CUATRO PINTORES EXPONEN EN GAUCÍN

 

FORMAS DE ENTENDER LA MIRADA

Autores: José Manuel González, Joaquín Peñatoro, Rafael Jiménez y Roberto Infantes. Título: Confluencias- Cuatro voces. Lugar: Galería Shapó Olé, Gaucín (Málaga) Fecha: hasta el 23 de marzo de 2026.

Coinciden cuatro pintores en la búsqueda del sentido que sustenta la expresión plástica. Desde técnicas y expresiones diferentes, los artistas muestran sus obras, coincidiendo en el encuentro con el destello común, albergado tras la percepción literal de la mirada. Cada una de las aproximaciones estéticas muestran una faceta de la realidad comprendida, en su amplio abanico que oscila entre la estructura geométrica y la abstracción, disueltas en un mar cromático compartido, cuya marejada da fuerza, de forma caprichosa, a la imagen sentida.

Participan en este proyecto José Manuel González, Joaquín Peñatoro, Rafael Jiménez y Roberto Infantes.

José Manuel González propone un conjunto de piezas, e instalaciones, en las que la geometría surge como intensa expresión lógica, rigidez del pensamiento en la compresión real, que se suaviza, vibra y toma cuerpo, cuando la luz fluye, abierta a todas su tonalidades, sea como pulso expansivo desde la pieza, o la impresión depositada en el conjunto de líneas y ángulos. Son sus piezas una conjunción de colores, materiales diversos y tecnología luminosa. Consigue el artista organizar composiciones con alma propia, transmisora del resplandor que subyuga la razón en el primer momento de su contemplación. José Manuel González es rico en creatividad e ingenio plástico.

Mientras, Rafael Jiménez se suma a la ola cromática común, transitando en sus procelosas crestas, sumidas en un ritmo infinito congelado, conseguido plasmar por este creador plástico gracias a los materiales utilizados, campos de plastilina y color, que reflejan la resonancia que el ruido emocional, y recuerdos, añaden a la imagen evocada. Son sus piezas golpes visuales percibidos en el encuentro primero, o cuando eclosionan desde los fondos de la memoria. Intensidad y emoción portan las obras de este artista.

La realidad incompleta es mostrada por Roberto Infantes, jugando con la ambivalencia entre figuración y abstracción, incorporando trazos caprichosos, descomposiciones de la realidad, tensión visual impregnada en las piezas, que conecta con el espectador para transmitirle un escenario caótico, cambiante, imagen fugaz que se descompone, transforma y resiste, oculta en el sentimiento impreso en el recuerdo. Sabe este pintor expresar la marca del olvido, el suspiro del tiempo, vestida de un colorido suave que incorpora serenidad, placidez, rota con algún gesto cromático, consiguiendo construir una propuesta pictórica interesante, de gran calidad plástica.

Joaquín Peñatoro es un pintor de registros poderosos, calidad y elegancia en su obra. Sea en la extracción de espacios reales sublimados hacia un entorno abstracto, de colores acogedores, amables, rumorosos, cuan melodía lejana insinuada en sus piezas. Si no, define la fiel realidad del entorno, mundo rígido que como colmena sirve de hogar, sumergido en la marea sensitiva de los tonos aplicados. Posee bastante potencial este artista.

Consiguen los cuatros pintores, introducir al espectador en el entorno sensitivo del principio que da vida a una obra de arte.

José Manuel González

José Manuel González

José Manuel González

Rafael Jiménez

Rafael Jiménez

Rafael Jiménez

Roberto Infantes

Roberto Infantes

Roberto Infantes

Roberto Infantes

Roberto Infantes

Joaquín Peñatoro

Joaquín Peñatoro

Joaquín Peñatoro

FLECHA 2026, UN ARTE DE CALIDAD

 

SOBRE LA FERIA DE ARTE FLECHA

En el Centro Comercial Arturo Soria Plaza se celebra, desde el 12 de febrero hasta el 15 de marzo, la 36ª edición de FLECHA, Feria de Arte contemporáneo, siendo el lema de este año “El Realismo Madrileño”.

Más de cincuenta creadores plásticos muestran sus obras, en las que se observa una alta calidad artística.

Este evento tiene la particularidad de centrarse en la expresión plástica más pura, encontrando piezas que contienen un realismo total, y aquellas que reflejan evanescencias que se pierden en la abstracción, alejándose todas del espectáculo del esperpento que quiere ser arte. Es un encuentro del buen hacer estético, ingenioso y actual, que tiene clara la idea sobre lo que significa el trabajo plástico.

De todos los artistas participantes, voy a señalar brevemente aquellos que más han conectado con mi atención, sea por su estilo, cualidad técnica, inteligencia creativa o destello bello impreso en sus piezas.

Alberto Amores presenta una fotografía que escapa del sentido dado a su función de consumo, para convertirse en obra de arte, conseguido por el autor al captar el halo extraordinario escondido en los pliegues del ambiente cotidiano, extrayendo la esencia de la impresión, aquella que nos dice que todo es transcurrir, sucesos velados ante nuestros ojos, que se intuyen pero no definen, siendo la luz quien modula el tiempo sensitivo presente. Aúna la huella de la historia de aquellos que pasaron por el lugar, gracias al escenario elegido, y el transcurrir diario ciego a los detalles, absorbido por pensamientos y deseos.

Ana Alcaraz es otra artista de interesante obra. Es su trabajo plástico un ingenio de inteligente cromatismo, en el que la figura surge del color informe para expresar su forma real, envuelta de un horizonte ignoto que simula la imprevisibilidad de pasos futuros. Sabe la pintora transformar la idea en hermosa imagen evocadora, controlando los tonos aplicados. Otra obra que me ha gustado es la de Antonio Maya Cortés, que transforma la mancha de color en figuras racionalizadas, denunciando la situación de los migrantes. Es preciso y directo en su lenguaje.

Sobre el gran Antonio López poco más puedo decir, demuestra continuamente el nervio creativo que guía su producción plástica. Nos traslada a espacios inundados por la luz, en los que se vislumbra estancias, y paisajes urbanos, en las que se supone flujo de vida. Genera intriga en la mirada. Es una cualidad inherente a su obra.

Aunque propone en sus piezas un tema recurrente en muchos pintores, las escena distópicas de Carlos Arriaga atrapan la atención del espectador, por el tema expuesto, la acción de la Naturaleza cuando la Humanidad cesa en su empeño expansivo.

Carlota Ríos, Carolina Veramendi, Isabel García Benito y Menchu Uroz, coinciden en mostrar una obra fresca, desenfadada, diseñada con gamas que nos rodean en el mundo comercial, ofreciendo paisajes y espacios felices, amables, reflejo de aquellos reales, extrayendo las pintoras la realidad para llevarla a una expresión figurativa, que marca y retiene la mirada. Poseen estilo, nervio compositivo, desparpajo expositivo.

Cova Osset es sugerente en su trabajo plástico, optando María Moreno y Luis Gómez por los momentos silentes, tranquilos, aquellos en el que el tiempo se detiene, sea contemplando un paisaje o una composición dentro de un entorno cerrado. Plasman el sosiego sentido, proyectado hacia el mundo circundante, elaborados con calidad plástica, lirismo, y maestría en su oficio.

Es compleja, habilidad contenida en la composición expuesta, la instalación ofrecida por Marta Lastra. También me ha llamado la atención el trabajo pictórico de Javier Ramos Julián, que aunque repite el paisaje urbano, supera a otros que están en la misma senda, pues transmite intensidad, fuerza expansiva, vibración latente en el cuadro. Mientras, Isabel Ruiz incorpora poesía en su trabajo plástico, delicado suspiro visual, fuente continua de evocaciones al ser contemplada.

Es soberbia la propuesta de Cristina Villacieros, equilibrada entre la abstracción y la forma, la acción y el instante detenido. Excelente pieza de acabado elegante, que no se extingue en la mirada repetida.

Otra obra, como la anterior, que destaco entre todas, es la de Orrite, decantada de la estética publicitaria y elevada a pieza de calidad artística, por la combinación cromática elegida, el tema íntimo que hace coincidir a todos, el arropamiento del color para sustentar el éxtasis gozoso del momento vivido.

En conjunto, como siempre la Feria de Arte Flecha 2026 responde a las expectativas depositada en ella, por la calidad de las piezas expuestas. Tras cada edición sigue conquistando cotas superiores

Alberto Amores

Ana Alcaraz

Antonio López

Carlota Ríos

Cristina Villacieros

Javier Ramos Julián

María Moreno

Orrite

MECA MEDITERRÁNEO EN EL VI SIMPOSIO INTERNACIONAL DE PINTURA DE PORTIMAO, PORTUGAL

 

MECA EN PORTUGAL

MECA Mediterráneo continúa con la difusión de la creación plástica de vanguardia. Como todos los años participa en el VI Simposio Internacional de Pintura de Portimão, Portugal, cuyo lema para esta ocasión es “Sostenibilidad”, representada esta galería por Manuel Bru (Elche, 1987).

En este evento participan artistas de diferentes países, siendo la muestra un encuentro entre las distintas miradas de comprender el trabajo plástico, reflexionando sobre su incidencia en la sociedad, a través del enriquecimiento de usos culturales, puesta en común de sus inquietudes, expresadas en diferentes lenguajes visuales, y la conexión que se establece entre todas las creaciones, ligadas por el ánima común que mueve su creación.

Manuel Bru aporta una obra de gran frescura visual, destellos elegantes, intensa y profunda, en la que reflexiona sobre el espacio y su ocupación, el ser y estar, de toda forma que llena una porción del lugar, lo transforma y da propiedad, tomando su posesión, mas la presencia de otras crean una presión en su entorno, incorporando fuerza vibrante, interacción y tensión en todo el campo apreciado.

Quieren expandirse las líneas en la superficie de la pieza, difuminándose en las venturosas sendas de sus trayectorias, marcando el sentido de la exploración del espacio, del asiento de las formas y colores en la pieza. Las siluetas apenas se definen, aparecen como fugacidades capturadas en un instante, sensación visual de un suspiro temporal, ligero, descrito de forma precisa en el entramado cromático aplicado, que induce levedad, sostenida por tonalidades de poca accidentalidad topográfica en la superficie, simulando ritmo expansivo, si no, presencia imprevista que se quiere perder en la nada.

La obra presentada por Manuel Bru posee calidad plástica, atrapa la mirada para sumirla en los instantes rotos de la realidad continua, vislumbrando universos fantásticos.

Es importante la labor desarrollada por este espacio expositivo almeriense, creando arte, explorando siempre en los límites de la vanguardia plástica, facilitando que los artistas puedan compartir sus experiencias, generando oportunidades para jóvenes talentos emergentes en la representación artística, uniendo la estética con el pensamiento social, para elaborar otras formas de expresión, siendo para todos un lugar en el que pueden exponer. Excelente MECA.

NATXO ARTETA EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

SIGA LA LÍNEA

Autor: Natxo Arteta. Título: Bidean (En el camino) Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 14 de marzo de 2026.

La obra de Natxo Arteta (Madrid, 1965) posee una conformación racional, que en su exceso rompe la estructura lógica inicial, liberándose las líneas en trayectorias de orientaciones azarosas, adoptando los ángulos formas caprichosas, conformando un espacio de direcciones caóticas, rebeladas al orden supuesto para triunfar en la esencia de su presencia. El artista sostiene este entramado sobre un fondo cromático elegante, fresco y sereno. Natxo Arteta, con el paso de los años, ha ido condensando sus dibujos, rompiendo la monotonía del color, distribuyendo accidentes tonales en las piezas, aunque sus cotas y profundidades no rompen, con su contraste e intensidad, la tranquila apreciación visual que transmiten. En estas últimas composiciones la presión es sentida en la mirada. El intento de conjuntar una lógica común dentro de la diversidad, parece que quiere sentar su fuerza.

Empresa imposible es expresada en otras piezas, triunfando tranquilas trayectorias, elementos geométricos asentados a su antojo, dentro de una organización presentida, triunfando el resplandor cromático de un fondo suave, que simula el escape hacia la libertad de la imaginación. Es en esta última etapa, en sus piezas y esculturas, cuando Natxo Arteta incorpora los elementos delineantes, queriendo, en el éxtasis de la construcción de sus composiciones, dejar de ser hacedores, y formar parte en el protagonismo de sus elaboraciones estéticas. El dibujo, y su técnica, quieren estar presentes ante el espectador, triunfar en la mirada, aliándose con el color para que le sirva de vehículo en el proceso de percepción sosegada.

El resultado de la obra de Natxo Arteta se expresa en una obra de sólida conformación, calidad cromática, equilibrio aparente, que tras atrapar la mirada la sume en el laberinto del caos, puerta de la fantasía. No se justifica la valía de la obra de este pintor por el efecto señalado, sino por su capacidad de generar composiciones que permite así sea. Ahí está el significado estético del trabajo plástico de este artista.

CRISTINA ALMODÓVAR EXPONE SU OBRA EN LA GALERÍA FERNÁNDEZ BRASO

 

LA FANTASÍA Y LA MIRADA

Cristina Almodóvar presenta la exposición “Hacer y deshacerse” en la galería Fernández Braso, Villanueva, 30 / Madrid . Hasta el 11 de abril de 2026.

La expresión plástica singular de Cristina Almodóvar (Madrid, 1970) induce levedad en la mirada. Es su obra una empresa estética atrevida, donde conjuga hierro, acero, cartón, madera, escombros y pintura. Sus piezas sugieren una atención diferente hacia materiales invisibles a nuestro transcurrir cotidiano, a los cuales la artista incorpora nervio propio, tensión simulada en su estructura, fantasías y evocaciones en la percepción difuminada, que en su contemplación genera una idea surgida de la fantasía, rompiendo el diálogo visual en su inconclusa conformación. La evanescencia del tiempo, el rumor de historias que subyacen en su entorno, están prendidas en ellas. Construye obras que simbolizan la metafísica de lo efímero.

El signo de las formas, sea cual sea el material que soporta la pieza, provoca en el espectador, cuando lo inunda el desconcierto, la apreciación de lo diferente.

Cristina Almodóvar estudia la posibilidad plástica de materiales sencillos, alcanzando en algunos auténticas elaboraciones de ingenio impreso, esculturas en las que se conjugan dolor y belleza ajada, cuando es presentida la lozanía del pasado, mostrando habilidad, capacidad artística en el diseño y conclusión de la pieza.

Hay otras composiciones que quieren ser sujetos de apreciación visual, punto de reflexión, y evasión, hacia figuras imaginadas o emociones apreciativas. Juega esta creadora plástica con la realidad aparente, que se sustenta en la simulación y truco expositivo.

Interesante propuesta estética mostrada por Cristina Almodóvar.

EXPONE MIGUEL CARINI EN EL CENTRO GRAN CAPITÁN

UNIVERSO CARINI

Autor. Miguel Carini. Título: Al tango y a la poesía: “Es tu paso quien regresa”. Lugar: Centro de Arte Gran Capitán. Fecha: Hasta el 31 de marzo de 2026.

Gira en el hueco la amarilla rueda

De caballos y leones, y oigo el eco

De esos tangos de Arolas y de Greco

Que yo he visto bailar en la vereda

Del poema El Tango. Jorge Luis Borges

Suena el bandoneón entre los parrales de los patios de vecinos. Lenta melodía, pegajosa, pesada, de aromas tristes, que retrotrae notas para después lanzarlas al vacío de la nada. Mas se rompe el ritmo con el tono disonante, para dejar caer la melodía en la hondura sensitiva del alma, reflotando con pasión.

Es el tango una música nacida del pueblo más humilde, aquel que habitaba los conventitos de Buenos Aires, rumiando nostalgias de las patrias de origen, asombrados ante la inmensidad y grandeza de su nuevo país argentino.

Miguel Carini es un poeta de la imagen, pues plasma el verso sentido en su obra plástica. Este artista siempre sorprende, pues supera el trabajo anterior para ofrecer nuevas propuestas de extenso peso estético. Simula el ritmo lírico provocado por el poema, en sus líneas sinuosas, en las imágenes evocadoras, en miradas cadenciosas, expectantes, recelosas, anhelantes… apoyado en una conjugación cromática impresa, con la que reproduce sensaciones agudas, encadenadas con aquellas graves, cuando el color es pasional, intenso, pasando a la evanescencia tonal abierta, clara, feliz, optimista. Incorpora Carini ráfagas de cromatismo elegante, impregnados de frescura visual, flotando sobre los campos del ensueño, cuando navega entre el oleaje apasionado del tango. Esa es la gracia compositiva de este genial artista, al mostrar un trabajo de poderoso efecto sensitivo.

Esta exposición se organiza en cuatro partes, dos descansadas en literatos de ambas orillas, que entrelazan sus palabras para dar cuerpo, y letra, al motivo que da vida a esta instalación. Le acompaña otras dos partes laterales, una escondida en el inicio de este movimiento musical, auténtica voz del pueblo inmigrante, desde los conventitos donde se alojaba. Lo expresa este creador plástico en unas acuarelas cuan suspiros gráficos, manchadas por el color de la impresión traducida en la mirada. Surge de las biografías marcadas en sus rostros, de pasados e ilusiones futuras. Son miradas directas, descaradas, descarnadas o emocionales.

En la otra, Miguel Carini incorpora la soledad del artista, el ansia expresiva desbordada, sujeta por el imperativo del confinamiento. Tiempos oscuros, temerosos, aislados, tenebrosos, donde el impulso creativo quería mostrar su impronta, de sueños y recuerdos, realidades y deseos.

Son las piezas pertenecientes a esta parte de la exposición, fulgurantes expresiones de un artista integral, anotaciones como si un diario fuera, creaciones auténticas soportadas en materiales comunes, usados, pobres, y sin embargo aupados a la grandeza de una obra de arte.

Poco más puedo decir de la muestra presente en este espacio expositivo, donde el visitante se encontrará inmerso en un auténtico jardín de efluvios cromáticos, belleza sugerida en la imagen, ruido presentido en la mirada, acompasado, lento, reconcentrado en sí mismo, tango sentido en la percepción de sus obras. Es un trabajo depurado y de alta maestría técnica, que induce ráfagas de magia al contemplar el conjunto estético propuesto. No defraudará a nadie.