CARINI EXPONE EN LA SALA SANTIAGO COLLADO

EL ARTISTA ESCRIBE EN COLOR

Autor: Miguel Carini. Título: El poeta cara a cara con la Luna. Lugar: Espacio de Arte Santiago Collado Fecha: Hasta final de mes.

La musicalidad del texto es plasmada en el papel con otra grafía más intensa, mediante colores, formas sinuosas, imágenes evocadoras, trazos rotundos o diluidos. Aunados en una composición crean una sensación profunda, que trasciende la literalidad del párrafo, o verso, olvidando el significado primero de su comprensión, para pintar el espíritu de escenas recordadas, que enriquecen y modulan el ritmo íntimo que columpia las ideas.

La obra de Miguel Carini consigue producir este efecto, gracias a la conjunción del colorido exuberante que el autor consigue imprimir en sus piezas, con un dibujo preciso, limpio y directo donde relata la figura sentida, su profunda sensibilidad  y la maestría técnica que alcanza al trabajar el grabado. Esta concurrencia de habilidades consigue expresar una producción de elegante presentación, buena factura técnica y gran valor artístico, acompañada de un excelente valor comercial. Todo ello justifican el oficio de pintor.

Carini logra desarrollar un entramado cromático profuso, intenso, apasionado a veces, delicado y tímido cuando procede. Sean con los arrebatadores rojos, morados, y azules poderosos, seduciendo la mirada en un torbellino de sensaciones desbaratadas, presas de la  idea descrita en el poema. Es una postración ante el  peso del color, que simula la atracción ejercida por el texto. En otras aligera la atención para elevarla a mundos fantásticos, a espacios plenos de emociones, tal y como el contenido escrito sugiere. El artista escribe el color. Refleja el eco que la impronta literaria de sus escritores favoritos han ocasionado en su ánimo.

La linealidad envolvente, sensual, grave cuando quiere, del dibujo, o indiferente, crea tiempos y silencios en la escena, organizando la composición para inferir tonalidad a la comprensión del grabado.

Pero sería difícil al no iniciado conjuntar, y organizar una obra así, en un grabado, pues hay que tener la suficiente pericia para hacerlo. Miguel Carini  muestra su capacidad gracias a su ingenio y horas de laboriosa búsqueda, siendo el resultado una propuesta original, bella y valía plástica.

Consigue Carini elaborar una muestra de bella visualización, portadora de un trasfondo intelectual poderoso que desemboca en una sensibilidad desbordante.

La Sala de exposiciones Santiago Collado acierta en la elección de esta exposición.

EXPOSICIÓN DE MARIO PERTÍÑEZ

EN UN RINCÓN DE GRANADA

Autor: Mario Pertíñez. Título: Granada infinita. Lugar: Centro de Arte Joven Rey Chico. Fecha: Hasta el 22 de diciembre.

Un trazo rápido, suave, preciso y lúcido, desvela la imagen de un rincón tradicional de Granada. Surge cadencioso, sin espectacularidad, depositándose apaciblemente en la retina. Los colores usados por el autor introducen una tensión interna en la obra, que se desvanece en el sonido interno que fluye en cada pieza. El frescor de azulados y morados se contraponen con la árida calidez de ocres, verdosos claros y marrones, siendo en algunos predominantes, pero expuestos con tal levedad que se confunden en la memoria de la rutina, asimilados a la mirada cotidiana personal.

Mario Pertíñez prosigue en su trabajo de exploración pictórica, ahondando en la figuración costumbrista, descubriendo las entrañas de la composición, la fuerza de los elementos de su estructura, que organizan una escena que conecta con el espectador. Su pintura es ágil, de cromatismo no estridente, que gusta del sosiego y contemplación. Es rápida por su ejecución, mas el pintor se centra en el lenguaje simbólico de las formas, del color que transcribe las radiaciones del lugar, descrito en un tono íntimo y apagado, como un relato de la intrascendencia que continuamente nos rodea, logrando expresarlo acertadamente en sus cuadros. Mario Pertíñez aporta frescura, dinamismo, elegancia y actualidad a su producción plástica, expuesta algunas veces desde perspectivas audaces, que ponen en aprieto al artista, pero cuya resolución va dotando de mayor sabiduría técnica a su proceso creativo. Mario Pertíñez  camina hacia una maduración plástica que promete obras de gran valía.

M.J. ROJAS EXPONE EN EL HOTEL LADRÓN DE AGUA

LOS TRES ESTADOS DE LA PINTURA

Autora: María Jesús Rojas. Título Entre dos caminos. Lugar: Hotel Ladrón de Agua. Fecha: Hasta el 21 de diciembre.

Un camino hacia la encarnación del dibujo es el propuesto por María Jesús Rojas. Consta de tres apartados según sea la planta del Hotel donde se exhiben sus obras. Es un trayecto donde se reflexiona sobre la importancia del dibujo, su esencia conceptual para mantener la solidez de la propuesta, evitando caiga en el vacío de las representaciones formales carentes de espíritu. Es lo que imprime el sello de un trabajo artístico.

Parte del trasfondo anímico de una obra de arte hacia la comprensión de su significado, y la literalidad cromática inicial que aborda al espectador, cuando emprende la aventura de disfrutar el contenido de una pieza.

M.J.Rojas inicia su muestra con cuadros sencillos, sintéticos, limpios, pero profundos en significado. Lorca, Juan Ramón Jiménez, Falla, Platero, aparecen libres de las ataduras del color, sólo en blanco y negro, siluetas engarzadas que le confieren forma, alma y vida. Están allí, definidos en el contenido preciso de un trazo profundo, amplio, desarrollado con brava pasión. Es una grafía simbólica que encierra un extenso relato sobre los personajes reflejados. Enseña la pintora su sensibilidad y capacidad artística.

En la planta siguiente M.J. Rojas completa las siluetas con tonalidades de variada gama, atrayentes, cálidas, envolventes y vitales. Se explaya en el detalle del dibujo, en la habilidad de la representación plástica de los contornos, sean bodegones o composiciones de estudio. Incorpora una luz delicada,  que vibra en la retina acompasada, sin querer romper la tranquila contemplación.

La tercera planta contiene piezas envueltas en un festival lumínico, impregnado de un color denso, sólido,  que ancla la escena en un mundo ensoñado, atractivo a la mirada. Es un universo romántico, de apariencia sedosa y bella.

Constituye esta exposición una lectura de la realidad, que se muestra inicialmente compleja, real en sus formas después, y desnuda y simple en su intimidad.

Inteligente, comercial, hábil en el desarrollo de la composición, aparece la propuesta plástica de María Jesús Rojas.

EXPOSICIÓN DE JESÚS DÍAZ MENÁRGUEZ

EL ROCE DE LOS DIOSES

Autor: Jesús Díaz Menárguez. Título:In-Acua. Lugar:Galería Artexpontáneo. Fecha: Hasta el 12 de diciembre.

La forma desvanece la silueta, para convertirse en fluido de color, azulado en todas sus tonalidades, verdes cristalinos que se desvanecen hacia el turquesa, rememorando el misterio, atracción y magia que su visualización cambiante produce.

Jesús Díaz Menárguez persigue el duende que anida en el agua, escondido en sus formas caprichosas, azarosas y distintas cada mirada. Es una experiencia de búsqueda a través del transcurrir líquido.

Centrar la atención en el agua sugiere muchas ideas, recuerdos, sensaciones, viajes e historias llenas de cadencioso ritmo temporal, sumido en la tranquilidad de un zambullido, en el rumor de su transcurrir, en la melancolía de un día de lluvia, cuando las gotas salpican el charco, caen por el cristal de la ventana, o recorren nuestra cara. El pintor procura que estos sentimientos afloren, se introduce en el mundo místico de su genio, fuerza vital que contiene nuestras vidas.

La producción presentada extrae el contenido del contexto para expresarlo único, como figura original que bien podía ser una obra abstracta o una pieza impresionista, mas todo es real, pues constituye el reflejo auténtico de instantes intrascendentes, olvidados por la insignificancia que la rutina propone, siendo el alma sensible del autor plástico quien la salva de la visión mediocre, para exaltarla como objeto de reflexión sobre la belleza encerrada en lo insignificante. Hay que tener en cuenta que la belleza es el resplandor que luce en el objeto más simple que podamos imaginar, pues es el resultado del roce de los dioses.

Las composiciones mostradas por Jesús Díaz Menárguez, constituyen un conjunto sólida categoría plástica.

NOEMÍ MARTÍN EXPONE EN MILENIUM GALLERY

MEMORIA DE VANIDADES

Autora: Noemí Martín. Título: Un paseo por París. Lugar: Milenium Gallery. Fecha: Hasta el 11 de diciembre.

Tras la contemplación de un cuadro la imagen se disuelve, quedando colores, siluetas, ideas y escenas grabadas en el recuerdo. La composición se deshace para quedar un sustrato de color, emociones, sensaciones e historias evocadas. La sustancia de la mirada queda en la memoria, con el ánima de la pieza contenida, absorbida e incorporada por el espectador. Según sea su fuerza suficiente, creará una impronta de magnitud proporcional a la tensión que su observación genera.

La obra de Noemí Martín contiene un susurro cromático pegadizo, que se adhiere al pensamiento para recitar el ritmo melancólico que su visión suscita. Libros cubiertos por el polvo, muchos de ellos huérfanos largo tiempo de las manos del visitante, depositarios de textos con energía propia, son reflejo de las horas de transcurrir y trascendencia de sus autores. Cada libro contiene la experiencia mágica de una vida, más leve, profunda o transmisiva que el creador quiera expresar. Estas esencias inundan el ambiente, que aparece en concordancia con el lomo ajado de los tomos que en la estancia están, originando un clima de misterio, romanticismo, arcanos ocultos que se diluyen entre los efluvios de la etereidad temporal.

Lo mismo ocurre en la representación de cafés y galería en las piezas, sumidos en un sopor cálido, ajeno al reloj, contenedor de las inquietudes, expectativas y estados de ánimo de aquellos que han deambulado por sus espacios.

La pintora representa una mirada tranquila del pasado que se pierde, de la vanidad de las ideas consideradas importantes en su momento, de la impregnación que se deja en los lugares habitados, mostrando la intrascendencia de la existencia. La autora intenta rescatar del olvido una forma de vida considerada más amable, alejada del sumidero en el que se ve avocado todo relato vital en la actualidad.

Noemí Martín representa el concepto que estructura su trabajo plástico, de forma descriptiva sencilla, con colores apagados, con un trazo cerrado en sí, sobrepasando el dibujo para construir la intensidad de la radiación, que trasporta el sustrato del genio que anida en el cuadro. Lo hace de forma apacible, sosegada y elegante. Gustan sus obras de ser visualizadas, ante el resplandor de instantes maravillosos que conectan con el sentimiento de quien se sitúa ante ellas.

Exposición sugerente, y de gran valía comercial, es la propuesta por Noemí Martín.