EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA ISOLINA ARBULU

 

Y ASÍ ES COMO PINTO MIS SUEÑOS

Autores: Quique Sarzamora, Claudia Torán, Jon Amorrortu. Título: Y así es como pinto mis sueños. Lugar: Galería Isolina Arbulu, ( Urb. Cortijo de Nagüeles, 88D, Marbella, Málaga) Fecha: Hasta el 6 de agosto de 2026.

Esta propuesta artística ofrece una visión dinámica, y reflexiva, sobre la expresión plástica y su cualidad de generar percepciones, que con otro lenguaje es imposible lograrlo. Está basada en el estudio de la representación psicológica de la imagen, el influjo del pulso del color, la seducción incorporada en el cromatismo y formas aleatorias, mostrando el ingenio de los pintores que participan en ella.

Claudia Torán (Valencia, 1991) describe un mundo onírico plácido, abierto a ensoñaciones agradables, expresado en campos de color sujetos a los límites de las figuras, que se expanden hasta disolverse en el fluido cromático que desemboca en los espacios irreales. Ordena muy bien sus motivos, creando una atmósfera ingrávida, caprichosa y sumida en un mundo íntimo, en el que se proyecta posibilidades imaginadas. Sabe manejar el lenguaje del color, lo acota en una modulación precisa, para comunicar el estado etéreo en el cual todo es posible. Es ingeniosa en la puesta en escena de los motivos protagonistas en sus piezas, que combinada con la destreza en la comunicación visual, le permite conseguir elaborar piezas de excelente factura compositiva, con una pizca de elegancia, lo justo para concluir un trabajo plástico conciso.

En la obra de Jon Amorrortu (Bilbao, 1990) se percibe el paso fugaz del sueño en la rememoración acotada en la pieza, impresión de color fuerte, en su recorte elegido, vuelo en los espacios imposibles, presencia intensa del motivo que en ese momento le atrae. Es la figura plasmada en su composición un pulso rotundo congelado en el instante de su presencia, expresión que no agota su contemplación, pese a la fugacidad del instante extraído de su flujo ocasional. Es hábil el pintor en describir, con la mínima imagen, el sentido del tema central que preside la exposición, muestra capacidad técnica expresiva, conocimiento del vocabulario visual oportuno, que penetra en la comprensión de quien observa sus piezas.

El color se convierte en objeto único en la obra de Quique Sarzamora (Sevilla, 1992), siendo sus campos tonales intensos quienes definen la insondabilidad del universo onírico, espacio variable en el cual las formas se suceden, varían, confunden y difuminan, estando siempre presente la sensación dominante en el sueño, expresada como color intenso. Atrae su contemplación, promete vanas aventuras de encuentros en sus profundidades, ilusión que no consigue sus objetivos, quedando perdida la mirada en su seno. Genera magia en su contemplación, siendo el nexo que dota de lógica visual a todo el conjunto expuesto.

Interesante exposición, en la que se observa una excelente técnica, y un modo elegante, en el desarrollo de la idea que la sustenta.

Quique Sarzamora

Jon Amorrortu

Claudia Torán

Claudia Torán

OBRA DE MARÍA MORENO EN EL MUREC, ALMERÍA

 

MARÍA MORENO. HACIA LA ESENCIA DE LA LUZ

Autora: María Moreno. Título: María Moreno. Hacia la esencia de la luz. Lugar: Museo del Realismo Español Contemporáneo ( Paseo de San Luis s/n. Almería ) Fecha: Hasta el 4 de octubre de 2026.

Toma fuerza la figura de la pintora en el tiempo, mostrando la solidez de su obra, el sello especial que le da carácter singular en el mundo del arte. María Moreno (Madrid, 1933-2020) fue una artista eclipsada por la personalidad plástica de su marido, Antonio López, situada su producción pictórica bajo su sombra, pero el tiempo la va consolidando en su auténtica valía.

En su obra se observa una mirada racional del entorno real, ajeno al que transcurre en su aleatoriedad imprevista, marcado por la luz, impronta que preside toda su intención plástica, reflejando en sus composiciones la etereidad luminosa sobre una figuración racional, que no quiere ser fiel, sino la elaboración del recuerdo plasmado en el lienzo.

Pinta escenas urbanas, huérfanas de figuras humanas, sólo los edificios, imponentes, representados con un dibujo lineal, geometría impresa con la que se quiere expresar la realidad rememorada, escueta, sencilla, precisa, en contraposición con plantas o árboles de jardín, los cuales exhiben su exuberancia vital, la libertad no encorsetada por el raciocinio, ímpetu de la existencia. La pintora cubre todo con un fluido luminoso, unas veces suave y sedoso, en otras brillante y cegador, siempre presente como símbolo de vida y plenitud de la existencia.

Es en esas claridades donde la pintora incluye el ánima del ambiente sentido, la alegría de las horas batidas por el sol, sometidas al relajo de la rutina que su presencia impone, cuando el tiempo avanza espeso en su fluir adormecedor, placidez retenida en la mirada.

Cuando se interna en los interiores, es la luz quien define la escena, plasmada con suavidad, regocijándose en sus reflejos y brillos, en contraste con la umbría de los pasillos, ecos de la intimidad serena cotidiana de las horas iguales de los hogares, paz protectora expresada en sus piezas.

La gran protagonista de su obra es la flor en su esplendor, que en su síntesis con la luz explota desbordante en un triunfo cromático, siendo al final el resumen estético de su trabajo plástico.

María Moreno poseyó un ingenio creativo en el que conjugó la simplicidad de las figuras, los ritmos tonales de las claridades y la habilidad para relatar visualmente sus reflejos, consiguiendo describir la sustancia que sostiene el halo luminoso.

Esta artista compuso una obra de gran calidad estética, lo cual la sitúa entre las grandes pintoras del siglo XX.

EWA JUSZKIEWICZ EXPONE EN EL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNMISZA

EWA JUSZKIEWICZ

Autora: Ewa Juszkiewicz. Lugar: Museo Nacional Thyssen-Bornmisza (Paseo del Prado, 8. Madrid). Fecha: Hasta el 6 de septiembre de 2026.

(Crítica publicada en la Revista de Arte ARTICTI.ART)

Ofrece Ewa Juszkiewicz (1984, Gdansk, Polonia) una obra singular, en la que sumergiéndose en la tradición pictórica retoma con fuerza la imagen inteligente, mostrando un discurso actual y crítico, aparte del sello personal en el que plasma una estética que gusta y es apreciada en el mercado internacional.

Reproduce hábilmente el estilo plástico del XVIII, siendo su mérito expositivo el relato incorporado en sus piezas. En ellas la mujer es la protagonista, su esencia y figura, representada sin rostro, busto anónimo que en su invisibilidad expresa su presencia. En la obra de Ewa Juszkiewicz la faz femenina aparece cubierta, resaltando la función que se le había asignado como un elemento decorativo mas, constituyendo sus composiciones un gesto de protesta y revelación, que reclama el papel de la presencia femenina con toda su fuerza, ahí esta el anonimato de sus protagonistas, pues en cada una de ellas se resumen sus cualidades. La invisibilidad que portan sus figuras induce curiosidad, proponiendo enigmas que el observador debe resolver.

El paisaje, los elementos decorativos, objetos y tocados que ocultan su faz, constituyen signos que informan de los rasgos de su personalidad, construyendo una historia que se desarrolla en el cuadro. Este es el sustrato que le confiere calidad artística, la capacidad de conexión de la obra con la mirada de quien la contempla, desvelando cada vez un nuevo misterio, sugiriendo nuevas experiencias. Sus cuadros poseen personalidad propia, siendo la enigmática imagen femenina quien teje los hilos que atrapan al observador.

Es elegante, original e inteligente, la propuesta plástica de Ewa Juszkiewicz. 

EXPOSICIÓN DE GARIKOITZ CUEVAS EN SALA PARÉS

 

MADRE DEL AGUA

Autor: Garikoitz Cuevas Abeledo. Título: Madre del agua. Lugar: Sala Parés (Carrer de Petritxol,5, Ciutat Vella, Barcelona) Fecha: Hasta el 12 de septiembre de 2026. (Crítica publicada en la Revista de Arte ARTEPUNTO)

Fuerza intensa es el efecto que desprenden las piezas de Garikoitz Cuevas (Sanlúcar de Barrameda, 1968) cuando son contempladas, energía que irradian hacia su espacio próximo, contagiando el ánimo del espectador. En éstas el color muestra su poder tonal, contrastado con las zonas claras, lo cual crea una topografía accidentada, consiguiendo recrear la impresión primera surgida tras la contemplación de un paisaje, visión descompuesta en su esencia, sólo la luz en sus reflejos informes, expresión rotunda de la realidad percibida. No es la forma lo que preocupa al pintor, sino los destellos que fluyen en sus espacios, escapados de la lógica de la imagen comprendida.

Garikoitz Cuevas quiere representar ese momento primero, el del encuentro con el impulso inicial que llega a la retina.

Experimenta el artista con acrílicos y capas superpuestas añadidas, en la que combina cal, polímeros, fibras o pigmentos, e incluso actúa físicamente sobre la pieza, para dejar impresa la energía que desea reflejar en su obra.

Es un proceso de conclusión intencionada, que no se alía con el azar, sino surgido de la experiencia de aciertos y errores en su experimentación creativa.

El pintor mide los trazos, el efecto del elemento adherido, para conseguir plasmar el instante luminoso, que desprende la escena en el momento previo a la comprensión de la mirada.

En sus piezas se reproduce un ritmo tonal, componiendo una estructura lírica cromática, no basada en el suave flujo sensitivo, sino en la inflexión brusca de colores, vacíos como silencios, y elevaciones cuan estrofas disonantes.

Garikoitz Cuevas consigue aunar la experiencia de la ondulación de la luz, con la propia mirada poética que el ambiente suscita, haciendo partícipe a quien contempla sus obras de este instante sentido.

SOBRE LOS PREMIOS ALONSO CANO 2026 A LA CREACIÓN ARTÍSTICA

 

PREMIOS ALONSO CANO 2026

(Crítica publicada en EL INDEPENDIENTE DE GRANADA)

En el Palacio del Almirante ( Placeta del Almirante, Albaicín, Granada) se exhiben, hasta el 17 de julio, los trabajos ganadores, junto a los seleccionados, de los Premios Alonso Cano 2026 a la creación artística, para los estudiantes de Grado, Posgrado y Egresados.

Son varias las modalidades que se reconocen en estos premios, mostrando unos frescura compositiva, otros más de lo mismo, algunos se internan en la búsqueda creativa, o simplemente trabajos discordantes que quieren ser novedosos y se quedan en el tópico común, mas éstos son anecdóticos, destacando aquellos que prometen un futuro artístico y profesional, en gran número de ellos, observándose en conjunto una excelente formación académica.

Para ser un buen profesional en el ámbito de la creación artística y producción gráfica, en general, no basta sólo conocer las técnicas expresivas del trabajo plástico, sino hay que tener una pizca de genio creativo, inteligencia artística, y espontaneidad en el lenguaje plasmado en las producciones realizadas, capaz de conectar con la atención del espectador, suscitar su interés, marcar un terreno propio de personalidad, dotar de gracia creativa a las composiciones para que conecten con el gusto del espectador.

Es por lo que aparte de conocer técnicas plásticas, es necesario poseer las cualidades precisas, para diferenciar la producción artesana de aquella que brilla por su estética singular.

Un ejemplo que ilustra lo anterior lo expresa la obra de Clara Mauricio Perea, perteneciente a la modalidad de Diseño, en la que se refleja la oportunidad de la imagen contenida en su propuesta, los guiños introducidos en ella, que potencian el mensaje que se quiere transmitir, siendo éste claro, conciso, directo, estimulando el deseo de conocer, o adquirir, el objeto mostrado.

En conjunto, constituyen estos Premios un escaparate del buen hacer de la Facultad de Bellas Artes de Granada.

EXPOSICIÓN "CARLOS V E ISABEL DE PORTUGAL EN SU ESTANCIA IMPERIAL EN GRANADA, 500 ANIVERSARIO", EN LA GALERÍA GRANADA CAPITAL

 

ENTRE LA  ALHAMBRA Y EL IMPERIO

Autores varios. Título: Entre la Alhambra y el Imperio, Carlos V e Isabel de Portugal en su estancia Imperial en Granada, 500 Aniversario. Lugar: Galería de Arte Granada Capital, Gran Vía de Colón, 13, Granada, Fecha: Hasta finales de agosto. (Crítica publicada en EL INDEPENDIENTE DE GRANADA)

Un grupo de pintores aportan diferentes miradas en la celebración del V Centenario de la estancia de Carlos I e Isabel de Portugal, pareja imperial que quiso establecer su sede en Granada. En esta ciudad se produjo la absorción de Oriente en el espíritu del Renacimiento, dando forma propia a la versión de este movimiento cultural en los reinos hispánicos.

Los diecisiete artistas que participan muestran su interpretación de la presencia de la Monarquía hispánica en la ciudad nazarí, mediante imágenes de su estancia alhambreña, sus figuras, modas, armaduras, símbolo de una época que incorporaba la tradición medieval en la novedad clásica, proponiendo un modo singular de abordar la política y cultura como señas de identidad.

La figuración hiperrealista llevada hacia la mirada fantástica, es mostrada en la obra de Arquímedes Artal, fiel reflejo de lo expuesto arriba, donde se conjuga el pasado caballeresco y el impulso transformador de los nuevos tiempos. Es una obra de excepcional precisión plástica, en serena presencia, surgida la figura de la noche del pasado.

El recuerdo impreso en una imagen dinámica es conseguido por Ana Perpinyá, cuyas obras funden figuración con superposiciones geométricas vestidas de levedad cromática, lo cual induce yuxtaposición de momentos que describen una escena. En ésta se refleja poder, plenitud y encuentro amoroso.

Aracely Alarcón nos ofrece una poderosa composición en la que las brumas de colores danzan sobre el fondo de la pieza, plasmando el complejo palaciego de la Alhambra. Es un flujo visual que recrea la estancia feliz del César Carlos con su esposa.

La presencia de ambos, en cada una de sus piezas, es propuesta por Carmen Díez, como ilustración informal, que no por ello pierde su gravedad alejada de la seriedad, presentados con la fuerza de su mirada, ilusionada, abierta a un futuro que suponían esplendoroso. Conjuga la pintora la suavidad de los trazos con un cromatismo que da carácter a las figuras.

Las claridades de esta tierra es reflejada en la obra de Chico Montilla, en su representación esquemática de base geométrica, colorido suave, limpieza de la imagen, magia del ambiente simulada en sus piezas. Lo consigue gracias a la tonalidad alegre incorporada en su obra, la organización lógica del dibujo, alcanzando una ensoñación de los paisajes íntimos en donde los dos reyes desarrollaron su amor. Muy bien representado por Francisco Rodríguez Ruiz, en su composición, en la que aúna el motivo central de la propuesta con elementos que identifican las características de la estancia que los acoge. Es hábil en el uso del color, preciso en el dibujo, inteligente en la puesta en escena de los signos introducidos en su obra.

Cristóbal León participa con dos piezas de intenso impulso visual, ricas en detalles, original en su escenificación, al añadir el tema taurino en el Palacio de Carlos V. Es dinámico en su pintura, intenso en la emoción plasmada en ellas, actual y alta calidad en su configuración.

La impronta renacentista en el palacio nazarí es incorporada por Geoffrey Wynne, en todo su barroquismo, plasmada tras un leve halo luminoso, incorporando la mirada del pasado, cuando el polvo del tiempo sienta su presencia.

Es la obra de Igor Fomin una muestra del tiempo feliz de la pareja, plena de simbología, placidez de momentos soñados. En cambio María García Orea lo propone como huella que marca el paisaje, con un cromatismo intenso, apasionado. Svetlana Kalachnik traslada la fantasía amorosa del encuentro a la ciudad entera, su entorno y ambiente, siendo el palacio renacentista el centro de toda dicha expresada. Ulpiano Carrasco lo interpreta como esplendor de la Naturaleza, en la feracidad de la vegetación que brilla en su abrazo luminoso apasionado, intenso y poderoso. La terracota de Socram completa el escenario, con la placidez sugerida del estanque, destello de la atmósfera optimista reinante en esos días.

Manuel López Herrera nos comunica la inconsistencia de los instantes felices, mostrando al emperador Carlos sumido en la nostalgia, recordando a su amada. Es su relato pictórico un signo de inteligencia plástica, añadiendo los elementos precisos que inducen al desarrollo de historias. La melancolía se refleja en su obra.

El caleidoscopio simbólico de Lorenzo González completa toda esa época, en la que incluye el pasado de las ideas medievales aún enraizadas, el triunfo de la razón del presente y el azar del futuro, descrito en el orden geométrico de las imágenes incorporadas, y la numerología que las acompaña, jugando muy bien con las densidades cromáticas, cuan claroscuros de la realidad sometida al mañana.

Por último, sella el conjunto la majestuosa imagen del emperador, con Granada de fondo, sumida en el velo dichoso de su presencia, pieza de Valentín Kovatchev, de gran calidad y elegancia plástica.

Esta exposición posee una acertada combinación de obras y autores, que relatan la visita del matrimonio imperial. Interesante para los amantes de la pintura.