XAVERIO NOS MUESTRA SU OBRA EN SANTA FE (GRANADA)

LA LUZ Y EL TIEMPO EN LA OBRA DE XAVERIO

Autor: Xaverio ( Javier Muñoz Bullejos ) Título: Una retrospectiva cuántica.1975-2018. Lugar: Instituto de América de Santa Fe. Fecha: Hasta el 20 de mayo.

Xaverio organiza en su obra la luz y el tiempo. Juega con las formas, desarrollando su imaginación ajena al orden cronológico y razón, sobre los que sustenta la luz, quien organiza el ritmo de las horas. Tras el efecto aparente de las piezas expuestas, se oculta un sustrato matérico de gran laboriosidad e ingenio, en el que el artista investiga la utilidad de los elementos aplicados, su capacidad de retener y condensar las radiaciones, ajustándolas a un ritmo cadencioso, ondulante e impreciso, que se reconfigura azarosamente, en cada lugar distinto, así como la intensidad con la que surge.

No accede el autor a este hallazgo de forma casual, sino que se deposita tras años de peregrinar paciente, acumulando destellos, haciéndolos descansar sobre un entramado intelectual de hondo calado estético. Xaverio se reinventa a sí mismo, sin abandonar la estela de la luz, el placer sensitivo que envuelve todas sus producciones, enlazadas a un espíritu de fantasía, disfrute visual gozoso. Prosigue en la senda de su incrustaciones brillantes, en la simulación de superficies de topografía accidentada, donde la mente se disuelve en viajes imposibles. Cada una de sus composiciones encierra un mundo de aventuras, evasión de la realidad, fuga hacia otro espacio indeterminado, baño de colores liberados de los haces luminosos, envuelto en un ciclo temporal, que se recompone cada vez que el observador se introduce en cada una de sus producciones. El trabajo de Xaverio constituye una propuesta en la que el espectador se evade, libera y se encierra en su interior, reflexionando sobre el sentido de la realidad, adentrándose en otras dimensiones imaginadas. No hay lugar ni tiempo, más es consciente de su momento cuando es ajeno al instante vivido, o conoce su espacio sin saber que existe el reloj. Xaverio consigue traducir en expresión plástica el pensamiento cuántico.

OBRA DE JUAN GENOVÉS EN LA GALERÍA MARLBOROUGH DE BARCELONA

NO ES TIEMPO DE INTIMIDAD

Autor: Juan Genovés. Título: Irreversible. Lugar: Galería Marlborough, Barcelona. Fecha: Hasta el12 de mayo.
 

Juan Genovés prosigue con su estudio de las aglomeraciones humanas, desde la perspectiva original que ha regido toda su trayectoria artística. Persiste el autor en la forma de abordar la escena del cuadro, insistiendo en la relación de las personas, la disolución del individuo en el impulso ideológico que mueve a la sociedad, la futilidad y variabilidad de los encuentros personales, los movimientos sociales que bailan al son del dictado político.

Es un clásico, aunque explora las diversas posibilidades, y soportes, de expresión plástica, sin abandonar del todo la idea original que mueve su obra, jugando con la creación digital.

Con el tiempo las masas humanas se van ordenando, conformando agrupaciones que recuerdan eslóganes, en modo de partitura musical que danzan según la batuta de quien los dirige. El adocenamiento incontrolado inicial se convierte en orden, el individuo somete su yo al interés general, más con el tiempo el yo no se disuelve, sino que se distingue, en su soledad formal, aunque esté acompañado. No es tiempo de intimidad, pero sin embargo la persona continúa marcando su territorio personal. Es por ello que Juan Genovés dota de mayor cromatismo a las manchas que se representa como individuos, ganando en características y detalles.

Este creador valenciano desarrolla su producción plástica sin olvidarse de su estilo personal, fiel a su idea primera. Denuncia el peligro del control social, ganando peso la personalidad del individuo, mas ésta permanece aislada.

Propone Juan Genovés una obra permanentemente fresca, de fácil lectura, visualización dinámica, nervio en la mirada, sin desistir en su crítica permanente de la realidad imperante.

 

 

MANUEL MORENO RUGER EXPONE EN EL HOTEL LADRÓN DE AGUA

EL RECUERDO AMABLE DE LA EXISTENCIA

Autor: Manuel Moreno Ruger. Título: Pinceladas nostálgicas. Lugar: Hotel Ladrón de Agua. Fecha: Hasta el 30 de abril.

El pintor traduce su fantasía en cada una de sus piezas, envolviendo en el ambiente recogido de cada cuadro el halo gozoso del recuerdo. Es un testimonio expuesto con un aroma nostálgico, transcrito con limpieza descriptiva, con un dibujo preciso, ajeno a la realidad por lo idealizado que quiere representarse. Es una imagen de sustrato geométrico, que descansa en el color, flotando en la levedad, anclada sólo por las tonalidades de gravidez liviana.

La obra de Manuel Moreno Ruger posee peso expresivo, que se difumina en la mirada en su vuelo poético, gracias al cual espolea en el espectador escenas ensoñadas, o aquellas ya vividas vestidas de fantasía.

Es una producción de impronta inocente, pero que tras ser contemplada disuelve dicha sensación para adentrarnos en un paisaje onírico, afable, donde el espíritu liberado navega explorando los rincones de la imaginación.

Manuel Moreno Ruger es un pintor autodidacta, que elabora con sinceridad, brío compositivo y libertad expresiva, ahondando en el sentido primigenio de la Pintura, desvelando su esencia comunicativa, en un soporte sencillo, básico, ajustado a una técnica propia. Mas ello no le sustrae de belleza innata, simplicidad elevada a imagen fresca, soñada, que rememora aquello que estimula el pensamiento feliz.

No representa la composición plástica de este pintor un trabajo de elaboración técnica avanzada, ni estilo original, pero la sustancia artística que ofrece posee asepsia expositiva, presentación descarnada de la idea central que mueve la luz que reescribe el mundo soñado.

Las piezas de Manuel Moreno Ruger proponen una forma de entender el recuerdo amable de la existencia.

CARLOS MORAGO EXPONE EN SEVILLA

TRAS EL BRILLO DEL TIEMPO PASADO

Autor: Carlos Morago. Título:Pinturas. Lugar: Galería Haurie, Sevilla. Fecha: Hasta el 25 de abril.

El silencio se asienta plácido en las estancias, llenando el ambiente, trasmitiendo sosiego a la mirada. Esta es la impresión que se traduce en el primer encuentro con la obra de Carlos Morago. Consigue el pintor este efecto gracias a un trabajo de gran limpieza visual, de estructura racional, centrando la atención en los espacios vacíos, rastreando la huella del paso inaprensible de sus moradores. No hay movimiento, el tiempo se detiene, sumido en la contemplación, absorto ante los sentimientos que surgen de cada una de las estancias.

Rompe el autor la fría racionalidad geométrica gracias a la introducción de elementos vegetales, que ofrecen frescor, formas caprichosas de la naturaleza, azar en el orden.

La pintura de Carlos Morago está inmersa en un profundo clasicismo, que traslada a una expresión lírica de rememoración propuesta por aquellos que contemplan sus piezas.

Las composiciones poseen equilibrio, distancia con el ambiente, quedando los vacíos elevados a rango de protagonistas, pues están impregnados de la magia del recuerdo.

Esta producción plástica es una expresión de realismo poético, expuesta por el artista de forma aséptica, como un poema de estructura rítmica formal. Solamente está configurada para ser contemplada, dialogar con el fluido que se presiente en cada una de las salas, pasillos, calles o jardines, obteniendo como respuesta el recuerdo teñido de nostalgia. Introduce paisajes urbanos, teñidos del mismo lema sometido a la soledad, y siempre observada la escena desde un punto ajeno al cuadro, representando distancia temporal, momentos ajenos a la realidad pulsante.

Carlos Morago consigue elaborar un trabajo de gran solidez compositiva, realizado con un dibujo preciso y marcado, envuelto en colores tranquilos, suaves, sin excesivos tonos disonantes, que se superponen a sombras abandonadas a la rutina del olvido. Es en este entorno donde el pintor deposita el brillo del tiempo fenecido.

MICHELE DEL CAMPO EXPONE EN ANSORENA

EL COLOR SE INTRODUCE EN LA REALIDAD
 

Autor: Michele del Campo. Título: Daydreamers. Lugar: Galería Ansorena. Madrid. Fecha: Hasta el 27 de abril.

Presenta el pintor una obra de fuerte expresión cromática, cuya observación recuerda la obra de Hopper, pero con un dibujo más preciso, logrando piezas de gran realismo visual. Recrea el autor los colores fuertes, industriales, típicos de arte pop, que conjuga con un trabajo plástico de gran clasicismo en su elaboración, concluyendo representaciones más relacionadas con las impresiones murales o ilustraciones. Michele del Campo crea un conjunto de obras donde superpone el color a la fidelidad fotográfica, de acuerdo a composiciones de fantasía real.

Michele del Campo es un artista italiano de amplia trayectoria expositiva, que desarrolla su labor actualmente desde Glasgow. Este creador plástico introduce una trama psicológica en sus producciones, creando escenas de fácil lectura a la mirada, donde el espectador se introduce en los mundos mentales de los protagonistas, descubriendo con pavor el vacío de la existencia, aburrimiento, hastío, rutina reproducida continuamente, que cohabita en un ambiente relajado, placentero y consumista. Desarrolla Michelle del Campo un entramado compositivo sin sobresaltos, inmerso en la cotidiana sucesión de momentos irrelevantes.

Conjuga este autor el color intenso, de gran atractivo en su contemplación, el cual produce un entorno cálido, tranquilo, anodino, íntimo y envolvente, con un dibujo preciso, cuyas imágenes parecen raptadas de la realidad, más el componente crítico, inteligencia introducida en el cuadro, que describe por sí misma la historia que sustenta la composición. Destaco las miradas de los personajes, sin brillo, ciegas a su entorno, ajenas a la luz del momento.

Esta exposición es muy sugestiva, fresca, luminosa y de gran calidad.