EXPOSICIÓN HOMENAJE DE ALEJANDRO GORAFE

 

EL GABINETE DEL ARTIFICIO

Obra de Alejandro Gorafe en el Centro Cultural Gran Capitán, c/ Gran Capitán 22, Granada.

Se exhibe en el Centro Cultural Gran Capitán, “Alejandro Gorafe. El gabinete del artificio”, hasta el 2 de mayo de 2026, instalación en la que se muestra cuarenta y seis obras, elegidas de toda su trayectoria artística.

Alejandro García del Saz (1962-2024) fue un creador plástico de gran imaginación estética, el cual profundizó en las posibilidades de las formas comprendidas, más allá de la percepción común, mostrando otros aspectos que su presencia ofrece, desvelando su imagen a los ojos cegados por la lógica racional de la mirada.

Incidió en la comprensión de la figura última de los objetos, descomponiendo sus partes para recomponerlas en expresiones fantásticas, ensueños abiertos a otras opciones de entender la realidad. Nunca se repetía, aportando un amplio repertorio de estructuras y combinaciones, recreaciones plásticas de configuraciones, ofrecidas como composiciones estéticas porque sí, sin finalidad alguna de utilidad, centrando la mirada en la presencia de la imagen en ella misma, destello visual que alumbraba mundos imaginarios, abriendo la mente a elaboraciones extraordinarias pensadas, sentidas, trasladadas a escenarios lúdicos, donde el gozo, por la visualización dominante en el destello luminoso percibido, es la única presencia, admitida en el pensamiento del observador, atrapado en el entorno de acción envolvente generado por la pieza.

Hay obras en la que Alejandro Gorafe se encierra en trayectos laberínticos, retorcidos, encerrados en sus estructuras, materiales duros, cortantes, fríos, como los cantos que convertía su trabajo artístico en sufrimiento, en los caminos de búsquedas imposibles, hacia el descubrimiento último de la esencia de la imagen primaria, núcleo de fantasía infinita. Esa era la obsesión creativa que impulsaba su trabajo plástico. Encontró el artista la perennidad de la existencia, el ritmo cíclico que fluía en múltiples sendas de forma caprichosa. Ritmo permanente, duro, en tensión latente. En estas experiencias plásticas el artista gana en ingenio, en nuevas conclusiones, obteniendo destellos trascendentes en sus horas de cansancio plástico, agotamiento feliz, gozo ante el resplandor percibido del principio que sostiene la realidad.

Opta el escultor en liberar de materia su obra, organizando piezas alámbricas sometidas a ritmos repetidos, incorporando el ambiente vacío en la pieza. Es en ese vacío donde este creador plástico infiere una presencia en su esencia, aligerando sus composiciones, hasta la finura de la línea del alambre, logrando construir evanescencia visuales, suspiros aéreos condensados en sus piezas. Descubrió la magia impregnada en el ambiente, las apariciones fortuitas, felices o desagradables, ambas enriquecedoras de las emociones que la existencia propone.

Esa fue su gran creación, convertir el vacío en obra de arte, mediante las sugerencias visuales expresadas en sus esculturas. Genial Alejandro.

LA NAVE DE LOS LOCOS EN VETA GALERÍA

LA NAVE DE LOS LOCOS

Autor: Javier Ruiz. Título: La nave de los locos. Lugar: Veta Galería.  Fecha: Hasta el 16 de mayo de 2026.

Javier Ruiz Pérez (La Carolina, 1989) muestra una obra de gran peso plástico, extraída de la tradición clásica de la Pintura, expresando el pintor que su propuesta es una reflexión contemporánea sobre la imagen, mas creo que su pintura se desarrolla hacia profundidades de significados recurrentes en las creaciones artísticas, relacionadas con el tiempo, lozanía pasajera, o el mundo de los marginados, velado por una sociedad que quiere presentar una imagen perfecta.

Plasma estas ideas mediante óleos de intensidad cromática, imagen patente en un ambiente cálido, espeso, llevando la impresión a entornos ajados, cuasi asfixiantes, en los que personas, ajenas a los modelos de belleza establecidos, desarrollan sus vidas alegres, libres de normas y ataduras sociales, cuya existencia parece olvidada en el gran escaparate del mundo.

En sus cuadros las escenas nos muestran un tiempo detenido, a pesar del reloj impreso en los adornos florales, unas veces integrados en los motivos de las piezas, en otras como composición única de la obra. En sus jarrones aparecen flores ajadas, marchitas, secas, o en su estado pleno de belleza, si no la dureza cortante del cactus. Es una representación del tiempo vital, que en su trayecto muestra el esplendor triunfante y la decadencia que le acompaña. Pero la fuerza de ser se superpone a la apariencia, quiere vencer la contingencia, los cánones establecidos de perfección física, triunfando el deseo de existir, vivir, ser feliz en libertad.

La obra expuesta por Javier Ruiz posee gran poso de significados, logrados por su inteligencia compositiva, habilidad en el uso de tonos, originalidad en la reelaboración de la pintura figurativa. Su trabajo plástico posee gran interés estético, ingenio y calidad en su conclusión.

DÍAS SIN PÁJAROS, DE PERFECTO HERRERA

 

DÍAS SIN PÁJAROS

Autor: Perfecto Herrera. Título: Días sin pájaros, editorial Olé libros.

A veces se encuentra uno con piezas líricas construidas con exacta estructura sintáctica, donde la palabra está perfectamente encajada en su preciso lugar, aportando el sonido oportuno, acompasado, sosteniendo el sentido rítmico incorporado por el autor. Es un ritmo acoplado al significado que la estrofa infiere, creando el escenario adecuado, en el que el lector se sumerge en el cosmos sensitivo que impregna el poema.

Perfecto Herrera Ramos, Berja, 1956, es un poeta implicado en numerosos eventos culturales de la ciudad de Almería. En su trayectoria poética ha obtenido distintos galardones y reconocimientos, apareciendo en varias antologías. Ha publicado los poemarios, “ Cuando pase el tiempo”, editorial Albores, “Luz vibrante en mar que riela” de editorial Lampedusa, “Poemas Turineses, editado por el Instituto de Estudios Almerienses, “ El sauz de los desvelos”, ediciones Vitrubio, “Los esteros de las mareas”, de la editorial Olé Libros, y “Días sin pájaros”, de la misma editorial, obra sobre la cual se realiza esta reseña.

“Días sin pájaros” es un libro que comienza con una honda tristeza melancólica, donde el yo poético que dirige la voz de las composiciones líricas, yace perdido en la oscuridad, en el vacío del no ser, rememorando luces del pasado, sinsabores personales, el peso del tiempo, la imagen del mar, su fuerza e inmensidad, que aparece como símbolo de la eternidad, del tiempo cambiante pero siempre presente, que no agota su existencia. Siente angustia el poeta en la estancia tenebrosa alejada de la luz, busca la claridad, mirar horizontes donde asir la mirada, nuevas metas donde anclar el futuro. Mientras, transcurren sus versos por la tortuosa estancia, sometida a las frías horas de la noche profunda, noche del alma, avanzando su voz lírica a tientas, recordando la mañana florida, el azul intenso del mar, el frescor de la brisa vivificante, la presencia de la amada, mas al final percibe el punto luminoso liberador, tomando fuerza y esperanza, hasta retornar a la vivificante amanecida, cogido de la mano de su compañera, salvada el alma del ocaso, caminando hacia el esplendor del mediodía.

Es su pulso poético una composición de gran pureza en su significado, perfilada por una nítida voz alejada de artificios lingüísticos inútiles, centrado en la precisión del verbo profundo, que vibra en la estructura del poema. Consigue así transmitir todas las sensaciones aquí descritas.

HOY ES SIEMPRE 2026, EXPOSICIÓN COLECTIVA EN LA GALERÍA ORFILA

 

HOY ES SIEMPRE 2026

Exposición colectiva “Hoy es siempre 2026”, en la galería Orfila (c/ Orfila, 3. 28010 Madrid), hasta el 11 de abril de 2026.

Propone esta galería un conjunto de obras unidas por una rica creatividad plástica, constituido por un grupo de artistas ligados por su formación en la misma promoción, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, correspondiente al año 1968.

María Isabel Espí ha reunido a dieciséis miembros de esta promoción, los cuales muestran el buen oficio reflejado en su obra, la diversidad de caminos tomados por cada uno, la amplitud de técnicas, temática y estilos que el trabajo plástico ofrece.

Participan, Marta Cárdenas, Rosa Castellot, Puri del Palacio, Luis del Real Almeida, Mª Isabel Espí,Juan José Gómez Molina, José María González Caballero, Fernando González Llorente, “Arcelló”. Eugenio López Berrón, Marina Llorente Coco, Antonia Payero, Juan Pita, Félix J. Reyes Arencibia, Ángel Salamanca Ortega, Margarita Vázquez de Parga.

En este numeroso grupo de artistas se observa distintas concepciones de abordar la imagen.

Coinciden, con la comprensión de la Pintura desde una visión sensitiva, de poderosa carga cromática que distribuyen armónicamente en la pieza, para obtener imágenes sublimadas en delicada visualización, Fernando González, “Arcelló”, Rosa Castellot, Margarita Vázquez de Parga, Puri del Palacio, Marina Llorente, Eugenio López. La obra de este último me ha gustado sobremanera, por su originalidad sin romper con los cánones de la pintura figurativa.

Ángel Salamanca Ortega y Antonia Payero ofrecen una visión plástica de gran dinamismo, inmersa en la nueva figuración pop, llevadas a registros personales.

Optan Juan Pita, Marta Cárdenas, Juan José Gómez Molina y Rufino López por la abstracción, oscilando entre la geometrización cromática y la expansión del color, en combinaciones de accidentes topográficos tonales, que rompen la serena contemplación para inducir sensaciones o abrir su imaginación, si no, perderse en la visualización tranquila y apacible de Rufino López. José María González Caballero juega con la ambivalencia entre la primera impresión abstracta y el juego de la realidad, dinamismo inferido en la imagen, sobre un fondo de color marino.

Luis del Real y María Isabel Espí trabajan el paisajismo típico de mitad del siglo XX, expandiendo sus posibilidades para ofrecerlo como perspectiva actual. Su obra es sincera, rotunda, limpia, inmersa en el espíritu auténtico de nuestra tierra y tradición. Seduce la mirada.

Félix J. Reyes incorpora su escultura cargada de gran espiritualidad, simple en forma y desbordante en significado, soberbia puesta en escena.

Sugerente instalación, desbordante de oficio y buen gusto pictórico.

Ángel Salamanca

Antonia Payero

Arcello

Eugenio López

Félix Reyes

J.M. González Caballero

J.J. Gómez Molina

Juan Pita

Marta Cárdenas

Luis del Real

Mª. Isabel Espí

Margarita Vázquez

Marina Lorente

Puri del Palacio

Rosa Castellot

Rufino López

EXPOSICIÓN DE LUZ LÓPEZ EN ESPACIO OMNIA

 

SE ABRE EL TELÓN

Autora: Luz López. Título: Se abre el telón. Lugar: Espacio Omnia, Granada. Fecha: Hasta el 11 de abril de 2026.

Propone esta exposición una obra interesante, tanto por la idea que la sustenta como por su plasmación en la pieza. Reflexiona la pintora sobre el papel que cada uno cree representar, en el organigrama de relaciones sociales, explicando que el espacio donde estas se desarrollan se confunde con el escenario de una gran teatro. En él cada uno finge lo que cree ser, según su aspiración o aquello que el prójimo tiene asumido, no mostrando los individuos su autentica naturaleza personal. Es por lo que las relaciones sociales muestran una realidad ficticia, superpuesta a las flaquezas, miserias, represiones o miedos, que cada uno quiere esconder en su yo íntimo. Este argumento lo desarrolla Luz López dentro del entramado de una representación dramática, consiguiendo que su trabajo plástico adquiera un signo especial en su visualización, el cual es atractivo a la mirada, invitando a la reflexión personal de quien lo observa. Sus personajes se esconden tras una máscara, instalados en espacios simbólicos de abundantes guiños lorquianos, distinguiendo en ellos arquetipos albergados en la obra del gran poeta de Fuente Vaqueros, para proyectarlos bajo las candilejas de la sociedad actual. Con estos principios estéticos, Luz López ahonda en el alma humana en sus cuadros, resolviendo esta aventura plástica con hábil soltura narrativa, donde sus figuras estilizadas quieren transfigurarse en la nada, ligereza visual, que convierte la imagen reflejada en flujo danzante al son de un ritmo delicado, suspiro susurrante, sereno, dulcemente melodioso. Esa es la impresión que conecta con el espectador, ayudando a percibir la esencia primera que da cuerpo, y sentido, a las obras expuestas.

EXPOSICIÓN DE ROSA AGUILAR EN V.E.S. ARTE, GRANADA

TODO ESTÁ EN LA NATURALEZA

Autora: Rosa Aguilar. Título: Al envés. Lugar: Galería V.E.S. Arte, C/Párraga 8, Granada. Hasta final de abril.

Rosa Aguilar (Granada, 1996) es una pintora profundamente técnica, incansable en la indagación del uso de materiales, y soportes, que puedan trasladar el sentido último de la imagen, el significado que porta, la descripción de la realidad oculta, y hallazgos de estéticas reales, surgidas de la Naturaleza, alejada de artificios elucubrados.

La pintora propone una obra original, en la que ofrece un trabajo de mirada abstracta de imagen sublimada, obtenido de su observación del medio entorno vegetal, casi científico, elevado a pieza pictórica. Demuestra que la abstracción verdadera es aquella encerrada en los nichos de la realidad, siendo más bien una imagen desvelada del mundo invisible a la mirada cotidiana. La artista la eleva a representación plástica, llamando la atención por la estructuración de la imagen, que infiere en la atención del espectador y traslada a evocaciones, fantasías o sorpresas, sobre la realidad oculta.

Rosa Aguilar elabora creaciones plásticas de gran complejidad en su conclusión, incluso en la percepción entendida por el observador, pues aparece la imagen disuelta en halos de claridades que quieren velarla, como dando a entender el origen de su procedencia, la invisibilidad de su existencia, el fulgor que recorre el universo ajeno a la comprensión del paseante.

Sus composiciones son también un relato sobre la inconsistencia de la permanencia, el paso destructor del tiempo, el cambio permanente que todo somete, en la danza de la vida triunfante.

Interesante obra, de estética singular e inteligente planteamiento, la mostrada por Rosa Aguilar.