"ÓBICE. ANTE LA BECHA". OBRA PREMIADA DE JESÚS ZURITA

 

LA BRECHA DE JESÚS ZURITA

VI Premio a la Creación Artística “Granada de fondo”. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 8 de noviembre.

La obra “Óbice. Ante la Brecha”, de Jesús Zurita (Ceuta, 1974), ha resultado ganadora en el VI Premio a la Creación Artística “Granada de fondo”. Continúa este pintor con su proyecto plástico iniciado hace años, en torno a la Brecha, cuando expuso su propuesta con la de José Guerrero. Esta obra premiada posee un intenso sentido conceptual, transmisora de un poderoso efecto en el ánima de la mirada, gracias a la hábil composición organizada por este artista.

La brecha significa ruptura, discontinuidad, pausa detenida en el tiempo, singularidad que marca una acción que altera el reposo presumido en el futuro, cambio brusco inesperado. En la huella de la brecha, dentro de su profundidad, surgen sombras que ocultan fondos indefinidos, oscuridad misteriosa, veladora de enigmas, misterios, perpetuidad en el recuerdo. Jesús Zurita lo percibe muy bien, trasladando esta idea a una imagen densa, espesa, intensa, en la que una vegetación frondosa oculta la realidad de la superficie, la cual es un misterio envuelto en la fantasía. Dramatiza la imagen gracias a las tonalidades apagadas introducidas en la composición, sesgada toda ella por el halo oscuro, portador de dolor y ocultamiento, la cual quiere invadir la escena toda, surgiendo con ímpetu, con ánimo de controlar la imagen total.

El espectador hunde su mirada en la pieza, recorriendo la amplitud de su espacio, buscando un signo, espejismo, que la salve de la sumisión ante la imposición del muro vegetal, de los temores que la oscuridad encierra. Pero la intención escrutadora prosigue, no se da por vencida, quiere encontrar el gesto último de la verdad redentora. Va más allá de la intención inicial supuesta, pues propone el enfrentamiento de la consciencia ante los impedimentos, que a toda persona la apariencia presenta. Se revela la percepción escrutadora, quiere romper el presente, fluyendo el subconsciente hacia el tiempo definido, tomando el relevo de la razón, para internarse en la magia que envuelve el tiempo azaroso.

Es poderosa esta obra por las razones aquí expuestas, lo cual justifica su distinción como premiada.

No nos sorprende este trabajo plástico de Jesús Zurita, su trayectoria expositiva, y creadora, ya ha dado razones suficientes para comprender su calidad e ingenio técnico. Con esta pieza, se refleja la cota adquirida en el panorama artístico nacional por este pintor.

GABRIEL GARCÍA RAMOS EXPONE EN EL CENTRO CULTURAL GRAN CAPITÁN

 

HOMENAJE

Autor: Gabriel García Ramos. Título: Homenaje. Lugar: Centro Cultural Gran Capitán. Granada. Fecha: Hasta el 7 de noviembre de 2026.

Es una exposición de serena sobriedad la ofrecida por Gabriel García Ramos (Ávila, 1950), artista de interesante producción plástica, compuesta de un conjunto de piezas en las que muestra una mirada organizada según un orden geométrico, líneas, círculos y cuadrados, más algunas composiciones en las que rompe la lógica de ángulos y rectas para adentrarse en las formas caprichosas, portadoras de una simbología directa, centrada en el homenaje dedicado al gran creador granadino, desaparecido hace poco, Alejandro Gorafe. Es en esta última donde Gabriel García Ramos expone piezas de representación mínima, directas en su comprensión, portando en ellas el alma creativa de este artista. En ellas hay otras de espesa composición, collages, en las que juega con brillos y descomposiciones lumínicas, cuan destello pasajero de la existencia.

Es toda la obra mostrada en esta Sala, un homenaje a los creadores plásticos que han influido en el estilo particular de este artista, Malevich, Oteiza, Chillida, Basterrechea, Popova, Mondrián o Molinari, que no imita ni desarrolla sus estilos, sino que inspirados en ellos recorre una senda compositiva propia.

La obra de Gabriel García Ramos es en su comprensión ligera, sobria, serena, y de estructura rígida, no restringida a la quietud contemplativa, sino sometida al impulso cinético, que la mirada desarrolla. Este es el ánima que recorre el conjunto de piezas expuestas, pues en unas está encerrada la energía impresa en la organización azarosa de sus figuras, depositadas en el instante de un tránsito pleno, en otras, como aquellas citadas anteriormente, enfrascadas en los destellos luminosos, y en bastantes en el diseño arquitectónico esquematizado, en su instante dubitativo de construcción, incrementado su efecto en las series repetidas de cromatismo diverso, dándole una sensación de cambio, mutación, evolución temporal. Parece detener el movimiento insinuado en la percepción de sus piezas en los círculos, mas es apariencia, pues ellos representan el cambio interior en el reposo, profundidad infinita, sometida al ritmo de las diversas tonalidades que en ellos descansan.

El conjunto expuesto nos ofrece una experiencia visual ingeniosa, de certero efecto, logrando el artista incorporar vida en la fría estructura geométrica, ahí esta su merito, obteniendo en algunas piezas signos de elegancia. 

EXPOSICIÓN DE SANTIAGO CORRAL EN LA GALERÍA ISOLINA ARBULU, MARBELLA, MÁLAGA

 

CÓDIGOS URBANOS

Autor: Santiago Corral. Título: Códigos Urbanos. Lugar: Galería Isolina Arbulu, (Urb. Cortijo de Nagüeles, 88D, Marbella, Málaga ). Fecha: Hasta el 27 de octubre de 2026.

Ofrece una obra luminosa Santiago Corral (México, 1964), no por las claridades dominadoras de la escena, sino por el juego de luz incorporado a sus óleos. Su trabajo plástico camina por los campos de la figuración, siendo sus escenas dibujos limpios, exactos, plasmando la geometría urbana, la visualización exacta de los objetos, la frondosidad caprichosa vegetal, la bruma atmosférica, las turbulencias acuosas, el reflejo que rompe la luz en tonalidades varias. Todo ello es envuelto en un color modulado, no estridente, expuesto en un flujo sereno, que delimita las formas y se suma al conjunto, contribuyendo a conformar la atmósfera que ocupa todo el espacio. La luz es quien da forma a todo el conjunto visual plasmado en el lienzo, incorporando intimidad, asombro, encuentro, vida presente pese a la ausencia de figuras humanas. La luminosidad que transcurre en el escenario está dotada de un punto preciso de intensidad, para lograr el asombro a quien contempla su obra. Introduce elementos domésticos creando un clima de intimidad, cotidianidad rutinaria del hogar, lugar de cobijo y resguardo. Esta impresión se confronta con el paisaje que lo acompaña, distopía continua en todas las piezas expuestas. Produce un choque sensitivo en la mirada, generando tensión, curiosidad, aventura que surge en las horas inanes de la soledad del hogar, sueño envolvente que trastoca el tedio diario. Sumidos en la ignorancia, en el caparazón de la intimidad, del mundo cambiante. Es una dicotomía expresada con belleza, que el artista logra componer de forma mágica, llevando a los territorios de la fantasía a quien observa sus piezas.

Desde las fotografías que trastoca, y su inmersiones en la IA, obtiene Santiago Corral una serie de ideas que convierte en imagen original, de profundo efecto atractivo, seducción en la mirada. Es ingenioso en construir mundos distópicos, soportados en una poderosa inteligencia creativa, ofreciendo un trabajo plástico de excelente categoría y calidad artística.

HOMENAJE A JOSÉ HERNÁNDEZ QUERO

 

LA ESTÉTICA SINGULAR DE HERNÁNDEZ QUERO

Autor: José Hernández Quero. Titulo: una mirada a ayer. Lugar: Biblioteca de Andalucía. Granada. Fecha: Hasta el 30 de noviembre de 2026.

Hay pintores que poseen una impronta particular en su obra, plasmada como rasgo de un estilo propio. José Hernández Quero (Granada, 1930) es un artista cuyo trabajo plástico contiene estas características, siendo difícil encasillarlo en movimiento alguno, pues bebió de todos aquellos presentes en su trayectoria pictórica, moldeando un tipo de obra personal, original y de poderoso peso estético. Hernández Quero muestra un dominio de variedad de técnicas plásticas, elaborando composiciones de excelente calidad artística.

Su obra destaca por su pureza reflejada, limpieza visual en su apreciación, iluminación modulada propia, ajustada a la escena y la intimidad que distingue su producción toda. Son sus piezas elaboraciones sobrias, equilibradas en sus medidas, con fuerte raíz académica, primando los escenarios grises, de tiempo evanescente indefinido, sutilidad en la atmósfera que envuelve a toda la composición, magnetismo que surge de su configuración, para llenar el entorno y dotar de ambiente sensible todo el cuadro. Las ondulaciones de su presencia se perciben al ser observada la pieza, desde una postura de encuentro, y abandono fuera de toda precaución ante lo que se espera ver. Es su reflejo desprendido quien describe el cosmos encerrado en la obra, espacios simbólicos que muestran un concepto de la realidad basado en la lógica, sin olvidar la magia que subyace en toda contemplación real.

Sus bodegones trascienden el mero ejercicio de estudio, pues es el entorno introducido en ellos quien incorpora tensión a toda la representación. Lo mismo ocurre cuando aborda el paisaje. Y cuando introduce el color, lo aplica en sus tonos precisos, alejados de todo rumor visual que lo expande en su derredor, apareciendo ajustados a las figuras, recordando la pintura clásica. No quiere el pintor trasladar la realidad al lienzo, sino que la plasma como una expresión simbólica de la percepción racional que domina todo sujeto, superando las formas para exponer su realidad propia.

Propone José Hernández Quero, un mundo sumido en la fantasía de la lógica y la subjetividad del pensamiento, desarrollado dentro de unos cánones insertados en la figuración clásica, trasladada a una comprensión actual, pues está sometida al reflejo de las vanguardias, que le da luz, y sin embargo depositadas en segundo término, pues son anécdotas de la coexistencia vivida, triunfando el signo propio del artista, que ha desarrollado todas las posibilidades de su influencia original.

José Hernández Quero consigue lo difícil en la Pintura, es decir, comunicar una forma creativa original sin romper, ni renegar, con el pasado estético. Es un pintor de gran importancia en la historia plástica andaluza de la segunda mitad del siglo XX.

 

ANDRÉS APARICIO Y SU EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

SONIDOS NEGROS

Andrés Aparicio Castellano (1989, Villarrasa, Huelva) ofrece en la galería Birimbao, Sevilla, “Sonidos negros”, hasta el 28 de octubre de 2026, instalación plástica que trasciende el cuadro y materiales tradicionales en la pintura, ampliando el repertorio iconográfico con elementos desechados en la vida corriente, puertas, cartones… reelaborándolos para extender el rastro cromático en el espacio de la Sala, conformando un espacio escénico en el que invita a participar al visitante de su propuesta. Simula el artista un laberinto, idea que plasma el transcurrir diario, con obstáculos, rodeos, marcado por señales y huellas de agresiones al entorno, o signos del decorado diario en los trayectos urbanos, bajando hasta el infierno de las grandes ciudades, suburbios, zonas industriales deprimidas, símbolos que avisan, informan, o quieren representar un ritmo oculto que invade el entorno diario. Todo transcurre en un ambiente olvidado de la propaganda, y ambiente comercial, que domina la existencia de sus ciudadanos, transcurriendo, tras su brillante percepción, un mundo oscuro, invisible, insignificante, que pasa fugaz, cuyo rastro no se guardará en la memoria. Sólo quedará un murmullo informe, que da volumen al espacio negro olvidado tras el resplandeciente paisaje urbano, imagen ficticia que engaña los sentidos.

Este artista utiliza sus habilidades de carpintería para construir el entramado que sustenta su artificio plástico, donde cada uno de los visitantes añade una experiencia propia, su interés o indiferencia, creando siempre un efecto en ellos.

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SOCO VARA DE REY EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA, MADRID.

 

EL HILO DE ARIADNA

Densidad cromática intensa se agolpa en la mirada al contemplar la propuesta de Soco Vara de Rey (Pontevedra, 1945), plenitud de tonalidades oprimidas entre sí, buscando su lugar en la escena. De esta confrontación de colores escapa la esencia que conjunta toda la unidad de tonos, vibraciones de ritmo dispar, conjuntadas por el hilo conductor contenido en la esencia que da sentido a la imagen contemplada. El paisaje se sublima en la mirada de la pintora, disuelve las formas para anegarlas en el ímpetu del color, fundiéndose entre sí, no rompiendo su origen, presión que da tensión y armonía a cada pieza.

Soco Vara de Rey comprende la escena contemplada, la asume y plasma en sus lienzos, traduciendo en ellos la emoción sentida, cuando el paisaje desborda la comprensión de las formas, mediante la ruptura de las claridades solares en sus pliegues de colores. Convierte esta artista la experiencia de mirar un cuadro en aventura sensitiva, atrayendo la atención del espectador hasta disolverla en el inquieto magma de colores, queriendo navegar ajeno a la realidad lógica por los mares de la fantasía.

Estas impresiones surgen al contemplar la obra expuesta por esta pintora, signo incorporado por ella para dar fuerza e impulso a su presencia, pues sin éstas se quedaría en una composición plana y sin vida. La habilidad plástica de la artista y su pensamiento estético acertado, han logrado elaborar un conjunto de buena factura expositiva.

En la galería Orfila, situada en el número 3 de la calle que le da nombre, de Madrid, podrá visitarse la obra de Soco Vara de Rey, titulada “El hilo de Ariadna”, hasta el 26 de octubre de 2026.

VALENTÍN AGRELA EXPONE EN LA GALERÍA LA ESCONDIDA, GRANADA.

 

EL COLOR Y SU FORMA

Autor: Valentín Agrela. Título: Antes de la imagen. Lugar: Galería La Escondida. Fecha: Hasta el 24 de octubre de 2026.

¿Qué busca Valentín Agrela en esta exposición? Podrían ser muchas las respuestas. Según él, nos propone un paisaje sugerido, el recuerdo emergente en la memoria cuando se contempla alguna de sus piezas, quizá el misterio tras la bruma del color.

Valentín Agrela (Jaén, 1975) es un artista de interesante inteligencia creativa, cuya obra constituye un ejercicio de búsqueda de la esencia que define el efecto de todo signo cromático, la percepción que genera su efecto en el subconsciente, abriendo la atención hacia imágenes que se proyectan en el espacio de color. Es una experimentación continua la senda del pintor, en pos de comprender qué es lo que encierra cada tono en su interior, el efecto de la luz descompuesta en la mirada, el lenguaje sensitivo que posee, las emociones y recuerdos que suscita.

Trabaja este artista papeles confeccionados con diversas fibras vegetales, en las que contiene el color. El poder de sus tonalidades, sus heterogeneidades en la superficie que abarca, unidas a las imperfecciones del papel, sus rugosidades y vetas, hacen que las piezas contengan ánima propia, ofreciendo al espectador un campo cromático sugerente, abierto a todas las posibilidades de la imaginación, tomando en la mayoría de las ocasiones la iniciativa para proponer historias propias, haciendo partícipe a quien contempla el universo encerrado en ella, pues cada mirada añade un recuerdo, una emoción, un trazo personal que construye una imagen extraída del fondo de color da cada pieza.

Propone Valentín Agrela una obra de interesante apreciación, basada en un intenso proceso investigativo, puesta en escena con sobriedad y acierto técnico.

ONOFRE CONDE EXPONE EN LA GALERÍA BENOT, CÁDIZ

 

ARTE ENCONTRADO

Autor: Onofre Conde. Título: Arte encontrado. Lugar: Galería Benot (Cádiz). Fecha: Hasta el 7 de noviembre de 2026.

El pintor se recrea en la pintura, en la expresión intrascendente para convertirla en imagen salvada del olvido. No se fija en escenas ni objetos de armoniosa visualización, sino que plasma los deshechos de la vida cotidiana, restos de comida, utensilios de higiene o envoltorios, convirtiéndolos en centro de su propuesta plástica.

Onofre Conde compone acuarelas equilibradas cromáticamente, donde los colores engarzan sus tonos para conformar un relato conciso, simple, alojado en el silencio del olvido. En sus acuarelas disfruta el artista con el ejercicio pictórico, buscando la superación en su habilidad para plasmar el objeto elegido, jugando con superficies rugosas, brillos apagados, colores que pierden intensidad en su expansión, en una composición de apariencia sencilla. Sin embargo sus figuras encierran un intenso rastro conceptual, que trasmite múltiples conclusiones tras su visualización.

Se refleja en sus acuarelas la huella personal del comensal, la mano que aplasta la bolsa o lata, el ritmo de vida ajena al reposo, dentro de una sociedad industrial, urbana, alejada de la Naturaleza.

Dice Onofre Conde que su obra no descansa en pretensión alguna para decir algo nuevo, sino que constituye un divertimento basado en un ejercicio vital de expresión personal. Aunque yo observo que el pintor centra su trabajo en obtener una obra de superior nivel técnico a lo conseguido, producto de su indagación sobre la plasmación de la imagen auténtica, aquella que va más allá de la figuración real, incorporando el ánima de aquel que ha estado en contacto con el objeto. Esto le da fuerza en su contemplación.

Ofrece Onofre Conde un conjunto de acuarelas realizadas con destreza excelente y buen gusto estético.