martes, 31 de marzo de 2026

RESEÑA SOBRE LA EXPOSICIÓN FUENTES ANGARITA ENEL MUSEO LA NEOMUDÉJAR

 

COLECCIÓN FUENTES ANGARITA


Exposición “30 de años de irreverencia y visión en la Colección Fuentes Angarita” Museo La Neomudéjar C/ Antonio Lebrija s/n Madrid.

En la galería La Neomudéjar está abierta la exposición “30 años de irreverencia y visión”, hasta el 26 de abril de 2026, presentada por Arts Connection Foundation ACF, en la que se muestran obras procedentes de la Colección Fuentes Angarita, producto de una larga trayectoria de coleccionismo y mecenazgo artístico. Primero instalada en su país de origen, Venezuela, y más tarde, debido a la situación política restrictiva y de peligrosidad social, se trasladó a Estados Unidos, lugar desde el cual ha proseguido con su actividad de apoyo a nuevos artistas, adquiriendo sus obras.
Esta exposición constituye un interesante recorrido por la simbología, e iconos, que definen nuestra sociedad milenarista, donde la técnica, la superproducción, y los desechos que ello conlleva, la diferencia de clases, el estigma de la pobreza, preocupación por el medio ambiente, nuevas formas de entender el género humano, el miedo a la muerte, el vacío dejado tras el paso luminoso del confort consumista, las migajas recibidas por los más humildes en los basureros, nos hacen entender el escenario de cambio mundial, donde la técnica no satisface, la persona pierde su valor humano, las dictaduras de clanes sociales explotan al pueblo, y sobre todo, nos muestra la ceguera moral, desorientación, inconformismo y desequilibrio emocional existente en nuestra sociedad, por la ruptura con los arcanos tradicionales, causa que creo no comparta su autora, Andreina Fuentes Angarita.
Más allá de estas consideraciones la exposición se queda en eso, en un paseo por los signos que definen la antropología social de nuestro tiempo, donde la fealdad triunfa, se presenta artilugios y utensilios como si fueran obras de arte, y a nadie asombra ni escandaliza, ya se encargó de ello Tristán Tzara hace cien años.
Son muchas las reseñas que muestran esta exposición como un gran acontecimiento, puede que sea así, más por la denuncia social del presente, incluso concretado en el drama venezolano, y el discurso narrativo de nuestro tiempo, que aparece de forma descarnada ante nuestra mirada. Aparte de lo anterior, no hay más que comentar sobre esta exposición.

















EL INFORMALISMO ESPAÑOL EN LA COLECCIÓN MARIANO YERA

 


INFORMALISMO EN LA COLECCIÓN MARIANO YERA



Lugar: Galería Leandro Navarro (C. del Amor de Dios, 1, Centro, 28014 Madrid ). Fecha: Hasta el 30 de abril de 2026.


Se muestra en esta galería la pasión del empresario Mariano Yera por la Pintura, la cual dio origen a que, en su trayectoria de adquisiciones de obras de arte, consiguiera formar una de las mejores colecciones privadas de la vanguardia pictórica española. Tras su fallecimiento en 2024, su hija Natalia Yera continúa con la iniciativa de su padre. En esta propuesta se muestra la obra de siete artistas: Rafael Canogar, Luis Feito, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura, Antoni Tàpies, Manuel Viola, representantes del Informalismo en nuestro país.
Todos coinciden en la apertura de una vía plástica diferente, encaminada hacia la ruptura de la estética presente en su tiempo, dejándose llevar por la emoción, el inconsciente, la búsqueda continua de materiales, formas y modos de representación plástica. Fue una reacción salvaje, donde ahondando en las entrañas de la percepción artística, intentaron definir otros nuevos conceptos de entender la Pintura. De sus aciertos, y retrocesos, se obtuvieron nuevas ideas, que han servido a otros artistas para avanzar en nuevas formas de expresión visual.
Es ingenioso Antonio Tapies en su producción plástica, oportuno, diferente, vibrante y alejado de toda estética definida. Busca el latido final de la imagen. Manolo Miralles es más rotundo, menos sofisticado, jugando con la sorpresa visual, la ruptura de su lógica, el asalto contra la armonía en la Pintura.
Rafael Canogar representa la exploración incansable tras el signo último que sustenta la imagen, su esencia, la fuerza que estructura la evocación producida en el trazo, el color y su combinación, el destello que subyace tras el caos de formas y colores.
Irreverente, rotundo y confuso, es el universo pintado por Antonio Saura, nervio impreso en el lienzo, en cuya indagación plástica descubre fantasmas ocultos, en el laberinto de líneas y cromatismo intenso, en un ambiente denso, de poderoso peso en la mirada.
Luis Feito es la impronta del símbolo, fuerza impresa en el lienzo, o papel, descomposición total de la imagen, contradicción a veces entre el fondo sereno y la marca de la paleta dejada con presión, pasión liberada en la acción plástica.
El signo de la elegancia lo introduce Manuel Viola, extenso en el dominio de tonalidades, representando un mundo oscuro que el impulso del pintor quiere romper con ráfagas de claridades ardientes, que difunde sus radiaciones cuando estalla con el fondo que impide su avance, difuminando los restos de coloridos en las esquirlas de sus radiaciones.
Rompe la imagen Manuel Rivera, alterando el concepto del cuadro, para configurar piezas trasladadas a la concepción escultórica. Son composiciones singulares, que juegan con la luz penetrante, queriendo modularla, organizarla en la estructura artística ingeniada. Es soberbio y diferente a todos.
Esta propuesta, nos muestra un grupo de creadores plásticos que incorporaron un modo distinto de entender la representación plástica, yendo más allá de ella, buscando la huella que da sentido, por la inquietud producida en el espectador, a una obra de arte.
Esta exposición es una de las más sugerentes, en estas fechas, presentes en Madrid.


Antonio Saura



Rafael Canogar

Feito

Millares

Millares


Rivera


Rivera


Antonio Saura


Antonio Saura


Tapies


Tapies


Viola


domingo, 29 de marzo de 2026

JAIME VELÁZQUEZ EXPONE EN LA GALERÍA TAMARA KREISLER

 


FRAGMENTOS BINARIOS


Autor: Jaime Velázquez. Título: Fragmentos binarios. Lugar: Tamara Kreisler Gallery, Calle Hermanos Álvarez Quintero,6 (Madrid). Hasta finales de marzo.

Se propone en esta galería una obra de gran atracción visual, navegando el pintor por los fondos luminosos del simbolismo, espacio de sueños, pensamientos absurdos, o simplemente se exponen realidades que describen el signo de los tiempos contemporáneos.
Jaime Velázquez es un artista de registros brillantes, pulcra imagen precisa en su dicción, actual y de intenso contenido intelectual.
En sus bodegones define la sociedad industrial, la vida de sus habitantes, el mundo consumista que lo invade y mueve, reflejado en marcas, productos y sobre todo, en los colores de tono publicitario, ráfagas cromáticas incisivas que penetran más allá de la mirada, evocando fantasías, placidez, armonía y equilibrio, gracias a la geometría impresa en la retícula trazada por el color, los fondos evanescentes, el orden silencioso que invita a la concentración. Mas el producto objeto de la mirada constituye una apariencia tangible en un pulso fugaz, pues el ritmo cambiante que rige sus momentos hace que todo sea fungible. No aturde la mirada, sino que gracias al orden inferido en las piezas. genera un escenario que transmite permanencia en la inconsistencia real. Imprime el artista una configuración matemática traducida en medida.
La obra de Jaime Velázquez gusta porque presenta una imagen extraída del entorno cotidiano, racionalizada, evocadora de historias idealizadas, guardando en su contenido la visión crítica de la modernidad posindustrial, la soledad del individuo, el universo ficticio organizado por la técnica, la percepción truncada gracias a colores, trazados geométricos, soledad y pérdida en una existencia imaginaria, ofrecida como auténtica. Relata el drama de la persona actual.
Jaime Velázquez nos muestra un trabajo expresado con soltura expositiva, exactitud en su configuración, amplia visión en la planificación, obteniendo como resultado una obra de excelente calidad plástica.








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martes, 24 de marzo de 2026

FACBA 2026

 
SOBRE FACBA2026


La Feria de Arte FACBA26, celebrada en la Facultad de Bellas Artes de Granada, del 19 de marzo al 29 de abril de 2026, se consolida como un referente en el panorama artístico andaluz, ganando cada año calidad y fuerza creativa. Se inaugura con la exposición de un conjunto de galerías nacionales, que muestran un rico repertorio de obras de arte elaboradas desde los más diversos estilos creativos, mostrando la maestría y madurez plástica de muchos de sus componentes, con la fuerza y frescura compositiva de aquellos nuevos talentos que inician su senda expositiva. Presentan sus obras las galerías MECA Mediterráneo Centro Artístico (Almería), Di Gallery (Sevilla), Renace Contemporary Art (Baeza), Beatriz Pereira (Plasencia) y Garaje Bonilla (Madrid). Todas las galerías poseen gran nivel artístico, pero me detengo en aquellas que más interés me han suscitado.
La instalación de Manuel León y Celia Macías en Renace Contemporary Art propone un conjunto de obras de fulgurancia visual, libre concepción compositiva, ingenio y búsqueda del sentido que sustenta la expresión artística. La galería Beatriz Pereira propone dos pintoras interesantes, separadas por la edad, pero coincidentes en la calidad artística expresada en sus piezas, con los signos cromáticos de Virginia Rivas, elegancia sencilla, de mirada apacible, y Alba Callejón, frescura compositiva, ligereza en su obra, intensidad de la mancha que rompe el equilibrio de la imagen comprendida.
Juan Morante, Toña Gómez, Francisco Uceda y Rocío Arjona, infunden sólida inteligencia creativa en las piezas expuestas, incorporando ritmo de poderoso ingenio estético, inundando la mirada de fantasía. Como siempre la propuesta presentada por MECA Mediterráneo sienta su peso de calidad plástica.
En esta edición, Facba26 refleja el nervio creativo que quiere renovar la actualidad plástica existente, uniendo modos clásicos entendidos en la vanguardias y nuevas miradas para abordar la imagen, surgidos de supuestos estéticos procedentes de la pintura tradicional, trasladados a la plasmación de temas cotidianos actuales, elaborados con sinceridad, depuración técnica, y concreción directa en su conclusión.
Aunque escasa en galerías participantes, gana esta Feria de Arte en calidad expositiva.


Virginia Rivas


Toña Gómez


Rocío Arjona


Juan Morante


Alba Callejón


Toña Gómez


Juan Morante


Francisco Uceda


Francisco Uceda


Alba Callejón


Alba Callejón






Alba Callejón


Francisco Uceda



JACINTO DE MANUEL EXPONE EN TWIN GALLERY, MADRID

 
LA GRIETA Y EL TIEMPO



Autor: Jacinto de Manuel. Título: Estética del fallo. Lugar: Twin Gallery ( San Hermenegildo 28, San Bernardo-Noviciado, Madrid) Fecha: Hasta el 28 de marzo de 2026.

La raya, la mancha, el trazo azaroso, la dispersión cromática en una superficie, evoca en su sencillez. Las huellas del tiempo, abandono, soledad y olvido, quedan impresas en paredes, puertas, en la estancia toda, salvadas de su anodina existencia cuando la mirada se detiene en ellas, extrayéndolas de su entorno para convertirlas en representación estética de la huella de los momentos fugaces. Una mirada sensible comprende en ellos una auténtica pieza de arte abstracto, real, incluso elegante, fuera de elucubraciones, que se quedan en muchas ocasiones en pastiches absurdos. Al ser separadas de su entorno, la mirada ajena es lo que observa, aunque en su interior inconsciente conecta con la realidad de la existencia. Me refiero aquella sujeta al cambio y deterioro, al paso etéreo en la infinitud del tiempo.
Jacinto de Manuel (Madrid, 1980) es un pintor de soberbia inteligencia, pues convierte los signos que el entorno ofrece, aquellos desapercibidos en el transcurrir cotidiano, en pieza de arte original, transmisora de sensaciones, temores y recuerdos. La grieta, el desconchón de la pared, la puerta abandonada, son elementos que el artista plasma en sus piezas, elegidas con oportunidad, ya que aisladas adquieren fuerza expresiva, significado a la mirada, convirtiéndose en intensa fuente de sugerencias cuando es observada, invitando a la reflexión sobre la inanidad del yo, el olvido a que estamos abocados, induciendo a la imaginación del espectador a retomar recuerdos del pasado, como también a crear sus propias fantasías. Una grieta en la pared, pintada en el óleo, es una imagen evocadora de todas esas ideas, incluso provoca sentimientos de misterio, curiosidad, todo sustentado en la prodigiosa fantasía que alberga nuestros pensamientos.
Jacinto de Manuel elabora un trabajo plástico elegante, por la sencillez de la puesta en escena de la imagen plasmada, ingenio por los motivos elegidos, habilidad plástica en su puesta en escena. Este artista muestra nervio inferido en su obra, poderosa dicción plástica, calidad en el acabado de sus propuestas. Ahonda en el realismo de la Pintura con una mirada original.