miércoles, 8 de abril de 2026

LA NAVE DE LOS LOCOS EN VETA GALERÍA



LA NAVE DE LOS LOCOS


Autor: Javier Ruiz. Título: La nave de los locos. Lugar: Veta Galería.  Fecha: Hasta el 16 de mayo de 2026.

Javier Ruiz Pérez (La Carolina, 1989) muestra una obra de gran peso plástico, extraída de la tradición clásica de la Pintura, expresando el pintor que su propuesta es una reflexión contemporánea sobre la imagen, mas creo que su pintura se desarrolla hacia profundidades de significados recurrentes en las creaciones artísticas, relacionadas con el tiempo, lozanía pasajera, o el mundo de los marginados, velado por una sociedad que quiere presentar una imagen perfecta.
Plasma estas ideas mediante óleos de intensidad cromática, imagen patente en un ambiente cálido, espeso, llevando la impresión a entornos ajados, cuasi asfixiantes, en los que personas, ajenas a los modelos de belleza establecidos, desarrollan sus vidas alegres, libres de normas y ataduras sociales, cuya existencia parece olvidada en el gran escaparate del mundo.
En sus cuadros las escenas nos muestran un tiempo detenido, a pesar del reloj impreso en los adornos florales, unas veces integrados en los motivos de las piezas, en otras como composición única de la obra. En sus jarrones aparecen flores ajadas, marchitas, secas, o en su estado pleno de belleza, si no la dureza cortante del cactus. Es una representación del tiempo vital, que en su trayecto muestra el esplendor triunfante y la decadencia que le acompaña. Pero la fuerza de ser se superpone a la apariencia, quiere vencer la contingencia, los cánones establecidos de perfección física, triunfando el deseo de existir, vivir, ser feliz en libertad.
La obra expuesta por Javier Ruiz posee gran poso de significados, logrados por su inteligencia compositiva, habilidad en el uso de tonos, originalidad en la reelaboración de la pintura figurativa. Su trabajo plástico posee gran interés estético, ingenio y calidad en su conclusión.




















lunes, 6 de abril de 2026

DÍAS SIN PÁJAROS, DE PERFECTO HERRERA

 
DÍAS SIN PÁJAROS




Autor: Perfecto Herrera. Título: Días sin pájaros, editorial Olé libros.

A veces se encuentra uno con piezas líricas construidas con exacta estructura sintáctica, donde la palabra está perfectamente encajada en su preciso lugar, aportando el sonido oportuno, acompasado, sosteniendo el sentido rítmico incorporado por el autor. Es un ritmo acoplado al significado que la estrofa infiere, creando el escenario adecuado, en el que el lector se sumerge en el cosmos sensitivo que impregna el poema.
Perfecto Herrera Ramos, Berja, 1956, es un poeta implicado en numerosos eventos culturales de la ciudad de Almería. En su trayectoria poética ha obtenido distintos galardones y reconocimientos, apareciendo en varias antologías. Ha publicado los poemarios, “ Cuando pase el tiempo”, editorial Albores, “Luz vibrante en mar que riela” de editorial Lampedusa, “Poemas Turineses, editado por el Instituto de Estudios Almerienses, “ El sauz de los desvelos”, ediciones Vitrubio, “Los esteros de las mareas”, de la editorial Olé Libros, y “Días sin pájaros”, de la misma editorial, obra sobre la cual se realiza esta reseña.
“Días sin pájaros” es un libro que comienza con una honda tristeza melancólica, donde el yo poético que dirige la voz de las composiciones líricas, yace perdido en la oscuridad, en el vacío del no ser, rememorando luces del pasado, sinsabores personales, el peso del tiempo, la imagen del mar, su fuerza e inmensidad, que aparece como símbolo de la eternidad, del tiempo cambiante pero siempre presente, que no agota su existencia. Siente angustia el poeta en la estancia tenebrosa alejada de la luz, busca la claridad, mirar horizontes donde asir la mirada, nuevas metas donde anclar el futuro. Mientras, transcurren sus versos por la tortuosa estancia, sometida a las frías horas de la noche profunda, noche del alma, avanzando su voz lírica a tientas, recordando la mañana florida, el azul intenso del mar, el frescor de la brisa vivificante, la presencia de la amada, mas al final percibe el punto luminoso liberador, tomando fuerza y esperanza, hasta retornar a la vivificante amanecida, cogido de la mano de su compañera, salvada el alma del ocaso, caminando hacia el esplendor del mediodía.
Es su pulso poético una composición de gran pureza en su significado, perfilada por una nítida voz alejada de artificios lingüísticos inútiles, centrado en la precisión del verbo profundo, que vibra en la estructura del poema. Consigue así transmitir todas las sensaciones aquí descritas.


HOY ES SIEMPRE 2026, EXPOSICIÓN COLECTIVA EN LA GALERÍA ORFILA

 

HOY ES SIEMPRE 2026



Exposición colectiva “Hoy es siempre 2026”, en la galería Orfila (c/ Orfila, 3. 28010 Madrid), hasta el 11 de abril de 2026.

Propone esta galería un conjunto de obras unidas por una rica creatividad plástica, constituido por un grupo de artistas ligados por su formación en la misma promoción, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, correspondiente al año 1968.
María Isabel Espí ha reunido a dieciséis miembros de esta promoción, los cuales muestran el buen oficio reflejado en su obra, la diversidad de caminos tomados por cada uno, la amplitud de técnicas, temática y estilos que el trabajo plástico ofrece.
Participan, Marta Cárdenas, Rosa Castellot, Puri del Palacio, Luis del Real Almeida, Mª Isabel Espí,Juan José Gómez Molina, José María González Caballero, Fernando González Llorente, “Arcelló”. Eugenio López Berrón, Marina Llorente Coco, Antonia Payero, Juan Pita, Félix J. Reyes Arencibia, Ángel Salamanca Ortega, Margarita Vázquez de Parga.
En este numeroso grupo de artistas se observa distintas concepciones de abordar la imagen.
Coinciden, con la comprensión de la Pintura desde una visión sensitiva, de poderosa carga cromática que distribuyen armónicamente en la pieza, para obtener imágenes sublimadas en delicada visualización, Fernando González, “Arcelló”, Rosa Castellot, Margarita Vázquez de Parga, Puri del Palacio, Marina Llorente, Eugenio López. La obra de este último me ha gustado sobremanera, por su originalidad sin romper con los cánones de la pintura figurativa.
Ángel Salamanca Ortega y Antonia Payero ofrecen una visión plástica de gran dinamismo, inmersa en la nueva figuración pop, llevadas a registros personales.
Optan Juan Pita, Marta Cárdenas, Juan José Gómez Molina y Rufino López por la abstracción, oscilando entre la geometrización cromática y la expansión del color, en combinaciones de accidentes topográficos tonales, que rompen la serena contemplación para inducir sensaciones o abrir su imaginación, si no, perderse en la visualización tranquila y apacible de Rufino López. José María González Caballero juega con la ambivalencia entre la primera impresión abstracta y el juego de la realidad, dinamismo inferido en la imagen, sobre un fondo de color marino.
Luis del Real y María Isabel Espí trabajan el paisajismo típico de mitad del siglo XX, expandiendo sus posibilidades para ofrecerlo como perspectiva actual. Su obra es sincera, rotunda, limpia, inmersa en el espíritu auténtico de nuestra tierra y tradición. Seduce la mirada.
Félix J. Reyes incorpora su escultura cargada de gran espiritualidad, simple en forma y desbordante en significado, soberbia puesta en escena.
Sugerente instalación, desbordante de oficio y buen gusto pictórico.


Ángel Salamanca

Antonia Payero

Arcello

Eugenio López


Félix Reyes

J.M. González Caballero


J.J. Gómez Molina


Juan Pita

Marta Cárdenas

Luis del Real

Mª. Isabel Espí

Margarita Vázquez

Marina Lorente

Puri del Palacio

Rosa Castellot

Rufino López




jueves, 2 de abril de 2026

EXPOSICIÓN DE LUZ LÓPEZ EN ESPACIO OMNIA

 

SE ABRE EL TELÓN


Autora: Luz López. Título: Se abre el telón. Lugar: Espacio Omnia, Granada. Fecha: Hasta el 11 de abril de 2026.

Propone esta exposición una obra interesante, tanto por la idea que la sustenta como por su plasmación en la pieza. Reflexiona la pintora sobre el papel que cada uno cree representar, en el organigrama de relaciones sociales, explicando que el espacio donde estas se desarrollan se confunde con el escenario de una gran teatro. En él cada uno finge lo que cree ser, según su aspiración o aquello que el prójimo tiene asumido, no mostrando los individuos su autentica naturaleza personal. Es por lo que las relaciones sociales muestran una realidad ficticia, superpuesta a las flaquezas, miserias, represiones o miedos, que cada uno quiere esconder en su yo íntimo. Este argumento lo desarrolla Luz López dentro del entramado de una representación dramática, consiguiendo que su trabajo plástico adquiera un signo especial en su visualización, el cual es atractivo a la mirada, invitando a la reflexión personal de quien lo observa. Sus personajes se esconden tras una máscara, instalados en espacios simbólicos de abundantes guiños lorquianos, distinguiendo en ellos arquetipos albergados en la obra del gran poeta de Fuente Vaqueros, para proyectarlos bajo las candilejas de la sociedad actual. Con estos principios estéticos, Luz López ahonda en el alma humana en sus cuadros, resolviendo esta aventura plástica con hábil soltura narrativa, donde sus figuras estilizadas quieren transfigurarse en la nada, ligereza visual, que convierte la imagen reflejada en flujo danzante al son de un ritmo delicado, suspiro susurrante, sereno, dulcemente melodioso. Esa es la impresión que conecta con el espectador, ayudando a percibir la esencia primera que da cuerpo, y sentido, a las obras expuestas.












EXPOSICIÓN DE ROSA AGUILAR EN V.E.S. ARTE, GRANADA



TODO ESTÁ EN LA NATURALEZA


Autora: Rosa Aguilar. Título: Al envés. Lugar: Galería V.E.S. Arte, C/Párraga 8, Granada. Hasta final de abril.

Rosa Aguilar (Granada, 1996) es una pintora profundamente técnica, incansable en la indagación del uso de materiales, y soportes, que puedan trasladar el sentido último de la imagen, el significado que porta, la descripción de la realidad oculta, y hallazgos de estéticas reales, surgidas de la Naturaleza, alejada de artificios elucubrados.
La pintora propone una obra original, en la que ofrece un trabajo de mirada abstracta de imagen sublimada, obtenido de su observación del medio entorno vegetal, casi científico, elevado a pieza pictórica. Demuestra que la abstracción verdadera es aquella encerrada en los nichos de la realidad, siendo más bien una imagen desvelada del mundo invisible a la mirada cotidiana. La artista la eleva a representación plástica, llamando la atención por la estructuración de la imagen, que infiere en la atención del espectador y traslada a evocaciones, fantasías o sorpresas, sobre la realidad oculta.
Rosa Aguilar elabora creaciones plásticas de gran complejidad en su conclusión, incluso en la percepción entendida por el observador, pues aparece la imagen disuelta en halos de claridades que quieren velarla, como dando a entender el origen de su procedencia, la invisibilidad de su existencia, el fulgor que recorre el universo ajeno a la comprensión del paseante.
Sus composiciones son también un relato sobre la inconsistencia de la permanencia, el paso destructor del tiempo, el cambio permanente que todo somete, en la danza de la vida triunfante.
Interesante obra, de estética singular e inteligente planteamiento, la mostrada por Rosa Aguilar.











martes, 31 de marzo de 2026

RESEÑA SOBRE LA EXPOSICIÓN FUENTES ANGARITA ENEL MUSEO LA NEOMUDÉJAR

 

COLECCIÓN FUENTES ANGARITA


Exposición “30 de años de irreverencia y visión en la Colección Fuentes Angarita” Museo La Neomudéjar C/ Antonio Lebrija s/n Madrid.

En la galería La Neomudéjar está abierta la exposición “30 años de irreverencia y visión”, hasta el 26 de abril de 2026, presentada por Arts Connection Foundation ACF, en la que se muestran obras procedentes de la Colección Fuentes Angarita, producto de una larga trayectoria de coleccionismo y mecenazgo artístico. Primero instalada en su país de origen, Venezuela, y más tarde, debido a la situación política restrictiva y de peligrosidad social, se trasladó a Estados Unidos, lugar desde el cual ha proseguido con su actividad de apoyo a nuevos artistas, adquiriendo sus obras.
Esta exposición constituye un interesante recorrido por la simbología, e iconos, que definen nuestra sociedad milenarista, donde la técnica, la superproducción, y los desechos que ello conlleva, la diferencia de clases, el estigma de la pobreza, preocupación por el medio ambiente, nuevas formas de entender el género humano, el miedo a la muerte, el vacío dejado tras el paso luminoso del confort consumista, las migajas recibidas por los más humildes en los basureros, nos hacen entender el escenario de cambio mundial, donde la técnica no satisface, la persona pierde su valor humano, las dictaduras de clanes sociales explotan al pueblo, y sobre todo, nos muestra la ceguera moral, desorientación, inconformismo y desequilibrio emocional existente en nuestra sociedad, por la ruptura con los arcanos tradicionales, causa que creo no comparta su autora, Andreina Fuentes Angarita.
Más allá de estas consideraciones la exposición se queda en eso, en un paseo por los signos que definen la antropología social de nuestro tiempo, donde la fealdad triunfa, se presenta artilugios y utensilios como si fueran obras de arte, y a nadie asombra ni escandaliza, ya se encargó de ello Tristán Tzara hace cien años.
Son muchas las reseñas que muestran esta exposición como un gran acontecimiento, puede que sea así, más por la denuncia social del presente, incluso concretado en el drama venezolano, y el discurso narrativo de nuestro tiempo, que aparece de forma descarnada ante nuestra mirada. Aparte de lo anterior, no hay más que comentar sobre esta exposición.

















EL INFORMALISMO ESPAÑOL EN LA COLECCIÓN MARIANO YERA

 


INFORMALISMO EN LA COLECCIÓN MARIANO YERA



Lugar: Galería Leandro Navarro (C. del Amor de Dios, 1, Centro, 28014 Madrid ). Fecha: Hasta el 30 de abril de 2026.


Se muestra en esta galería la pasión del empresario Mariano Yera por la Pintura, la cual dio origen a que, en su trayectoria de adquisiciones de obras de arte, consiguiera formar una de las mejores colecciones privadas de la vanguardia pictórica española. Tras su fallecimiento en 2024, su hija Natalia Yera continúa con la iniciativa de su padre. En esta propuesta se muestra la obra de siete artistas: Rafael Canogar, Luis Feito, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura, Antoni Tàpies, Manuel Viola, representantes del Informalismo en nuestro país.
Todos coinciden en la apertura de una vía plástica diferente, encaminada hacia la ruptura de la estética presente en su tiempo, dejándose llevar por la emoción, el inconsciente, la búsqueda continua de materiales, formas y modos de representación plástica. Fue una reacción salvaje, donde ahondando en las entrañas de la percepción artística, intentaron definir otros nuevos conceptos de entender la Pintura. De sus aciertos, y retrocesos, se obtuvieron nuevas ideas, que han servido a otros artistas para avanzar en nuevas formas de expresión visual.
Es ingenioso Antonio Tapies en su producción plástica, oportuno, diferente, vibrante y alejado de toda estética definida. Busca el latido final de la imagen. Manolo Miralles es más rotundo, menos sofisticado, jugando con la sorpresa visual, la ruptura de su lógica, el asalto contra la armonía en la Pintura.
Rafael Canogar representa la exploración incansable tras el signo último que sustenta la imagen, su esencia, la fuerza que estructura la evocación producida en el trazo, el color y su combinación, el destello que subyace tras el caos de formas y colores.
Irreverente, rotundo y confuso, es el universo pintado por Antonio Saura, nervio impreso en el lienzo, en cuya indagación plástica descubre fantasmas ocultos, en el laberinto de líneas y cromatismo intenso, en un ambiente denso, de poderoso peso en la mirada.
Luis Feito es la impronta del símbolo, fuerza impresa en el lienzo, o papel, descomposición total de la imagen, contradicción a veces entre el fondo sereno y la marca de la paleta dejada con presión, pasión liberada en la acción plástica.
El signo de la elegancia lo introduce Manuel Viola, extenso en el dominio de tonalidades, representando un mundo oscuro que el impulso del pintor quiere romper con ráfagas de claridades ardientes, que difunde sus radiaciones cuando estalla con el fondo que impide su avance, difuminando los restos de coloridos en las esquirlas de sus radiaciones.
Rompe la imagen Manuel Rivera, alterando el concepto del cuadro, para configurar piezas trasladadas a la concepción escultórica. Son composiciones singulares, que juegan con la luz penetrante, queriendo modularla, organizarla en la estructura artística ingeniada. Es soberbio y diferente a todos.
Esta propuesta, nos muestra un grupo de creadores plásticos que incorporaron un modo distinto de entender la representación plástica, yendo más allá de ella, buscando la huella que da sentido, por la inquietud producida en el espectador, a una obra de arte.
Esta exposición es una de las más sugerentes, en estas fechas, presentes en Madrid.


Antonio Saura



Rafael Canogar

Feito

Millares

Millares


Rivera


Rivera


Antonio Saura


Antonio Saura


Tapies


Tapies


Viola