NATXO ARTETA EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

SIGA LA LÍNEA

Autor: Natxo Arteta. Título: Bidean (En el camino) Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 14 de marzo de 2026.

La obra de Natxo Arteta (Madrid, 1965) posee una conformación racional, que en su exceso rompe la estructura lógica inicial, liberándose las líneas en trayectorias de orientaciones azarosas, adoptando los ángulos formas caprichosas, conformando un espacio de direcciones caóticas, rebeladas al orden supuesto para triunfar en la esencia de su presencia. El artista sostiene este entramado sobre un fondo cromático elegante, fresco y sereno. Natxo Arteta, con el paso de los años, ha ido condensando sus dibujos, rompiendo la monotonía del color, distribuyendo accidentes tonales en las piezas, aunque sus cotas y profundidades no rompen, con su contraste e intensidad, la tranquila apreciación visual que transmiten. En estas últimas composiciones la presión es sentida en la mirada. El intento de conjuntar una lógica común dentro de la diversidad, parece que quiere sentar su fuerza.

Empresa imposible es expresada en otras piezas, triunfando tranquilas trayectorias, elementos geométricos asentados a su antojo, dentro de una organización presentida, triunfando el resplandor cromático de un fondo suave, que simula el escape hacia la libertad de la imaginación. Es en esta última etapa, en sus piezas y esculturas, cuando Natxo Arteta incorpora los elementos delineantes, queriendo, en el éxtasis de la construcción de sus composiciones, dejar de ser hacedores, y formar parte en el protagonismo de sus elaboraciones estéticas. El dibujo, y su técnica, quieren estar presentes ante el espectador, triunfar en la mirada, aliándose con el color para que le sirva de vehículo en el proceso de percepción sosegada.

El resultado de la obra de Natxo Arteta se expresa en una obra de sólida conformación, calidad cromática, equilibrio aparente, que tras atrapar la mirada la sume en el laberinto del caos, puerta de la fantasía. No se justifica la valía de la obra de este pintor por el efecto señalado, sino por su capacidad de generar composiciones que permite así sea. Ahí está el significado estético del trabajo plástico de este artista.

CRISTINA ALMODÓVAR EXPONE SU OBRA EN LA GALERÍA FERNÁNDEZ BRASO

 

LA FANTASÍA Y LA MIRADA

Cristina Almodóvar presenta la exposición “Hacer y deshacerse” en la galería Fernández Braso, Villanueva, 30 / Madrid . Hasta el 11 de abril de 2026.

La expresión plástica singular de Cristina Almodóvar (Madrid, 1970) induce levedad en la mirada. Es su obra una empresa estética atrevida, donde conjuga hierro, acero, cartón, madera, escombros y pintura. Sus piezas sugieren una atención diferente hacia materiales invisibles a nuestro transcurrir cotidiano, a los cuales la artista incorpora nervio propio, tensión simulada en su estructura, fantasías y evocaciones en la percepción difuminada, que en su contemplación genera una idea surgida de la fantasía, rompiendo el diálogo visual en su inconclusa conformación. La evanescencia del tiempo, el rumor de historias que subyacen en su entorno, están prendidas en ellas. Construye obras que simbolizan la metafísica de lo efímero.

El signo de las formas, sea cual sea el material que soporta la pieza, provoca en el espectador, cuando lo inunda el desconcierto, la apreciación de lo diferente.

Cristina Almodóvar estudia la posibilidad plástica de materiales sencillos, alcanzando en algunos auténticas elaboraciones de ingenio impreso, esculturas en las que se conjugan dolor y belleza ajada, cuando es presentida la lozanía del pasado, mostrando habilidad, capacidad artística en el diseño y conclusión de la pieza.

Hay otras composiciones que quieren ser sujetos de apreciación visual, punto de reflexión, y evasión, hacia figuras imaginadas o emociones apreciativas. Juega esta creadora plástica con la realidad aparente, que se sustenta en la simulación y truco expositivo.

Interesante propuesta estética mostrada por Cristina Almodóvar.

EXPONE MIGUEL CARINI EN EL CENTRO GRAN CAPITÁN

UNIVERSO CARINI

Autor. Miguel Carini. Título: Al tango y a la poesía: “Es tu paso quien regresa”. Lugar: Centro de Arte Gran Capitán. Fecha: Hasta el 31 de marzo de 2026.

Gira en el hueco la amarilla rueda

De caballos y leones, y oigo el eco

De esos tangos de Arolas y de Greco

Que yo he visto bailar en la vereda

Del poema El Tango. Jorge Luis Borges

Suena el bandoneón entre los parrales de los patios de vecinos. Lenta melodía, pegajosa, pesada, de aromas tristes, que retrotrae notas para después lanzarlas al vacío de la nada. Mas se rompe el ritmo con el tono disonante, para dejar caer la melodía en la hondura sensitiva del alma, reflotando con pasión.

Es el tango una música nacida del pueblo más humilde, aquel que habitaba los conventitos de Buenos Aires, rumiando nostalgias de las patrias de origen, asombrados ante la inmensidad y grandeza de su nuevo país argentino.

Miguel Carini es un poeta de la imagen, pues plasma el verso sentido en su obra plástica. Este artista siempre sorprende, pues supera el trabajo anterior para ofrecer nuevas propuestas de extenso peso estético. Simula el ritmo lírico provocado por el poema, en sus líneas sinuosas, en las imágenes evocadoras, en miradas cadenciosas, expectantes, recelosas, anhelantes… apoyado en una conjugación cromática impresa, con la que reproduce sensaciones agudas, encadenadas con aquellas graves, cuando el color es pasional, intenso, pasando a la evanescencia tonal abierta, clara, feliz, optimista. Incorpora Carini ráfagas de cromatismo elegante, impregnados de frescura visual, flotando sobre los campos del ensueño, cuando navega entre el oleaje apasionado del tango. Esa es la gracia compositiva de este genial artista, al mostrar un trabajo de poderoso efecto sensitivo.

Esta exposición se organiza en cuatro partes, dos descansadas en literatos de ambas orillas, que entrelazan sus palabras para dar cuerpo, y letra, al motivo que da vida a esta instalación. Le acompaña otras dos partes laterales, una escondida en el inicio de este movimiento musical, auténtica voz del pueblo inmigrante, desde los conventitos donde se alojaba. Lo expresa este creador plástico en unas acuarelas cuan suspiros gráficos, manchadas por el color de la impresión traducida en la mirada. Surge de las biografías marcadas en sus rostros, de pasados e ilusiones futuras. Son miradas directas, descaradas, descarnadas o emocionales.

En la otra, Miguel Carini incorpora la soledad del artista, el ansia expresiva desbordada, sujeta por el imperativo del confinamiento. Tiempos oscuros, temerosos, aislados, tenebrosos, donde el impulso creativo quería mostrar su impronta, de sueños y recuerdos, realidades y deseos.

Son las piezas pertenecientes a esta parte de la exposición, fulgurantes expresiones de un artista integral, anotaciones como si un diario fuera, creaciones auténticas soportadas en materiales comunes, usados, pobres, y sin embargo aupados a la grandeza de una obra de arte.

Poco más puedo decir de la muestra presente en este espacio expositivo, donde el visitante se encontrará inmerso en un auténtico jardín de efluvios cromáticos, belleza sugerida en la imagen, ruido presentido en la mirada, acompasado, lento, reconcentrado en sí mismo, tango sentido en la percepción de sus obras. Es un trabajo depurado y de alta maestría técnica, que induce ráfagas de magia al contemplar el conjunto estético propuesto. No defraudará a nadie.

DIANA LONDOÑO Y ELENA RUIZ EN LA GALERÍA SANTIAGO COLLADO

 

DIOSES Y TITANES

Elena Ruiz y Diana Londoño. Título: Línea, sombra y perspectiva. Lugar: Espacio de Arte Santiago Collado. Granada. Fecha: Hasta el 8 de marzo.

Dos pintoras aúnan su producción plástica para generar un diálogo estético en la Sala. Elena Ruiz y Diana Londoño muestran una obra de conclusión equilibrada, excelente calidad técnica, desde una mirada distinta, que coinciden en la importancia del ser humano y de la percepción artística.

Es Elena Ruiz una pintora de amplio dominio cromático, armonía en el diseño de sus composiciones, nervio actual en la mirada, pese al hondo sabor clásico de la obra mostrada. Domina el uso del color, la pose natural de sus personajes en la escena, conteniendo sus piezas gesto espontáneo detenido en el instante, perfección en las formas, y una sólida maestría en la plasmación realista de la imagen, expuesta con naturalidad, ingenio y destello actual. Explora los campos de la mitología, el lenguaje simbólico, configurando una obra asentada en una conclusión ajena a elementos innecesarios, sólo la imagen serena producto de la habilidad de la pintora, el cromatismo intenso sin excesos, ajustado a la idea central de la composición.

Al humanismo desbordante de la obra de Elena Ruiz opone, y conjunta, un trabajo plástico marcado por la racionalidad de la línea, Diana Londoño, artista de profundo impacto marcado en sus piezas. Propone un conjunto de dibujos de sobria calidad compositiva, donde rectas y ángulos construyen una realidad llevada a la crítica distópica, como también a la fantasía borgiana de laberintos y mundos imposibles. El racionalismo se enfrenta al humanismo desbordado; el frío futuro, donde las personas son invisibles, tensiona la mirada con el recuerdo de la tradición, posicionando al ser humano como centro de todo principio posible. La obra de Diana Londoño es directa, precisa, de alta intensidad conceptual, la cual alberga un universo singular, cuya primera impresión la define como expresión arquitectónica llevada a la escena artística, pero en su contemplación sumerge la mirada en entresijos imposibles, huecos inquietantes, travesías y escaleras, que inducen a la fantasía del contenido existente más allá de lo dibujado.

Ambas propuestas nos relatan la compleja realidad en la que se encuentra la sociedad actual, expuesta con inteligencia, calidad técnica y habilidad plástica.

Elena Ruiz

Diana Londoño

Diana Londoño

Elena Ruiz

Diana Londoño

Diana Londoño

Elena Ruiz

Elena Ruiz

Elena Ruiz

Diana Londoño

TERESA RAMÓN EXPONE EN LA NEOMUDÉJAR, MADRID.

 

EL GENIO LIBERADO

Artículo publicado en Artitic.art

Autora: Teresa Ramón Jarné. Título: La dulzura que habita en la bestia dormida. Lugar: Museo La Neomudéjar, Madrid. Fecha: Hasta el 28 de abril.

Expone Teresa Ramón (Lupiñén, Huesca, 1945) una obra de potente impronta visual y sensitiva. Aparte del tamaño de sus piezas, influye en la mirada la intensidad cromática incorporada en su obra, sustentada en la esencia del arte clásico vanguardista de siglo XX, proyectado hacia la estética urbana del mural, reflejando en ella el mundo interior, crítico y personal, que anida en la artista.

Es el yo de la pintora quien se instala en esta producción plástica, comunicando su presencia en el mundo de la Pintura, su figura de mujer, mas se interna Teresa Ramón en las profundidades de la conciencia, en la compleja estructura que la conforma, el arquetipo de Jano que en todos habita, mostrando las dos caras que toda persona contiene, la social, amable y dulce, más aquella terrible, en la que de los abismos del inconsciente surge la fuerza del ser, egoísta, impetuosa, el yo primordial que quiere situarse para ser reconocido en su valía total.

Es su producción plástica un rico entramado de sinuosas líneas, rota su monotonía con punzantes geometrías marcadas con ímpetu, gestos inquietantes, soportado en un conjunto de colores oscuros, pesados, densos, apasionados, misteriosos o gélidos, conformando el lóbrego laberinto interior que todo ser humano oculta, tras su máscara amable.

Utiliza la artista este relato, para aplicarlo sobre el papel que la sociedad tradicional había impuesto a la figura femenina, en su cara amable, delicada, tras la cual subyace otro semblante más combativo, que quiere hacerse un hueco en el mundo masculino.

Denuncia la pintora los obstáculos encontrados por las mujeres en el mundo de la plástica, cosa que ya afortunadamente va difuminándose.

La propuesta de Teresa Ramón posee intensidad narrativa, desarrollada sobre un lenguaje cromático directo, de fuerte impacto emocional, que transmite de forma efectiva la idea que quiere expresar. Lo hace con acierto, con economía de elementos innecesarios, conectando con la mirada sensitiva de quien contempla su obra.