EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA JUAN MANUEL LUMBRERAS: ANE-MAI HÖÖK

 

YA ES OTRO AHORA

Autora: Ane-Mai Höök. Título: Ya es otro ahora. Lugar: Galería Juan Manuel Lumbreras (c/Henao, número 3, 48009 Bilbao, Vizcaya) . Hasta el 24 de abril de 2026.

La pintura supera la imagen fotográfica en profundidad sensitiva, siendo una fuente de comunicación más intensa, personal, rica en matices y sugerencias. Es la pintora quien va adhiriendo su comprensión de la escena, sus aprensiones, recuerdos y explicaciones, tamizado todo por su experiencia personal, la cultura que la acoge, la mirada original y alternativa a la fría, y muda, imagen, que la fotografía presenta. Muchas veces la razón plástica pierde el manejo del pincel, quedando sustituida por el impulso inconsciente. El resultado concluye en un relato particular de la realidad.

Ane-Mai Höök Aramburu es una pintora de gran soltura compositiva, con las ideas claras sobre donde ha de ir su producción plástica. Transcribe la realidad de forma particular, enfrentándose a la técnica, no dejándose resignar por su predominio, sino que propone composiciones en las que muestra la energía depositada en la expresión de la realidad subjetiva, personal, aquella en la que se imprime el signo de la emoción, sorpresa, o simplemente el relato que define un entorno, una forma de estar, expuesto al espectador para compartir impresiones, pues ella las deposita, y quien observa sus piezas es el que interpreta, modulando según sus vivencias la imagen percibida, e incorpora su concepto propio de la sociedad circundante. Ane-Mai Höök no muestra grandes pretensiones en la puesta en escena de su obra, sino que expresa imágenes intrascendentes, aleatorias, evocadoras en su cromatismo, ofrecidas para ser contempladas, para que cada uno desarrolle su propia historia.

Ane-Mai Höök es una pintora de gran sugerencia visual, obra directa, fresca y atractiva a la mirada.

EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA BENOT, DE CÁDIZ. M.T. MARTÍN-VIVALDI

 

M.T. MARTÍN-VIVALDI

M.T. Martín-Vivaldi expone en la galería Benot (Avda. Cuatro de diciembre de 1977, número 10 – 11.006, Cádiz) hasta el 30 de mayo de 2026.

Hace años que la pintora quedó atrapada en su jardín, espacio exuberante, espeso, fresco refugio para la contemplación, lugar de reposo y recogimiento, encuentro con uno mismo a través de la plenitud sensitiva.

María Teresa Martín-Vivaldi es una artista inmersa en el universo del color, en tránsito permanente por las estancias tonales acogidas en el espectro luminoso, experiencia expresada en la imagen de un intenso cromatismo, reflejado en la densa vegetación del jardín mágico, aquel que cada persona anhela, sueña, y busca como refugio idílico, destello del paraíso perdido.

La imagen comprendida simula un vergel, siendo su percepción profunda un conglomerado de colores, agolpado, de cuya presión escapa en un estallido de ráfagas luminosas en sus diversas tonalidades, de impresión ondulante, resultado de sus agudos y graves cromáticos, expresados como tensión controlada, modulada de acuerdo a un ritmo saturador de la mirada, atrapándola y envolviendo en su vaivén acompasado, visión exultante, paseo temporal hacia el paraíso, evasión de la contingencia.

M.T. Martín-Vivaldi ha comprendido estas experiencias, plasmándolas de forma reiterada, buscando la expresión más certera de ese mundo presentido, a través de sus acrílicos o monotipos.

La pintora ha sido atrapada por el color, quien la obliga a trabajar continuamente en sus posibilidades, vislumbrando su esencia, brillo fugaz intuido, que el pensamiento plástico organiza en su obra.

Esta artista es una de las figuras más sólidas del actual panorama pictórico andaluz.

EXPONE MIGUEL MACAYA EN BARCELONA (GALERÍA JORGE ALCOLEA.SALA NONELL)

 

OBRA NUEVA DE MIGUEL MACAYA

Expone Miguel Macaya en la galería Jorge Alcolea - Sala Nonell, Carrer de Johann Sebastian Bach, 16, 08021, Barcelona. Hasta el 25 de abril de 2026

Miguel Macaya (Santander, 1964) es un pintor de estilo particular, el cual ha sido identificado en estéticas definidas, mundos poéticos visuales. Según mi opinión este artista pinta alegremente porque sí, desarrollo despreocupado de su fuerza pictórica, que toma asiento autónomo en el pleno ejercicio del pincel, sin salir de los esquemas de la tradición plástica, derivando sus óleos hacia el capricho del momento, imagen sugerente, fantasía de lo imposible, plasmando el pintor una sucesión de escenas que el momento le ofrece, sea la fuerza del animal salvaje, plenitud vital, o el rostro ajado por mil avatares, que relatan excesos en los triunfos, aliñados con profundos fracasos. Hay piezas en la que detiene su atención en el éxtasis del gesto del toreo, donde la fuerza de la mancha, el pulso congelado de la tensión del instante, justifica la imagen. También divertimentos visuales, en los que juega con la incongruencia racional, el disfrute por la broma espontánea, todo puesto al servicio de la Pintura, regida por estrictas reglas de tonos y perspectivas, de umbrías y claridades, de captura de momentos en los que conjuga la realidad, ensueños, imaginación, en un torbellino de ideas que surgen sin razón planificada, primando sólo la obsesión por la imagen plasmada en el lienzo, el hábil ingenio aplicado en la técnica depurada, que ahonda en el sentido que justifica la escena contenida en la pieza. Quiere el pintor explorar el efecto del color, el duende que inquietaba el genio de los artistas clásicos, mas Miguel Macaya no aspira a detenerse en ese arte, sino jugar con él como actividad plástica, forma de estar, disfrute continuo con el pincel y la ocurrencia depositada en el cuadro.

Miguel Macaya es todo eso, pasión por el trazo y color, la regla que organiza e imprime una impronta atemporal en su obra. Gusta su estilo, es elegante, y produce inquietud al contemplar su obra. Ahí está su esencia.

ESTEBAN RUIZ Y SU EXPOSICIÓN EN CENTRO CULTURAL CASA DE VACAS, MADRID

 

MOBY DICK

Autor: Esteban Ruiz. Título: “Moby Dick. The Dream of Captain Aha” Lugar: Centro Cultural Casa de Vacas ( Paseo Colombia 1, 28009, Los Jerónimos/Retiro. Madrid) Fecha: Hasya el 26 de abril de 2026.

Moby Dick representa la fuerza desbordante que la Naturaleza ejerce a toda acción que se le opone. El hombre se siente indefenso ante su poder, inane ante su presencia, inmensa, pesada, ruptura del orden racional cuando la voz salvaje eleva su tono. El cachalote blanco narrado por Heman Melville, en su lucha con el barco ballenero, representa el combate entre la razón, domesticadora del entorno natural, y la oposición que este ofrece, energía irracional que abre sus caminos hacia la libertad azarosa, ajena a los esquemas lógicos que sostienen la realidad humana.

Esteban Ruiz ( Jaén, 1966) lo representa acertadamente en su obra, plasmando en ella el cachalote en su danza navegante, impetuosa, poderosa, interpretada a través de la mancha cromática, impresa con fuerza, peso visual, empuje y nervio, logrado componer por el pintor gracias a la pincelada larga, grávida, que se rompe al final para simular dinamismo en la imagen, superpuesta en un fondo de tonalidad variada, de claros y azules leves, radiación solar que penetra en el agua, simulando su naturaleza cristalina en la descomposición luminosa sugerida.

Imprime con acierto Esteban Ruiz estos efectos en sus telas con intensidad plástica, huella cinética en la imagen, frescor presentido, impulso salvaje que quiere sentar su entorno de acción, libertad, poder y permanencia de la vida natural. Acierta el artista en la definición de estas ideas en su obra, ofreciendo un conjunto de piezas estimulante, desarrollado con habilidad plástica.

EXPOSICIÓN HOMENAJE DE ALEJANDRO GORAFE

 

EL GABINETE DEL ARTIFICIO

Obra de Alejandro Gorafe en el Centro Cultural Gran Capitán, c/ Gran Capitán 22, Granada.

Se exhibe en el Centro Cultural Gran Capitán, “Alejandro Gorafe. El gabinete del artificio”, hasta el 2 de mayo de 2026, instalación en la que se muestra cuarenta y seis obras, elegidas de toda su trayectoria artística.

Alejandro García del Saz (1962-2024) fue un creador plástico de gran imaginación estética, el cual profundizó en las posibilidades de las formas comprendidas, más allá de la percepción común, mostrando otros aspectos que su presencia ofrece, desvelando su imagen a los ojos cegados por la lógica racional de la mirada.

Incidió en la comprensión de la figura última de los objetos, descomponiendo sus partes para recomponerlas en expresiones fantásticas, ensueños abiertos a otras opciones de entender la realidad. Nunca se repetía, aportando un amplio repertorio de estructuras y combinaciones, recreaciones plásticas de configuraciones, ofrecidas como composiciones estéticas porque sí, sin finalidad alguna de utilidad, centrando la mirada en la presencia de la imagen en ella misma, destello visual que alumbraba mundos imaginarios, abriendo la mente a elaboraciones extraordinarias pensadas, sentidas, trasladadas a escenarios lúdicos, donde el gozo, por la visualización dominante en el destello luminoso percibido, es la única presencia, admitida en el pensamiento del observador, atrapado en el entorno de acción envolvente generado por la pieza.

Hay obras en la que Alejandro Gorafe se encierra en trayectos laberínticos, retorcidos, encerrados en sus estructuras, materiales duros, cortantes, fríos, como los cantos que convertía su trabajo artístico en sufrimiento, en los caminos de búsquedas imposibles, hacia el descubrimiento último de la esencia de la imagen primaria, núcleo de fantasía infinita. Esa era la obsesión creativa que impulsaba su trabajo plástico. Encontró el artista la perennidad de la existencia, el ritmo cíclico que fluía en múltiples sendas de forma caprichosa. Ritmo permanente, duro, en tensión latente. En estas experiencias plásticas el artista gana en ingenio, en nuevas conclusiones, obteniendo destellos trascendentes en sus horas de cansancio plástico, agotamiento feliz, gozo ante el resplandor percibido del principio que sostiene la realidad.

Opta el escultor en liberar de materia su obra, organizando piezas alámbricas sometidas a ritmos repetidos, incorporando el ambiente vacío en la pieza. Es en ese vacío donde este creador plástico infiere una presencia en su esencia, aligerando sus composiciones, hasta la finura de la línea del alambre, logrando construir evanescencia visuales, suspiros aéreos condensados en sus piezas. Descubrió la magia impregnada en el ambiente, las apariciones fortuitas, felices o desagradables, ambas enriquecedoras de las emociones que la existencia propone.

Esa fue su gran creación, convertir el vacío en obra de arte, mediante las sugerencias visuales expresadas en sus esculturas. Genial Alejandro.

LA NAVE DE LOS LOCOS EN VETA GALERÍA

LA NAVE DE LOS LOCOS

Autor: Javier Ruiz. Título: La nave de los locos. Lugar: Veta Galería.  Fecha: Hasta el 16 de mayo de 2026.

Javier Ruiz Pérez (La Carolina, 1989) muestra una obra de gran peso plástico, extraída de la tradición clásica de la Pintura, expresando el pintor que su propuesta es una reflexión contemporánea sobre la imagen, mas creo que su pintura se desarrolla hacia profundidades de significados recurrentes en las creaciones artísticas, relacionadas con el tiempo, lozanía pasajera, o el mundo de los marginados, velado por una sociedad que quiere presentar una imagen perfecta.

Plasma estas ideas mediante óleos de intensidad cromática, imagen patente en un ambiente cálido, espeso, llevando la impresión a entornos ajados, cuasi asfixiantes, en los que personas, ajenas a los modelos de belleza establecidos, desarrollan sus vidas alegres, libres de normas y ataduras sociales, cuya existencia parece olvidada en el gran escaparate del mundo.

En sus cuadros las escenas nos muestran un tiempo detenido, a pesar del reloj impreso en los adornos florales, unas veces integrados en los motivos de las piezas, en otras como composición única de la obra. En sus jarrones aparecen flores ajadas, marchitas, secas, o en su estado pleno de belleza, si no la dureza cortante del cactus. Es una representación del tiempo vital, que en su trayecto muestra el esplendor triunfante y la decadencia que le acompaña. Pero la fuerza de ser se superpone a la apariencia, quiere vencer la contingencia, los cánones establecidos de perfección física, triunfando el deseo de existir, vivir, ser feliz en libertad.

La obra expuesta por Javier Ruiz posee gran poso de significados, logrados por su inteligencia compositiva, habilidad en el uso de tonos, originalidad en la reelaboración de la pintura figurativa. Su trabajo plástico posee gran interés estético, ingenio y calidad en su conclusión.