se desligan del mundo real, apareciendo para ayudar. Si están ligados al mal, persisten en los espacios de la oscuridad, saliendo de éste para actuar contra las personas. Se irán disolviendo poco a poco su presencia en el tiempo real si están en el cielo, dejando de interaccionar, y si están en el infierno permanecerán en su pérdida sin fin, doloridos por no disfrutar de sus ambiciones y vicios (en el Tao y budismo se considera que se reencarnarán con sus recuerdos primitivos)

Pero puede ocurrir que el ánimus predomine sobre el ánima. Aparecen como fuerza espiritual, genios que actúan sobre el ingenio humano. Sólo los sabios y santos se percatan de su presencia, para los antiguos eran los dioses o genios, para los creyentes ángeles. Son seres luminosos, que irradian energía. Al final de los tiempos desaparecerán para sumirse en el mundo espiritual pleno.

Si es el ánimus quien predomina, asciende al cielo. En el budismo se extingue en el vacío. En el taoísmo permanece su reflejo luminoso, su individualidad dentro del Todo. En las religiones monoteístas el yo permanece en comunión con el Creador.

R. SERRA Y SU EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA LA CAJA NEGRA

 

EL NEGRO COMO PUERTA AL VACÍO

Richard Serra: Hitchcock. Lugar: Galería La Caja Negra (Avda. Pedro Díez 38, 3ºC, Madrid ). Fecha: Noviembre 2026.

La obra de Richard Serra (San Francisco, California, 2 de noviembre de 1938-Nueva York; 26 de marzo de 2024) posee una impronta propia, que genera atracción o rechazo, siempre suscita emociones. No deja indiferente al espectador, es decir comunica una idea que hace aflorar sentimientos. El interés suscitado, o aversión, es lo que da sentido a una obra de arte.

Presenta esta galería la obra última de este artista, que consta de dos series, “Hitchcock” (2024) y “Right Angle” (2019). En la primera trabaja este creador plástico el grabado de forma manual, utilizando pigmento negro, aceite de linaza y cera fundida, con sílice, aplicadas sobre papel. Es un proceso arduo, largo y sometido en parte al dictado de la suerte y también a la intención última del artista. En Right Angle traslada su obra de los años sesenta al formato bidimensional, obteniendo impresiones mediante la técnica de aguafuerte y barra de óleo, aplicadas sobre papel hecho a mano.

Obtiene obras de gran densidad superficial, evocadoras de profundas reflexiones, para aquel que conecta su atención con el trasunto que explica su significado. Es el negro su distintivo, entendido por Serra como propiedad de la materia, aflorando de su visualización múltiples sensaciones.

El negro comunica profundidad, infinitud, vacío y densidad, la luz se comprime en su interior. Me recuerda estas apreciaciones a la doctrina confuciana del tao, cuando habla de la dualidad armónica entre la nada y el todo, el vacío y la creación desbordante, sometidos a un vaivén equilibrado, origen de la construcción permanente desde el pensamiento, la potencia convertida en acción. Comunica el negro un espacio misterioso, en el cual se esconde una topografía incógnita, donde la mente desde su descarnada realidad crea mundos imaginarios, expresados en emociones, más que en figuras, que no existen, sólo el negro y su lucha con áreas, o entornos, de claridades. Es este negro profundo quien dirige la escena, crea el paisaje ilusorio, imágenes etéreas que comunican su presencia a cada espectador.

Este trabajo plástico constituye un estudio metafísico sobre la ausencia, punto de fuga del cual surgen ideas que llenan su vacío. Mas es necesario que el visitante comprenda el sustrato intelectual de esta propuesta artística.

La galería La Caja Negra sostiene una excelente trayectoria expositiva con esta muestra.

ABRAHAM LACALLE SIEMPRE EXCELENTE

 

LA FRONTERA DE ABRAHAM LACALLE

El color se rompe en los paisajes de Abraham Lacalle (Almería, 1962), descompone la imagen para quedar como trazos o manchas en combinación con otras, siendo su conjunto ordenado huella de la impresión primera marcada en el recuerdo. Es el rastro cromático quien define la esencia del paisaje, comprendida por el observador, experiencia plasmada en el lienzo.

En la trayectoria plástica de este pintor, observo una progresiva evolución de las formas delimitadas hacia su absorción por el impulso del color, perdiendo definición precisa el paisaje, esfumándose el dibujo para quedar sujeto como base estructural de la composición. La mirada distante inicial, desde una perspectiva idealizada, e incluso inocente, se transforma en un escenario de intensa fuerza sensitiva, pasión tonal que grita en sus densidades cromáticas, tensión depositada en su repertorio de colores. Es una emoción visual contenida en cada pieza, que no desborda la mirada con su presencia, sino que aparece como choque ondulado cuan ola rítmica, que abate y descansa, manteniendo una armonía sincrónica, tal y como el artista la ha percibido en el instante de la evocación de la contemplación sentida. Este efecto en el ánimo del pintor es producido por la esencia que late en los bosques, campos y llanuras, donde plantas y árboles muestran su espeso esplendor, diseccionando la luz que los cubre para reflejarla vestida del tono ajustado, el cual se interrelaciona con el vecino, organizando un murmullo visual que sugiere la presencia del ánima que le da vida.

Abraham Lacalle relata todas estas impresiones en su propuesta plástica, escogiendo el colorido adecuado, preciso, para crear un texto visual desarrollado con lirismo. Este efecto consigue que su obra guste, posea una excelente calidad artística, soportada sobre un nivel técnico excelente, e ideas claras en la expresión de la imagen narrada.

Su exposición, titulada Frontera, podrá ser visitada en Veta Galería, c/ de Antoñita Jiménez, 31,43, Madrid, hasta el 13 de noviembre de 2026.

MARCELLO MAGNATO EXPONE EN ESPACIO OMNIA, GRANADA

 

EL COLOR DESNUDO

Autor: Marcello Magnato. Título: NAKED. Lugar: Espacio Omnia (Calle Pedro Antonio de Alarcón, 7, Granada) Fecha: Hasta el 31 de octubre de 2026.

Se expone en este esta Sala una obra de gran sugerencia visual, donde el cromatismo, en su desarrollo heterogéneo, ofrece espacios descompensados de intensidad tonal, en los que la mirada pierde su encaje lógico, para descubrir otras perspectivas negadas por el dibujo, velando su fantasía. Marcello Magnato explora las dimensiones del color, sus mezclas y soledades, siempre en densidades descompensadas, azarosas, encrespadas, cuan una superficie acuosa ondulada por la brisa presentida. Es un trabajo de hondo calado técnico, pues el pintor supera la imagen para adentrase en la mística del color, sus veladuras, excitaciones hirientes, o en el descanso de gamas plácidas.

En ese campo de cromatismo alterado, es el espectador quien descubre otras posibilidades, historias nuevas que sus vivencias y recuerdos crean. La habilidad en el dominio del colorido aplicado por el artista, y su huella matérica, logra crear el efecto envolvente constructor de relatos mágicos, pues la contemplación de sus piezas no induce ninguna sensación negativa, sino que lleva a un lirismo de mundos brumosos, estanques en los que la luz se dispersa en sus gamas varias, fulgurantes paisajes, todo nacido del fondo inconsciente del observador. Cada vez que son apreciadas se presenta un relato nuevo, sea por el estado emocional del espectador, la luz incidente del paso de las horas o su disposición, como también por la energía colgada entre las hebras del color, entrelazadas, discontinuas, bravas en su organización.

Marcello Magnato consigue elaborar un trabajo plástico rotundo, bien equilibrado en su totalidad, atractivo y de excelente factura compositiva.

MANUEL BRU EXPONE EN MECA, ALMERÍA

 

IMAGEN VIBRANTE

Ofrece Manuel Bru (Elche, 1987) una obra fresca, directa, y de interesante concepto compositivo. Consta su propuesta de un conjunto de piezas elaboradas con materiales diversos, logrando concluir un trabajo plástico de acertada conclusión técnica. Infunde un nervio vibrante en su obra, el cual difumina la imagen, sometida a un vaivén intuido, dejando la impronta de su presencia cinética en el reflejo último percibido. Recoge esta obra dos fuentes de inspiración, opuestas entre sí, aunando el paisaje presumido inmutable, sometido al dominio solar, teñido del azul triunfante mediterráneo, y el cambio inducido por las fuerzas de la naturaleza, los temblores telúricos que con su energía rompe el curso tranquilo de las horas. Es el efecto de este fenómeno último quien incorpora ímpetu visual a toda su propuesta artística. Es la energía natural la protagonista en ésta, aquella que trastoca la realidad del paisaje, corrige los excesos humanos en la faz terrestre, se libera en el ambiente. El artista capta muy bien su esencia, la traduce en imagen y plasma en sus piezas. Al contemplarlas se turba la mirada, quien busca un asidero para fijar una referencia, y comprender el espacio pintado, mas se superpone el ruido plasmado en ellas, escapando del cuadro para conectar con la mirada del espectador, insuflando sensación de cambio, inestabilidad, mutabilidad permanente, vida enervante. Surge esta fuerza desde un plácido fondo que se agita desde su interior para producir la visualización aquí descrita.

Manuel Bru consigue construir una propuesta plástica de sólido concepto compositivo, expresado con rotundidad en su efecto, jugando con las contradicciones entre la claridad cromática aportada en su obra y su organización en ella. Materia y forma se conjugan para lograr presentar su ingenioso relato. Esta muestra posee gran interés estético, por el resultado obtenido, acompañado de una correcta calidad técnica.

Mantiene esta galería privada un excelente trayecto expositivo, difundiendo el arte de vanguardia desde esta parte de Andalucía, consiguiendo situarse como unos de los focos destacados de España, gracias al trabajo, y capacidad curatorial de Rosa Muñoz Bustamante y Fernando Barrionuevo.

Podrá visitarse esta exposición, titulada “ De una fuerza telúrica y una energía desatada ”, en la Sala MECA hasta el 5 de noviembre de 2026.

"ÓBICE. ANTE LA BECHA". OBRA PREMIADA DE JESÚS ZURITA

 

LA BRECHA DE JESÚS ZURITA

VI Premio a la Creación Artística “Granada de fondo”. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 8 de noviembre.

La obra “Óbice. Ante la Brecha”, de Jesús Zurita (Ceuta, 1974), ha resultado ganadora en el VI Premio a la Creación Artística “Granada de fondo”. Continúa este pintor con su proyecto plástico iniciado hace años, en torno a la Brecha, cuando expuso su propuesta con la de José Guerrero. Esta obra premiada posee un intenso sentido conceptual, transmisora de un poderoso efecto en el ánima de la mirada, gracias a la hábil composición organizada por este artista.

La brecha significa ruptura, discontinuidad, pausa detenida en el tiempo, singularidad que marca una acción que altera el reposo presumido en el futuro, cambio brusco inesperado. En la huella de la brecha, dentro de su profundidad, surgen sombras que ocultan fondos indefinidos, oscuridad misteriosa, veladora de enigmas, misterios, perpetuidad en el recuerdo. Jesús Zurita lo percibe muy bien, trasladando esta idea a una imagen densa, espesa, intensa, en la que una vegetación frondosa oculta la realidad de la superficie, la cual es un misterio envuelto en la fantasía. Dramatiza la imagen gracias a las tonalidades apagadas introducidas en la composición, sesgada toda ella por el halo oscuro, portador de dolor y ocultamiento, la cual quiere invadir la escena toda, surgiendo con ímpetu, con ánimo de controlar la imagen total.

El espectador hunde su mirada en la pieza, recorriendo la amplitud de su espacio, buscando un signo, espejismo, que la salve de la sumisión ante la imposición del muro vegetal, de los temores que la oscuridad encierra. Pero la intención escrutadora prosigue, no se da por vencida, quiere encontrar el gesto último de la verdad redentora. Va más allá de la intención inicial supuesta, pues propone el enfrentamiento de la consciencia ante los impedimentos, que a toda persona la apariencia presenta. Se revela la percepción escrutadora, quiere romper el presente, fluyendo el subconsciente hacia el tiempo definido, tomando el relevo de la razón, para internarse en la magia que envuelve el tiempo azaroso.

Es poderosa esta obra por las razones aquí expuestas, lo cual justifica su distinción como premiada.

No nos sorprende este trabajo plástico de Jesús Zurita, su trayectoria expositiva, y creadora, ya ha dado razones suficientes para comprender su calidad e ingenio técnico. Con esta pieza, se refleja la cota adquirida en el panorama artístico nacional por este pintor.

GABRIEL GARCÍA RAMOS EXPONE EN EL CENTRO CULTURAL GRAN CAPITÁN

 

HOMENAJE

Autor: Gabriel García Ramos. Título: Homenaje. Lugar: Centro Cultural Gran Capitán. Granada. Fecha: Hasta el 7 de noviembre de 2026.

Es una exposición de serena sobriedad la ofrecida por Gabriel García Ramos (Ávila, 1950), artista de interesante producción plástica, compuesta de un conjunto de piezas en las que muestra una mirada organizada según un orden geométrico, líneas, círculos y cuadrados, más algunas composiciones en las que rompe la lógica de ángulos y rectas para adentrarse en las formas caprichosas, portadoras de una simbología directa, centrada en el homenaje dedicado al gran creador granadino, desaparecido hace poco, Alejandro Gorafe. Es en esta última donde Gabriel García Ramos expone piezas de representación mínima, directas en su comprensión, portando en ellas el alma creativa de este artista. En ellas hay otras de espesa composición, collages, en las que juega con brillos y descomposiciones lumínicas, cuan destello pasajero de la existencia.

Es toda la obra mostrada en esta Sala, un homenaje a los creadores plásticos que han influido en el estilo particular de este artista, Malevich, Oteiza, Chillida, Basterrechea, Popova, Mondrián o Molinari, que no imita ni desarrolla sus estilos, sino que inspirados en ellos recorre una senda compositiva propia.

La obra de Gabriel García Ramos es en su comprensión ligera, sobria, serena, y de estructura rígida, no restringida a la quietud contemplativa, sino sometida al impulso cinético, que la mirada desarrolla. Este es el ánima que recorre el conjunto de piezas expuestas, pues en unas está encerrada la energía impresa en la organización azarosa de sus figuras, depositadas en el instante de un tránsito pleno, en otras, como aquellas citadas anteriormente, enfrascadas en los destellos luminosos, y en bastantes en el diseño arquitectónico esquematizado, en su instante dubitativo de construcción, incrementado su efecto en las series repetidas de cromatismo diverso, dándole una sensación de cambio, mutación, evolución temporal. Parece detener el movimiento insinuado en la percepción de sus piezas en los círculos, mas es apariencia, pues ellos representan el cambio interior en el reposo, profundidad infinita, sometida al ritmo de las diversas tonalidades que en ellos descansan.

El conjunto expuesto nos ofrece una experiencia visual ingeniosa, de certero efecto, logrando el artista incorporar vida en la fría estructura geométrica, ahí esta su merito, obteniendo en algunas piezas signos de elegancia. 

EXPOSICIÓN DE SANTIAGO CORRAL EN LA GALERÍA ISOLINA ARBULU, MARBELLA, MÁLAGA

 

CÓDIGOS URBANOS

Autor: Santiago Corral. Título: Códigos Urbanos. Lugar: Galería Isolina Arbulu, (Urb. Cortijo de Nagüeles, 88D, Marbella, Málaga ). Fecha: Hasta el 27 de octubre de 2026.

Ofrece una obra luminosa Santiago Corral (México, 1964), no por las claridades dominadoras de la escena, sino por el juego de luz incorporado a sus óleos. Su trabajo plástico camina por los campos de la figuración, siendo sus escenas dibujos limpios, exactos, plasmando la geometría urbana, la visualización exacta de los objetos, la frondosidad caprichosa vegetal, la bruma atmosférica, las turbulencias acuosas, el reflejo que rompe la luz en tonalidades varias. Todo ello es envuelto en un color modulado, no estridente, expuesto en un flujo sereno, que delimita las formas y se suma al conjunto, contribuyendo a conformar la atmósfera que ocupa todo el espacio. La luz es quien da forma a todo el conjunto visual plasmado en el lienzo, incorporando intimidad, asombro, encuentro, vida presente pese a la ausencia de figuras humanas. La luminosidad que transcurre en el escenario está dotada de un punto preciso de intensidad, para lograr el asombro a quien contempla su obra. Introduce elementos domésticos creando un clima de intimidad, cotidianidad rutinaria del hogar, lugar de cobijo y resguardo. Esta impresión se confronta con el paisaje que lo acompaña, distopía continua en todas las piezas expuestas. Produce un choque sensitivo en la mirada, generando tensión, curiosidad, aventura que surge en las horas inanes de la soledad del hogar, sueño envolvente que trastoca el tedio diario. Sumidos en la ignorancia, en el caparazón de la intimidad, del mundo cambiante. Es una dicotomía expresada con belleza, que el artista logra componer de forma mágica, llevando a los territorios de la fantasía a quien observa sus piezas.

Desde las fotografías que trastoca, y su inmersiones en la IA, obtiene Santiago Corral una serie de ideas que convierte en imagen original, de profundo efecto atractivo, seducción en la mirada. Es ingenioso en construir mundos distópicos, soportados en una poderosa inteligencia creativa, ofreciendo un trabajo plástico de excelente categoría y calidad artística.

HOMENAJE A JOSÉ HERNÁNDEZ QUERO

 

LA ESTÉTICA SINGULAR DE HERNÁNDEZ QUERO

Autor: José Hernández Quero. Titulo: una mirada a ayer. Lugar: Biblioteca de Andalucía. Granada. Fecha: Hasta el 30 de noviembre de 2026.

Hay pintores que poseen una impronta particular en su obra, plasmada como rasgo de un estilo propio. José Hernández Quero (Granada, 1930) es un artista cuyo trabajo plástico contiene estas características, siendo difícil encasillarlo en movimiento alguno, pues bebió de todos aquellos presentes en su trayectoria pictórica, moldeando un tipo de obra personal, original y de poderoso peso estético. Hernández Quero muestra un dominio de variedad de técnicas plásticas, elaborando composiciones de excelente calidad artística.

Su obra destaca por su pureza reflejada, limpieza visual en su apreciación, iluminación modulada propia, ajustada a la escena y la intimidad que distingue su producción toda. Son sus piezas elaboraciones sobrias, equilibradas en sus medidas, con fuerte raíz académica, primando los escenarios grises, de tiempo evanescente indefinido, sutilidad en la atmósfera que envuelve a toda la composición, magnetismo que surge de su configuración, para llenar el entorno y dotar de ambiente sensible todo el cuadro. Las ondulaciones de su presencia se perciben al ser observada la pieza, desde una postura de encuentro, y abandono fuera de toda precaución ante lo que se espera ver. Es su reflejo desprendido quien describe el cosmos encerrado en la obra, espacios simbólicos que muestran un concepto de la realidad basado en la lógica, sin olvidar la magia que subyace en toda contemplación real.

Sus bodegones trascienden el mero ejercicio de estudio, pues es el entorno introducido en ellos quien incorpora tensión a toda la representación. Lo mismo ocurre cuando aborda el paisaje. Y cuando introduce el color, lo aplica en sus tonos precisos, alejados de todo rumor visual que lo expande en su derredor, apareciendo ajustados a las figuras, recordando la pintura clásica. No quiere el pintor trasladar la realidad al lienzo, sino que la plasma como una expresión simbólica de la percepción racional que domina todo sujeto, superando las formas para exponer su realidad propia.

Propone José Hernández Quero, un mundo sumido en la fantasía de la lógica y la subjetividad del pensamiento, desarrollado dentro de unos cánones insertados en la figuración clásica, trasladada a una comprensión actual, pues está sometida al reflejo de las vanguardias, que le da luz, y sin embargo depositadas en segundo término, pues son anécdotas de la coexistencia vivida, triunfando el signo propio del artista, que ha desarrollado todas las posibilidades de su influencia original.

José Hernández Quero consigue lo difícil en la Pintura, es decir, comunicar una forma creativa original sin romper, ni renegar, con el pasado estético. Es un pintor de gran importancia en la historia plástica andaluza de la segunda mitad del siglo XX.