CIRCUITOS 2016 EN CAJA RURAL DE GRANADA

CORTOCIRCUITO EN LA SALA

Autores varios. Título: Cortocircuito. Lugar: Sala de exposiciones de Caja Rural de Granada.

Un colorido rotundo, exuberante, de intensidad visual, desarrolla su presencia en la Sala, a veces en exceso, producto de la intención de los autores de mostrar su capacidad plástica.

Prima la figuración sobre las composiciones abstractas, éstas últimas situadas en la búsqueda de un motivo de creación sólido. Todas las obras presentes están unidas por un expresionismo desbordante, situando la escena en la soledad de la persona, en el laberinto de la existencia, apareciendo rostros, torsos, figura ensimismadas en su devenir cotidiano, en otras la huella del alma. La instalación posee una fuerte impronta grafitera, abierta a las sugerencias del espectador, pues no posee de forma intencional conclusión intelectual alguna, sino que las piezas están dispuestas para que el público infiera en ellas, sacando su idea propia; el concepto de participación, de integración en el tema de la obra, recorre la estructura central de todas ellas. Los colores usados son principalmente primarios, industriales, estando algunas producciones sujetas a una cierta estética pop.

Participan en esta propuesta Nico Avilés Silveyra, Fernando Calderón, José Carlos de las Heras, Isabel González, Cristian L. Prado, Adrián Robaina y Germán Zayas.

Aunque todos poseen un prometedor futuro artístico, me han gustado, en especial, las obras de Nico Avilés Silveyra, dinámico, actual, de recuerdo muralista, centrado en las vivencias del joven actual, en sus inquietudes intimas. También señalo a José Carlos de las Heras, pues ahonda en el gesto, en el lenguaje cromático, es hábil en el oficio plástico, rico en imágenes sugerentes, más comedido en el uso excesivo del color, ofreciendo destellos de calidad. Igualmente la de F.A. Calderón Rueckert, es muy técnico, amplio en el uso de los diferentes materiales, medios y texturas, penetra en el perímetro del retrato para conseguir que pueda aflorar el misterio de la imagen. De C.L.Prado he de añadir que posee una dicción sutil, de asentada paleta, conjugando muchas características de todos los anteriores.

Las creaciones presentes, en esta Sala, muestra la excelente labor formativa de la Facultad de Bellas Artes de Granada.

 

 

 

 

 

 

 



Nico Avilés Silveyra

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

José Carlos de las Heras

 

 

 

 

 

 

 

Germán Zayas Cabrera

 

 

 

 

 

F.A. Calderón Rueckert

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cristian L. Prado

 

RETRATOS DEL FLAMENCO EN LA SALA ZAIDA

LOS DUENDES DE MONTI

Autor: Francisco Sánchez Montalbán. Título: Seres Duendes, retratos del Flamenco en Granada. Lugar: Sala Zaida de Caja Rural de Granada. Fecha: Hasta el 23 de julio.

La fotografía roba el alma. Esta es la creencia de las tribus sujetas a la cosmogonía mágica, que aún conversan con dioses y genios. Comprenden maravillosamente bien el significado de la imagen, el halo desprendido por el rostro, la fuerza que empapa la mirada. Aunque en la mentalidad racional imperante se desconozca este hecho, sí produce efecto en todos nosotros la contemplación de una fotografía, surgiendo un no sé qué difícil de explicar, pero sentido al visualizarla. Hay fotógrafos que depuran los elementos accesorios de la escena para penetrar directamente en el núcleo del personaje, en el esqueleto de su espíritu, despojándolo ante la mirada para descubrir el secreto de su energía, la magia del arte encerrado, la complejidad de la persona. El autor va más allá de ser un mero usuario de la máquina, incluso de utilizarla como herramienta de producción artística, convirtiéndola en soporte de la intuición plástica, sometida a una sensibilidad atrapada por lo extraordinario, que sabe captar la genialidad del sujeto, explicando el porqué de su magnetismo.

Éste es el caso de la exposición comentada, donde Francisco Sánchez Montalbán describe, a través de los personajes retratados, el arrebato, la soledad, el intimismo que subyace en el cante jondo, como declamación que interpreta el ritmo de la vida, el son de la creación, la danza del tiempo. Es recogida, personal, poética y vital.

Francisco Sánchez Montalbán construye un universo poliédrico con los retratos expuestos. En blanco y negro, simplicidad descarnada que se aventura en el laberinto de cada historia reflejada. Los ojos, la pose, el rostro, conforman el rasgo del carácter, preso del duende flamenco, sometido a la sobriedad de su pasión. Estos destellos se extraen al mirar su producción plástica, que hace olvidar el objeto fotográfico para dejarse llevar por el relato de cada pieza, organizando todas el significado del duende, el temblor que subyace bajo el cante, el impulso que introduce en los corazones la oscuridad de los sentimientos, el dolor de la existencia, la hondura del deseo, el trasmundo de las pasiones. Lo consigue el artista con pulcritud descriptiva, habilidad en el manejo de los instantes, oportunidad en su captura, musicalidad en la expresión. Monti se supera así mismo.

 

 

 

 

 

Fotografías  procedentes de la página Facebook de F.J. Sánchez Montalbán.

 

COLOR EN ARRABAL&CÍA

EL ABRAZO DEL COLOR

Autores: Berta Mesa y Jordi Ribas. Título: Calle del Viento 9. Lugar: Galería Arrabal&Cía. Fecha: Hasta el 9 de julio.

El color invade la mirada, hunde el pensamiento, confunde el tiempo, enredando la existencia en un intricando laberinto que simula salidas falsas, abrazos cromáticos, intensidad ebria de tonalidades palpitantes.

Así podría definir la esencia que envuelve la planificación de esta instalación estética. Con plena fuerza la variedad de gamas de la paleta se derrama en el entorno, en papeles extendidos que acotan la libertad del espacio, creando corredores quebrados, caóticos, en los cuales se interna el espectador para bucear en el seno de los colores, que se escapan por las brecha de las olas rompientes de la luz.

Berta Mesa y Jordi Ribas proponen un trabajo original, de poderoso efecto visual, desarrollado para el goce de los sentidos, el arrebato de la razón, en el fragor del torrente de radiaciones que arrastra la mirada, en el espacio intemporal creado en esta trama plástica. Los autores poseen inteligencia compositiva, mostrada con frescura, sin alambicados innecesarios, organizando una obra interactiva compartida con el visitante, llena de claves poéticas, pensamientos y reflexiones, siendo el espectador elemento dinámico del montaje, parte de su transcurrir, resultado del arte colaborativo en su configuración final. Ambos artistas parten de la action painting, aplicada con furia, pasión pictórica, en un proceso de festividad orgiástica de elaboración plástica, vibrando las tonalidades gracias al impulso vital depositado en su construcción.

Es sugestiva y agradable esta experiencia, moduladora del nervio sensitivo, describiendo bien el concepto de pintura realizada para la experiencia común del público, disfrute compartido generador de sensaciones propias, unificador de los sentidos fusionados por el color.

Berta Mesa y Jordi Ribas han logrado plasmar la idea del arte en acción, trabajado como disfrute, participación y alegría lúdica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LAIA ARQUEROS EXPONE EN EL CARMEN DE LA VICTORIA

LA DIOSA SIN VELO

Autora: Laia Arqueros Claramunt. Título: El jardín de la casa de la Rue Jacob. Lugar: Carmen de la Victoria. Fecha: Hasta el 8 de julio. Comisariada por Belén Mazuecos.

La diosa madre imprime su presencia en la obra de Laia Arqueros. La instalación presentada por esta autora es una profunda reivindicación a la igualdad de género, expresada de forma directa, rotunda, sin duda en su interpretación. A través de piezas cerámicas e ilustraciones, nos describe la simbología de una lucha por la superación de las barreras discriminadoras de género, tomando como idea central la Academia de la Mujer, fundada en París por Natalie Barney en la Rue Jacob, que da título a esta propuesta artística.

Laia Arqueros ejecuta su proyecto con un relato preciso, descarnado a veces, utilizando una visión descriptiva del peso de la feminidad en la sociedad, indagando sobre el sentido de su importancia en la antropología mediterránea. Se denota esta narración en las imágenes adoptadas por esta creadora plástica, rescatando formas minoicas, yendo más allá de su expresión, pues ahonda en su origen, en el tiempo mágico del predominio de la diosa madre, cuando el matriarcado era la base de la organización social del Mediterráneo. Presenta la recuperación de la deidad femenina como un periodo de la Humanidad desde el cual pueden corregirse las desigualdades actuales.

La autora toma sus formas artísticas de la cultura del Egeo, moldeándola, dotándola de ritmo, estilización, sublimación sensitiva, modulada según un transcurrir apacible, constante y ondulante. Es una ola acompasada en un suave son.

Sus grabados utilizan un lenguaje visual directo, que por explícito a veces no provoca ya en estos tiempos, siendo un relato fácil, sin complicaciones, establecido con sencillez y útil para desgranar la idea central de la muestra, consiguiendo trasmitir un tono desafiante ante los modelos de patriarcado aún presentes. Es una propuesta elaborada sin una intricada iconografía conceptual, que llega sin dificultad al entendimiento del espectador, cumpliendo muy bien con el deseo inicial de Laia Arqueros.