XAVIER MONSALVATJE EN LA EMPÍRICA

AGRIA ESENCIA DE MODERNIDAD

Autor: Xavier Monsalvatje. Título: Pandemic system. Lugar: La Empírica. Fecha: Hasta el 28 de octubre.

Es interesante la propuesta presentada en La Empírica, que llama la atención por la temática abordada y la profundidad del discurso desarrollado por el artista. Xavier Monsalvatje es un creador plástico levantino de amplia capacidad plástica, mostradas sus cualidades a través de la obra expuesta, preferentemente cerámica, más algún grabado y dibujo.

En la producción presente en la sala, se desprende una sensación visual inicial de estética rancia, de la modernidad de los años treinta del siglo pasado. Retoma como idea central los avances técnicos de aquella época, pasada por el tamiz de una crítica hacia la deshumanización del ser humano, su masificación y pérdida de personalidad individual. La fábrica y la técnica se constituyen en factores únicos que rigen la existencia. Recuerda muy bien la estética de los filmes de Chaplin y F.Lang, Tiempos Modernos y Metrópolis, transcrita en un lenguaje iconográfico, mediante la ilustración expresada con trazas de cómic. Este soporte contiene el cosmos de conceptos relatados por el artista a través de cada una de sus composiciones, cobrando especial fuerza la historia reflejada, que se repite en todas con reiteración, pero transcrita desde diferentes perspectivas, para resaltar algún detalle nuclear del tema central que justifica este conjunto plástico.

En cada pieza pulsa en su tensión la sensación de opresión, soledad de la persona, la pérdida de conciencia propia, la postración hacia la máquina, en una metrópolis agobiante, espesa, que anega el ánimo de esperanza. Son visualizaciones barrocas las dibujadas en sus cerámicas y dibujos, que llevan al observador a experimentar similar sensación. La estética de aquella época es interpretada con claridad, sirviendo el aviso portado en ella como confirmación de la realidad próxima en los tiempos actuales.

Xavier Monsalvatje trabaja la cerámica de forma aceptable, destacando cuando infiere el cromatismo en el barro cocido, consiguiendo un efecto cinético gracias a su lectura circular, siendo este efecto aún más potente en la observación del jarrón, auténtica secuenciación del todo continuo, sometido al ritmo de un tiempo cíclico, que potencia la impresión de una realidad cerrada y sin escapatoria.

El trabajo de Xavier Monsalvatje gana peso por la claridad y rotundidad de su dicción plástica, que nunca agota las múltiples sutilidades de su mensaje, proponiendo nuevas búsquedas y descubrimientos. Sin esta cualidad, sus elaboraciones serían meras reinterpretaciones del arte vanguardista clásico del siglo XX.

 

 

 

 

VIRGINIA VERA EXPONE EN LA FUNDACIÓN EUROÁRABE

SUAVE SON DE AGUA

Autora: Virginia Vera. Título: Reflejos de la Alhambra. Lugar: Fundación Euroárabe. Fecha: Hasta el 14 de octubre.

Es una exposición surgida desde la pretensión de elaborar un trabajo veraz, sin alambiques innecesarios, que se explica en cada pieza mostrada, soportando un entramado visual y sensitivo que relata el concepto lírico de la autora, al explicar la realidad sentida.

Virginia Vera desarrolla una propuesta basada en una pincelada precisa, que se difumina en su expresión final para plasmarse como figuración rememorada, cargada de efectos adheridos por las emociones en el recuerdo. Es una pintura limpia que exalta los elementos insustanciales del entorno, la importancia de la sencillez de su presencia, sin la cual el instante evocado no sería igual, centrándose en el núcleo básico que da sentido a la imagen.

Recorre con su obra los motivos nazaríes de la Alhambra y sus alrededores, cobrando especial importancia las fuentes, en su simplicidad que las hace invisibles, anodinas y permanentes, pasadas fugazmente por la mirada, pero que imprimen su huella en el recuerdo a través del murmullo del agua que fluye. La impresión de este sonido, tenue, intrascendente, melodioso y relajante, va tomando asiento en la compresión de la obra, abarcando el cuadro en su significado, siendo la fuente evocadora de su sonido, el color quien traduce el ritmo del borboteo, y la impresión de las líneas asocia la fuerza del efecto en la memoria. La pintora rehace toda la escena para expresarla en sus composiciones, trascribiendo el contenido de la imagen en un cromatismo ordenado, tranquilo, con sus zonas ligeras y otras pesadas, dotando al conjunto de armonía sencilla y elegante, que no pretende ser otra cosa que pintura, sin ningún complejo por el estilo abordado. Realiza su oficio con soltura, profesionalidad y claridad de ideas, consiguiendo despertar el interés del público, en una partitura cromática nítida, que transcurre delicada para incorporar al espectador en el instante atrapado en el cuadro. Virginia Vera utiliza las formas figurativas como pretexto para expresar la emoción del instante, convertido en ensoñación.
 

 

 

 

 

 

 

CARMEN TISCHLER EN SANTIAGO COLLADO

EL SIGNO DE LA IMAGEN
 

Autora: Carmen Tischler. Título: Granada el luces mixtas. Lugar: Espacio de Arte Santiago Collado. Fecha: Hasta el 20 de octubre.
 

La impresión del recuerdo es descrita por Carmen Tischler en esta exposición. Juega la autora con las líneas y campos de color, unas veces depositado en planos continuos, con puntos de intensidad variables, y en otras se deshace su cuerpo en trayectorias volubles, cortadas, punteadas. La estructura de los cuadros de esta pintora está desarrollada a través de un entramado de líneas, unas veces fuertes, densas, sin contorno perfilado, variando en otras su textura para aparecer difuminadas, etéreas, configurando un volumen simulado, para establecer un entorno que genera las dimensiones en el cual se establece el motivo de su producción plástica.

En esas estructuras la pintora coloca las manchas cromáticas, como prendidas en la linealidad impresa en la pieza, generando aligeramiento visual, recuerdos vislumbrados, expresados en su fugacidad en cada obra. Se origina en alguna un barroquismo aparente, que se descompone al mirarla con detenimiento, quedando como poso en la memoria un entramado geométrico y el colorido soportado en éste.

Aborda Carmen Tischler las calles de Granada, sus rincones y plazas. Es un recorrido sensitivo, donde aparecen en sus producciones una narración visual, de formas que se deshacen hasta su esencia, dejando libre los significados sentidos que describen el alma del lugar. Es una pintura que quiere ser grafía emocional, aprehendida como una declamación rítmica breve, delicada y sutil, surgida como huella posterior tras su contemplación.

Presenta Carmen Tischler un conjunto de obras amplio, centrado en el signo que insufla fuerza a la imagen real, desarrollado como rememoración concisa de la escena vivida en la ciudad granadina, evocación que contiene una voz poética delicada, que salva de la obra amanerada gracias a una representación pulcra, y exacta, del discurso lírico pintado por la artista.

 

MERCEDES LIROLA EXPONE EN ARRABAL&CÍA

EL TIEMPO ATRAPADO

Autora: Mercedes Lirola. Título: Antesala de una tormenta. Lugar: Galería Arrabal&Cía. Fecha: Hasta el 8 de octubre.

Mercedes Lirola congela el instante voluble, expresado en movimiento, en cada una de sus piezas cerámicas. La artista plasma la fugacidad del tiempo en su trabajo plástico, convirtiendo la artesanía cerámica en expresiones delicadas de la sutilidad de los momentos irrepetibles, que siempre son pasado. Es por lo que salva del olvido el gesto matérico sometido al signo temporal del movimiento, declamado como elemento extraído de su entorno para contener el pulso del instante, la acción contenida como potencia, sugerencia de lo que puede ser, ritmo cambiante que vibra en el entendimiento en su estado inmutable. Propone la acción presentida en el temblor de la materia, cuando está sometida al vaivén de las fuerzas y elementos.

La autora manipula el barro, tierra y agua, lo transforma con su ingenio y concluye como imagen del aire, de las ondas acuosas, de los destellos intangibles, solidificándolos, para elevarlos en sensación de vida, a viaje atemporal que induce a sensaciones líricas. Son sus composiciones relatos poéticos de la emoción de la vida, de la caricia del viento cálido del sur, de los estanques dorados silentes, cuya evidencia de estar conectado con la existencia se traduce en la levedad de los movimientos percibidos, como tenues ondas en el agua producida por el insecto, el roce de las manos o el abrazo de la brisa suave. Mercedes Lirola interpreta estas sensaciones y traduce en elaboraciones cerámicas de resplandor sensitivo, belleza efímera que atrapa para que vibre continuamente en la mirada, en una difícil empresa desarrollada a partir del barro cocido. Transforma la sustancia inerte en soplos de vida, reflejados como brillo sorpresivo que se imprime en la mirada como obra de arte. Es logrado por esta creadora plástica gracias al buen dominio de la técnica alfarera, y sobre todo a su ingenio y estado de gracia compositiva.

Mercedes Lirola prosigue ahondando en la naturaleza de la materia, destilando de la Naturaleza un poema visual radiante de belleza.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

JESÚS ZURITA CON LA OBRA DE JOSÉ GUERRERO

LOS SILENCIOS EN LA PINTURA

Autor: Jesús Zurita. Título: Raja y grieta. El aire en Guerrero. Lugar: Centro José Guerrero. Fecha: Hasta el 2 de octubre.

Es un ejercicio complejo el emprendido por Jesús Zurita, pues se enfrenta a un icono de la pintura vanguardista española, del cual todos sus aciertos han sido ya escritos. Jesús Zurita es un artista de calidad conocida, amplio futuro y prometedores hallazgos, pero entraña una empresa difícil el diálogo con un gigante ya situado en la historia de la Pintura.

El autor resuelve el escollo con una organización del trabajo plástico de José Guerrero, estructurándolo en torno a un discurso expositivo, donde centra su intención creativa en el dilema de lo continuo y el vacío, el todo o la nada, la luz y la oscuridad, el silencio como hilo conductor o un mensaje torrencial que anega la mirada. Opta muy bien por los silencios, por las comas y puntos visuales introducidos en el texto que describe esta propuesta artística. Reflexiona Zurita entre raja y grieta, la discontinuidad introducida con fuerza, ruptura brusca del ritmo acompasado, frente al vacío natural, a la huella del tiempo, a la nada armónica impuesta por el devenir de la existencia, que se acopla al paisaje, a lo cotidiano, creando una melodía sinuosa que dirige la lectura al mirar la composición.

En las diversas plantas del edificio organiza el artista su instalación, posicionando la obra del gran maestro según una sucesión rítmica de imágenes, colores, impulsos cromáticos, silencios entre los cuadros; impregnado todo del sentido de la grieta, de la brecha incorporada por José Guerrero en sus producciones. Genera en algunas estancias un universo telúrico, de oquedad, la cueva que dará a luz un torbellino de gamas depositadas por la fuerza del genial autor granadino, en sus ansias de introducirse en el espíritu del color.

Jesús Zurita resuelve inteligentemente su propuesta plástica, consiguiendo expresar un relato original, que abre otras perspectivas para entender la obra de José Guerrero.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

JOSÉ LUIS OCAÑA EXPONE EN GRANADA

LA MIRADA MÁGICA

 

 

 Autor: José Luis Ocaña. Lugar: Hotel Ladrón de Agua. Fecha: Hasta el 18 de septiembre.

Magia, intimismo, un mundo centrado en el protagonista, es la mirada pictórica propuesta por José Luis Ocaña. Convierte sus ilustraciones en piezas artísticas, al ser interpretadas como producciones plásticas ajenas al entorno literario o comercial, alejado del cómic, presentadas como objetos de contemplación estética.

El autor describe un espacio cerrado en el universo fantástico del protagonista, diluyéndose las formas reales para adquirir aspecto de ensoñaciones, marcadas por un poderoso cromatismo que deja su huella en el recuerdo, un colorido que además contribuye a enfatizar las emociones latentes, los juegos sugeridos, el descubrimiento continuo de una realidad que se agranda, que va tomando cada vez más detalles minuciosos, ganando fuerza las formas, escapando de la irrealidad. Pero el pintor mantiene en estado de equilibrio indeterminado el ritmo de la escena, en perennidad provisional, pues no se sabe si tras el descubrimiento se desvanecerá todo el artificio del entorno sentido. Mientras, persiste la magia del instante, predominando las sensaciones sobre la razón entendida.

José Luis Ocaña introduce en sus acuarelas la vida sentida de un niño, que va acumulando recuerdos en cada una de las estancias mostradas dentro de cada pieza. Hierve de sensaciones sus obras, pues crean el ambiente, relatan la historia a través de una gama espesa de tonalidades, cuando las palabras son escasas y el peso de los sentidos traducen el lenguaje descriptivo de una realidad. El artista sabe utilizar de forma profusa una dicción cromática ajustada, intensa, dejando que el pincel acuoso plasme el color con rotundidad, evaporándose en sus bordes, conduciendo la mirada al centro de la acción, al protagonista y su gato acompañante. De allí se abre para comprender un entorno emocional sugerido por la impresión de los colores. Penetra muy bien en el alma de la infancia.

El artista organiza un relato interesante, que escapa de la ilustración industrial para convertirlo en arte.