OBRAS DE ANTONIO R. ESPINOSA

LOS PLANOS DE LA VIDA

Vuelve a exponer de nuevo Antonio R. Espinosa, mostrando una obra de intenso colorido e intrincado dibujo. El autor continua en la senda de expresión apasionada, desarrollando en sus piezas planos discontinuos de color, de engarzada policromía en muchas composiciones, en las cuales flotan estructuras geométrica de tensión aguda, trasmitiendo el nervio que se encierran en el interior de la idea plasmada. Expone el autor su mirada en la representación de construcciones lineales henchidas de presión interna, de las cuales se escapan murmullos sugeridos, vida hirviente, desesperada a veces, o si no sumida en plácidas noches tibias de un exuberante oasis, cuando la tensión es liberada por el color. Los grabados y pinturas, expuestos en el Centro Cívico Albaycín, oscilan entre la serena ensoñación de ciudades reflejadas en las historias fantásticas, y aquellos recintos usados como refugio o retención. Describe la idea, que sustenta la propuesta artística, a través de planos envueltos en un cosmos de color, usado como lenguaje sensitivo en el relato descrito en ellos. En esos halos cromáticos se dibujan líneas y ángulos en las formas, en ciertos momentos retorcidos y laberínticos, que juegan combinados con curvas o la solidez de los círculos, según quiera comunicar el tranquilo transcurrir de las horas ensoñadas de la madrugada, o el desasosiego y desesperanza de la existencia adocenada. Denuncia el exilio, la perdida del paraíso mitificado, el presente perdido en la huida por la vida de los que emigran de la guerra. A.R. Espinosa relata muy bien el contendido de su obra plástica, gracias a los títulos dados a cada pieza, que aunados con las representaciones dan fuerza a su comprensión. El artista en esta ocasión centra su mirada en la geometría de las formas, aligerando tonos, suavizando el lenguaje, obteniendo como resultado un trabajo de buena factura plástica. Con el título OK ULTO da nombre a su propuesta, que podrá ser visitada hasta el 13 de mayo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ALEJANDRO GORAFE EXPONE EN LOS CONDES DE GABIA

EL NERVIO DEL TIEMPO

Autor: Alejandro Gorafe. Título: El silencio de los objetos. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 3 de julio.

Es una obra que se decanta hacia la esencia del espacio comprendido, cuando es perturbado por la presencia de la materia. La línea rompe el equilibrio visual del vacío, crea un contorno sometido a su influencia, se sugiere un plano. Cuando el autor se adentra en la tridimensionalidad de las trayectorias genera un volumen presentido, campo empapado de la tensión de las formas.

Alejandro Gorafe define un trabajo escueto, repetitivo, atormentado por las horas de esfuerzo invertidas, limitándose a la estructura básica de los contornos, el símbolo icónico que define la dimensionalidad de la existencia. A través de sus alambres, nudos, tensiones, laberintos, ensoñaciones plasmadas en estructuras etéreas, define la energía que trasmite la materia manipulada en el espacio envolvente, dejando una huella sonora que resuena en una oscilación sin fin. Es un mantra que no cesa, se presiente, logrando componer la paradoja del sonido expresado como silencio, solo la materia, sutil y tensionada, siendo el espectador quien infunde con su participación fuerza a la composición. Muestra su obra en volátiles esculturas, reducidas a la mínima expresión, descarnadas al máximo, trazo plástico que encierra un profundo significado creativo. Alcanza Alejandro Gorafe expresar el resplandor presentido de lo creado en una forma desnuda, la cual contiene una intensa labor conceptual, honda inteligencia, madurez artística y arduo trabajo.

Consigue el autor presentar una propuesta que invita a la reflexión, en un sosegado transcurrir de monótono susurro interior, liberando del entorno. El trabajo se convierte en meditación, en ruptura de la rutina para perseguir el resplandor de la vida, consiguiendo el escultor incluir en su aventura la atención del espectador.

Alejandro Gorafe avanza un paso más hacia la expresión fugaz de las formas, buscando la sustancia que da propiedades al espacio, la vibración de la existencia, el pulso de los momentos. No rompe con la obra anterior, sino que la asimila y extiende hacia la destilación del concepto, consiguiendo expresar el nervio del tiempo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

JUAN CORREA EN LA GALERÍA MARLBOROUGH (MADRID)

ESENCIAS DE JUAN CORREA

Autor: Juan Correa. Título: 'Caementum Coloris'. Lugar: Galería Marlborough.(Madrid) Fecha: Hasta el 7 de mayo.

Chispeante, rítmica, abriéndose los destellos en formas evanescentes de fugacidad presentida, aparecen las imágenes de Juan Correa. Los cuadros aquí presentados desarrollan una melodía suave, plácida, elegante, mostrando un océano de colorido uniforme, sometido al vaivén de sus densidades, sobre el cual flotan fragmentos de trozos de color, intensos y rompedores del silencio cromático, generando tensión interna que transfiere nervio a la composición. El pintor propone planos de color superpuestos, azarosos, en cuyo caos estructuran formas de fantasía presentida.

Juan Correa controla los tiempos del color, el pulso de su consistencia, dirigiendo el flujo de su deambular por el plano pintado. Es un movimiento envolvente, y sugerente, el generado en la obra, logrando crear el efecto de sedoso transcurrir en su contemplación. El artista trasmite elegancia, sabiendo organizar los tiempos guardados en su paleta, que van liberándose en un son seductor, introduciendo al espectador en la danza de los tonos.

El pintor libera las formas, las evapora, superando las líneas y contornos, para centrarse en la fuerza de las tonalidades impresas en la pieza, que palpitan susurrantes. Juan Correa trasciende la figuración hacia el espíritu del color, sospechándose siluetas presentidas, mas el autor deja su adivinación a la sorpresa del hallazgo del espectador.

El conjunto mostrado en esta galería posee calidad, clase pictórica, destacando el creador plástico las posibilidades que la materialidad de los tonos contienen. Juan Correa se introduce en la esencia de la Pintura.

 

HOMENAJE A PEPE ARRABAL

PEPE ARRABAL

Autor: José Arrabal. Título: José Arrabal y su mundo. Lugar; Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 21 de mayo.

Pepe Arrabal es homenajeado a través de su obra. Se muestran un conjunto de piezas de elaborada composición, impresión de tiempos, pensamientos, en largas tardes de soledad, encerrando un universo complejo y laberíntico. Cada obra tomaba forma según avanzaba en su peso geométrico, aumentando el misterio interno que aguardaba, los acertijos que iban surgiendo en sus ángulos y sinuosidades, escondiéndose los genios, que en éstas afloraban, en las sombras de la tinta concentrada. La obra de Pepe Arrabal, que podrá ser visitada hasta el 21 de mayo, es de apariencia sencilla, pero engañosa, pues al ser contemplada con detalle encierra un entramado espeso, cabalístico, atrapando la atención para difuminarla en sus derroteros sin fin, espacios geométricos que se repiten y reflejan continuamente, rompiendo el tiempo racional para liberar el entendimiento del entorno. Son mandalas de inicio intrascendente, que toman autonomía y cuerpo propio al ser concluidos. En ellos se encierra parte de la energía vital del autor. Pepe Arrabal estaba sumido en esa acción perenne de construcción de sus mandalas, creados sin fin expositivo alguno, sino como forma de estar, de reflexión profunda sobre el sentido del tiempo y la existencia, meditación ilógica diseñada con la razón matemática. Siempre sumido en esta labor pasaba las horas, siendo la estampa recordada enfrascado en esta reflexión plástica.

Su figura trasciende la obra presentada, pues fue un impulsor del Arte más actual en una Granada centrada en otras formas académicas, organizando un espacio de libre expresión, de reflexión estética, encuentro, diálogo y colaboración plástica. En eso convirtió la galería Arrabal y Cía, lugar donde se expone su obra. Las piezas presentes nos enseñan la faceta más íntima y personal del artista, su honda contemplación sobre el sentido de la vida, acertijos aparcados en los rincones de los caminos intrincados de sus mandalas. Pepe Arrabal era una buena persona, amante del Arte y mejor amigo. Su obra posee un gran interés.

 

LA OBRA ANTONIO MOSCOSO EN EL MUSEO DE BELLAS ARTES DE GRANADA

EL RECUERDO DE ANTONIO MOSCOSO

En el Museo de Bellas Artes de Granada, hasta el 29 de mayo, se exponen diez cuadros del pintor granadino Antonio Moscoso (Granada, 1923-2006). Las obras presentes son de magnífica factura, muy bien seleccionadas, haciendo justo homenaje a la valía plástica de este gran artista.

Las piezas mostradas nos relatan un trayecto de superación, y búsqueda estética, hacia la esencia del paisaje, el peso del color, la esquematización de la imagen. En su viaje compositivo, Antonio Moscoso aligera el equipaje cromático de sus lienzos, reduciendo su variedad. Inicia el camino desde las oscuridades, y color espeso, de los cuarenta, obras que no están presentes, hacia elaboraciones geométricas, de colorido suave, en las dos décadas siguientes, que quiere ser monocromo, ordenado y repetitivo, de sensaciones armoniosas y optimistas. En algunas contrapone la rigidez de la línea a la sinuosidad sensual de la curva. En los setenta deshace las figuras, se sumerge en el color, con trazos gruesos, espontáneos, justificados en sí mismos. Su deambular azaroso se convierte en energía liberada que quiere ahondar en el sentido de la apariencia de los objetos. Aflora en los ochenta la figuración en su producción artística, surgiendo vibrante, en tensión con otras formas, esquematizando el pintor los contornos, conteniendo el color, cuya impronta se hace más presente en el blanco del lienzo. Consigue una creación plástica dinámica, fresca, que refleja el caos, ruidos, cambio y relatividad de la vida moderna, mas el autor consigue impregnar sus composiciones de armonía interna. En los noventa reduce la paleta, condensa los tonos, geometriza las siluetas, simplifica las figuras, convirtiendo sus piezas en grafías icónicas, que describen el devenir de las grandes urbes. Antonio Moscoso traslada su creación plástica desde la estética de los cuarenta hacia modos originales, y actuales, de entender la representación figurativa, siendo su producción pictórica de elevada calidad estética. Transforma su pintura a través de la pintura.

 

 

 

MANUEL BARAHONA EXPONE EN MILENIUM GALLERY

LOS GIROS DE BARAHONA
 

 

Autor: Manuel Barahona. Lugar: Milenium Gallery. Fecha: Hasta el 5 de mayo.
 

La vida tranquila reluce en la obra de Manuel Barahona, deslizándose en cada una de sus piezas el gozo de la existencia, en un medio alejado de ruidos, sin prisas, recorriendo los momentos acompasados de la Naturaleza.

Los personajes reflejados en sus cuadros viven ajenos a la composición, están en ellos como aprehendidos por sorpresa, entregados a sus labores agrícolas. Crea el autor un clima agradable, bañado en resplandores cálidos, de tibias sensaciones producto de sus caricias. La luz recorre trasversal la superficie de la obra, vestida de dorado, con una vibración tímida, que no quiere romper el silencio de los campos.

Las figuras situadas por el pintor son sólidas, recias, de contorno pulido y piel áspera presentida. La rotundidad suave mostrada se inserta en un decorado bucólico, cuya lírica canta los tiempos sencillos, de una sociedad que vivía acorde con su entorno natural. Los colores usados por el artista son ricos, variados, que flotan sobre verdes, ocres, azules tenues y vetas amarillas, naranjas o cobrizas. Se crea un conjunto plástico complejo, de atractiva contemplación, salvando la mirada castiza para proponerse como imagen con personalidad propia, que insinúa decantarse hacia la ilustración contemporánea, pero regresando siempre hacia el origen de una forma de pintura clásica, actual y ofrecida con descaro y desparpajo, conclusión de la seguridad que el dominio del color, de la composición equilibrada y la puesta en escena del tema sugerido, el pintor contiene.

Manuel Barahona gira sobre sí mismo ofreciendo un trabajo fresco, sin moverse de sus postulados estilísticos iniciales. Posee un trazo sinuoso, de paleta consolidada y rica en lenguajes cromáticos, siendo el resultado la obra presentada en esta exposición.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

CALCOS DE AGUA DE A.J. MEZCUA

CALCOS DE AGUA

Autor: Antonio José Mezcua López. Título: Calcos de Agua. Lugar: Hotel Gart-Anat. Fecha: Hasta el 30 de abril.

Paisajes fantásticos de formas presentidas son plasmados en el cuadro, en un laberinto cromático inestable en su marejada, en cuya rizada superficie se expande un colorido suave, algunas veces etéreo, rasgados por vetas de rojizos poderosos, ocres, verdes y dorados, en plena organización imposible, plasmados en su estado de romper la apariencia azarosa.

Antonio José Mezcua López expone en el Hotel Gart-Anat una propuesta sugerente, de tranquila contemplación, serenas estampas que decoran, trasmiten belleza, y se expresan sencillas. Pero esta simplicidad esconde un intrincado proceso creativo, indagador sobre la esencia y posibilidades del color, de trabajo concentrado y transformación personal del pintor. Persigue el artista trabajar la “musicalidad del color”, como él mismo dice.

Surge esta obra de la aplicación de la estampación en agua o papel, utilizando como soporte papel de arroz, y tinta china para delimitar los contornos. El artista en algunas obras retoca la imagen utilizando la técnica china del pincel ordenado (gongbi) ajustándose a un manejo hábil y delicado del material soporte, obteniendo estampaciones. Juega con el azar en el resultado esperado, siendo ilusión sólo pues el autor, introduciéndose en la variabilidad del resultado, intenta reconducirlo en el seno del color hacia el proyecto deseado, sin romper las reglas que rigen el camino natural iniciado, ajustándose a las reglas de la filosofía taoísta.

El pintor no manipula la disposición final de los colores en el cuadro, sino que insistiendo en el azar logra obtener estampaciones con fuerza propia, limitándose a describir con su pincel la forma final que da sentido a la finalización del proceso iniciado. A.J. Mezcua López consigue obtener un conjunto plástico de gran sutileza, y delicada configuración, que invitan al espectador a penetrar en mundos fantásticos ebrios de belleza.
 

 

 

 

 

   

 

LAS FISONOMÍAS DE RICARDO GARCÍA

CONTRA EL OLVIDO

Autor: Ricardo García. Título: Fisonomías. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 2 de mayo.

Es una instalación ingeniosa, donde el autor desarrolla su concepto involucrando al espectador. Es una reivindicación de la víctima, contra la intolerancia a la diferencia, religiosa, política o racial. Ricardo García organiza un montaje limpio, con austeridad, jugando con las aportaciones de los visitantes y proyecciones audiovisuales. La maquina de escribir escribe, escribe….no para, pues las historias del dolor, del olvido, de la injusticia son infinitas. Trata el autor visualizar la injusticia, el dolor, sin pretensiones de venganza o denuncia, buscando sólo el rescate del olvido, vapulear las conciencias para hacerlas partícipes de la futilidad de la existencia, de la presencia perenne de la injusticia.

En esta propuesta, en los Condes de Gabia, organiza Ricardo García hábilmente los espacios de la Sala, exponiendo en una de las paredes las aportaciones de aquellos espectadores que quieran expresar sus últimas voluntades, pensamientos, deseos, denuncias...antes de la extinción, quedando tras ellos la memoria impresa en papel. El creador plástico las rescata y cuelga en el muro, nunca mejor descrito, quedando su memoria allí, compartida para todos. Sobre esta composición de recuerdos, se proyecta el rostro de los olvidados, jugando con formas variables, extrayendo del azar la faz de las víctimas.

Ricardo García logra presentar un trabajo de honda intensidad, poderoso en su expresión íconceptual, impactante tras su contemplación, comunicando nítidamente su denuncia hacia la intolerancia y la uniformidad, ofreciendo un canto a la diferencia.

El artista obtiene una representación plástica interactiva, que por sí sola va enriqueciéndose, tomando vida propia, aunando imagen y representaciones gráficas dejadas por el público, en sus cartas y dibujos. Interesante exposición.