MARTA AGUIRRE EXPONE EN PUNTO ROJO (GRANADA)

EL AZUL Y LA VIDA

Autora: Marta Aguirre. Título: Mares de soleá. Lugar: Galería Punto Rojo. Fecha: Hasta el 7 de abril.

 

 El azul se impone en la mirada, asume la imagen, vistiéndola para envolverla en sus diferentes densidades. La percepción de la realidad  es azul, como símbolo del infinito, de la pureza y la inmensidad de mares tenebrosos que ocultan monstruos, aventuras y tormentas. En este color se desarrolla una tensión en su comprensión, pues es sentido, además de comprendido, todo el significado que encierra según el escenario donde deposita sus tonos.

Marta Aguirre es una joven pintora navarra residente en Granada, con una apretada biografía artística que nos informa del fulgurante inicio de su carrera plástica. Nos propone un trabajo artístico intenso en contenido de conceptos pictóricos, habilidad técnica y descripción de las ideas a través del color, siendo el azul el eje sobre el que gira toda su producción, cuyo lenguaje se expresa mediante las intensidades que dota en cada posición de sus cuadros, para relatar la idea que sustenta la exposición.

La pintora justifica esta muestra explicando que “Todo eso forma parte de un amor hacia la vida y hacia la mar, pero al mismo tiempo, existe esa frustración por no comprender nuestro propio rumbo dentro de ese navegar constante que es la vida misma. Así entiende el marinero su soleá y por eso le canta a la mar, con quejíos de color, que transmiten tan profundos sentimientos.” Define muy bien el sentido final de la obra colgada. Ésta se compone de acrílicos, collages y grabados.

Marta Aguirre diluye el dibujo en el océano de tonos azules diversos, que insinúa sus formas en la espesa opresión pastosa del color, que modela toda acción. Así es la existencia, un acantilado preso del bravo batir del oleaje marino, punto de observación del horizonte del futuro, puerta de entrada y salida hacia nuevas aventuras, en mares procelosos bajo el acecho del capricho del destino. Su superficie guarda misterios, temores, y tesoros. Posee una faz cambiante, es lucha y vida. Todo transcurre cubierto por la bóveda celeste en un ambiente brumoso, frío, que deja entrever espejismos o quizá la revelación buscada. Esta es la realidad del marino, es como se define la vida.

M.Aguirre elabora piezas de precisión cromática ajustada a la sensación comunicada, poderosas en la fuerza del color, que modula con su influencia el espacio del espectador, para hacerlo partícipe de la historia encerrada en su obra.

EXPOSICIÓN DE YURI YAROSH EN GRANADA

UN MUNDO FELIZ

 Autor:Yuri Yarosh.Título: Yuri Yarosh. Lugar: Galería Rincón del Arte. Fecha: Hasta el 12 de abril.

Un dibujo perfecto, inmerso en un espeso colorido que escapa del cuadro para iluminar su entorno, es el sello de la obra mostrada en la galería Rincón del Arte. Algo afectada, mas la perfección de su conclusión transciende toda consideración para ofrecer un producto de calidad artística y comercial.

Yuri Yarosh recrea en su trabajo un mundo ensoñado, feliz, expuesto para solaz de los espíritus, dentro del gusto clásico del gran público. Ahonda por la vertiente figurativa, de color y temática tradicional, dejando sus huellas en el campo pictórico abordado. Su trabajo cumple una función estética, pues está destinado al agrado del espectador, a su liberación de la rutina diaria para mostrarle un mundo onírico, plácido, esplendoroso y amable. La contemplación de sus piezas induce a ello.

Este pintor bielorruso domina la técnica plástica, de línea fácil, combinando el color con precisión y equilibrio, surgiendo obras de resplandor desbordante, inundando la mirada para recrear espacios maravillosos, felices y fantásticos, donde la imaginación fluye alegremente para liberarse de la tosca realidad cotidiana. Esa es su función, realizando el artista su obra  con una impronta que dota el cuadro de fuerza atractiva, que extrae del momento vivido para desarrollar sus fantasías. Se podría decir que se recrea el pintor en la pintura tradicional figurativa, pero no es así, la trabaja y añade el halo del áurea mágica, que induce a los sueños vividos.

El arte es comunicación, sorpresa y participación del espectador, y Yuri Yarosh lo consigue con su obra.

JUAN ANTONIO CORREDOR EN LA SALA GRAN CAPITÁN (GRANADA)

                                          JUAN ANTONIO CORREDOR

Autor: Juan Antonio Corredor. Título:Corredor: Retrospectiva, pintura y escultura. Lugar: Sala de exposiciones Gran Capitán.

 

 

 

 

 

 

 

Juan Antonio Corredor presenta una retrospectiva de su labor plástica, mostrando un trabajo sólido, definido y de estructura poderosa.

Cuadros y esculturas componen un conjunto que recrea un cosmos con vida propia, donde surge un movimiento desde el todo hacia la nada, gracias a la tensión introducida por el artista, que equilibra, en el punto de ruptura de su estabilidad, la gravidez de las formas con la etereidad libre de los cuerpos. Todo ello produce la comprensión de un espacio singular, que trasciende el entorno de la obra.

El trabajo de Juan Antonio Corredor posee una poderosa raíz clásica, con una pátina particular producto de su impronta personal, elaborando piezas que recoge la visión del arte del siglo xx, consiguiendo que se transforme en producciones plásticas, sobre todo sus esculturas, de gran calidad.

Su pintura y escultura está marcada por la emoción del gesto, mostrando figuras contundentes en estado de espera del instante sorprendente. Crea la sensación desasosegante del  suceso inquietante. La contundencia de las figuras se viste de emociones, temblando la mirada en su contemplación. Generando una coral de sonidos presentidos que cantan la angustia, asombro o final de una escena presa de la sorpresa. En algunas esculturas es la serenidad clásica unas veces, o el misterio de arte balbuciente, quien impregna las piezas expuestas.

Gesto, espera, universo silencioso, clamor en la expresión, rotundidad en las formas, gravidez y etereidad se aúnan para generar una obra de poderosa estructuración plástica, surgida de la maestría, ingenio y  claridad de conceptos de Juan Antonio Corredor, pintor y escultor de referencia en el panorama granadino actual.  

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFIAS DE JOSÉ GUERRERO EN EL PALACIO DE LOS CONDES DE GABIA

DESCUBRIENDO LAS PUERTAS DE LO EXTRAORDINARIO

Autor: José Guerrero. Título: After the rainbow. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 30 de marzo.

Silba el aire, su silbido mezclado con el calor pegajoso, bajo un sol inclemente, crea una atmósfera que extrae del entorno, trasportando al espectador a la eternidad. Solo, en la soledad completa que genera desazón, pequeñez ante un escenario impresionante, se funde el autor en una naturaleza que aplasta la existencia con su inmensidad.

Esta es la sensación que se desprende al contemplar las fotografías de José Guerrero, oportunas instantáneas en medio del fin del mundo. Muestra el empeño humano por domar la Naturaleza, cuando quiere invadir su territorio, empeño limitado, fallido muchas veces, pues la fuerza adversaria posee una potencia inabarcable. 

En otras imágenes el autor descubre el mundo gris de los habitantes de esas zonas perdidas, reflejo del glamour pretendido que desciende hacia su ocaso en un universo decadente, siniestro y olvidado. La soledad es el lema que preside toda imagen expuesta.

José Guerrero muestra en esta propuesta artística una sensibilidad especial, captando oportunamente la escena rebelada, envuelta en su manto mágico que la salva de la mirada rutinaria, para convertirla en la abertura evanescente de la senda extraordinaria, hacia el trasmundo que se oculta en los pliegues de la realidad sensible. Es un poeta de la imagen, superando el medio técnico utilizado para convertirlo en pincel de su voluntad, cuando elabora la escena mostrada.  

Esta muestra fotográfica es fresca en su visualización, sobria al ser expuesta e interesante por la visión oportuna y estética de José Guerrero.

 

 

 

 



VENTURA EN LA GALERÍA DE ARTE LA ZUBIA

EL MUNDO NO ES BASTANTE GRANDE PARA MÍ Y PICASSO

Autora: Ventura. Título: Ventura-Bellaggio. Lugar: Galería de Arte La Zubia. Fecha: Hasta el 14 de marzo.

 



Este es el escrito que dejó en una nota, antes de suicidarse, el pintor inglés Godward, que vivió entre el siglo XIX y XX. Abrumado por la fuerza del la obra de Picasso optó por quitarse la vida. Su estilo era descendiente, y postrero, del prerrafaelismo inglés, mostrando un universo ideal, estático, frío y perfecto. La imagen externa, fiel reflejo de un mundo armonioso, era el tema central de su obra. Frente a él surge la fuerza desbordante picassiana, expresando una mirada subjetiva, dinámica y rompedora de la imagen, para adentrase en el interior de las formas. Ventura muestra una producción plástica estructurada en tres grupos de piezas. En un conjunto de cuadros desarrolla un dialogo imaginario entre Godward y Picasso, en el cual, a través de sus producciones, se establece una relación de antagonismo visual que se rompe en la contemplación, para diluirse en la esencia común de la pintura: La descripción del sentimiento que suscita la contemplación de la realidad por el artista. Ambos pintores lo abordan desde perspectivas distintas, mostrando el ideal de vida en que se debatía la cultura occidental al comienzo del siglo XX. Lo objetivo frente a lo subjetivo, la belleza clásica ante la nueva forma de reformularla, lo burgués y el mundo del trabajador, el arte contra la técnica... Los dos pintores abordaban la figura de forma diferente, uno desde el exterior, el otro se adentraba en su interior, la geometrizaba y reestructuraba. En este trabajo, Ventura nos demuestra que esta pareja de artistas estaban unidos por la representación de su ideal de las formas. Mas su conjunción establece una comprensión de mayor profundidad sobre la esencia humana, la dualidad de la interpretación de la realidad sensible. En estas obras la pintora elabora un conjunto de estructuración inteligente, con una dicción clara, precisa, envuelta de un halo romántico, y delicado, que potencia el mensaje.

 

 En otro grupo de cuadros nos enseña piezas de construcción visual poderosa, intensa a la mirada, atractiva y actual. Los rostros femeninos resumen en su expresión toda una vida, misterios y sorpresas. Con un colorido palpitante conecta con la atención del espectador, sumergiéndolo en el océano de las pupilas de los rostros reflejados. El último conjunto lo constituye la obra conocida de la artista, tenue, vaporosa, sensual, en un mundo onírico idealizado, que promete una estancia plena de belleza. La serenidad fluye por el plano enmarcado, relatada en colores suaves, azules apasionados, ensoñados y delicados, ocres, rojos evanescentes, que nos trasporta al territorio de las horas indeterminadas, presas de la dualidad del día y noche. Su estilo es elegante, con una dibujo preciso, que traslada el realismo de las figuras hacia relatos poéticos. Ventura nos propone una obra de gran calidad, inteligencia plástica y suficiencia técnica desbordante.

 



BEATRIZ HERNÁNDEZ, RAQUEL ANGULO Y PABLO MERCHANTE EN EL HOTEL LADRÓN DE AGUA

TRES PINTORES Y UNA EXPOSICIÓN

Autores: Beatriz Hernández, Raquel Angulo, Pablo Merchante. Título: 3xGranada. Lugar: Hotel Ladrón de Agua. Fecha: Hasta el 3 de marzo.

 

Tras contemplar la magnífica exposición de Luis Casablanca visito la presentada en el Hotel Ladrón de Agua. Tres artistas se aúnan en sus salas para mostrar las posibilidades del color, su expresión en el lienzo, las distintas configuraciones que adopta para dejar intuir las formas, espacios, sensaciones...La marca del color imprime tensión y nervio a la composición. Utilizan los relieves de tonalidades varias como caligrafía sensitiva, definiendo las imágenes salvadas de la rutina. Coincide este trío de autores en escenarios presos de la vegetación, bajo una mirada romántica transcrita en un lenguaje cromático. Beatriz Hernández elabora piezas donde los jardines, envueltos en su espesura, crean una densidad sombría en un clima de misterio, espera y anhelo, intuyendo el rastro de la presencia esquiva, en una composición recargada y de aroma clásico, diluyendo las formas. Centra su mirada estética en la búsqueda de la entrada al mundo fantástico, que revele sus misterios. Su obra es profunda y de colorido intenso, hundiendo en ella el plano hacia la nada para romper el muro de la realidad, intentando lograr adentrarse en otros universos. Raquel Angulo presenta un juego oscuro del color, que se enfrenta a sí mismo hasta la extinción de la luz, en una agonía nocturna, cuando la marejada cromática de grávidos tonos intensos pugna por la presión del cuadro, generando soledad y meditación. Se palpa en su trabajo el frescor de las horas apagadas, presintiéndose los sonidos de la noche. Pablo Merchante muestra piezas de cromatismo lleno de esperanza y elegancia, al gusto de hoy día, que se condensa en su esencia, indicando la dirección al entendimiento hacia la comprensión de la forma. Paisajes y rincones son plasmados en sus cuadros, siendo el silencio la sensación reflejada en ellos. La habilidad plástica es el sello común en esta exposición, mostrando los tres pintores la técnica y posibilidades contenidas en su oficio.

EXPOSICIÓN DE MIGUEL CARINI EN EL PALACIO DE LA MADRAZA (GRANADA)

LÍRICA CROMÁTICA

Autor: Miguel Carini. Título: Los finos laberintos del agua. Lugar: Palacio de la Madraza. Fecha: Hasta el 5 de abril.

 

La literatura se aúna con el color en la obra del pintor argentino Miguel Carini, siendo su obra una construcción plástica de las ideas literarias que han ido acumulándose en su interior, tras ser digeridas como base de sus vivencias, surgiendo en forma de construcciones cromáticas que absorben el dibujo para crear una tensión emocional que atrapa el pensamiento del espectador. El resultado es una muestra presentada como caleidoscopio sensitivo, que recorre la topografía del mundo intuitivo del pintor, creando piezas de tonalidad pesada, donde pululan estancias de la vida, pasiones, deseos y sobre todo la lucha por la existencia, el conflicto del ser, de la relación personal, mas la esperanza, con sus claridades, avisa que siempre existe un lado alegre en la realidad. La pintura de Miguel Carini esta llena de sensualidad en el recorrido sinuoso de sus dibujos, arropado por un colorido intenso, de grávida percepción, que hunde la superficie del cuadro para crear un ambiente agobiante en la Sala. El artista no se hace reflejo de los textos leídos que expresa en sus cuadros, sino que se adentra en ellos y exhibe la mixtura originada por su marca particular. Es él quien construye el relato, el poema, la idea central del texto. Acompaña al conjunto expuesto en la Sala principal otras obras, unas con el estilo aquí citado impreso, donde refleja una naturaleza de animales transformados por su mirada, más ilustraciones realizadas para ediciones literarias. En todas ellas la huella de este autor se sobrepone al espíritu de las páginas, enriqueciéndolas. Cabe destacar de éstas la serie de Rayuela, elaboradas en colaboración con José Manuel Peña. Son dos piezas soberbias que rememoran a Cortazar. Solo su contemplación nos adentra en el espíritu del libro. Miguel Carini nos propone una producción pictórica en la que desarrolla su amor por la literatura, estando viviendo sobre ella un universo pasional de terrible presencia, que podría agobiar a los espíritus sensibles en la soledad de la Sala.

EXPOSICIÓN DE FRANCISCO MUNUERA WALLHEAD

LOS TIKIS MIKIS EN LA UNIVERSIDAD Autor: Francisco Munuera Wallhead. Título: Tikis Mikis: Variaciones sobre el arte maorí. Lugar: Centro de Lenguas Modernas. Fecha: Hasta finales del mes de febrero. Francisco Munuera Wallhead es un pintor afincado en Granada que nació en Nueva Zelanda, quedando impregnado por los genios que dan carácter a los habitantes de esas tierras. El espíritu de la cultura maorí es una transfiguración del trasmundo que se superpone en aquellos paisajes de poderosa fuerza visual. Este profesor de la Universidad de Granada, muestra su obra en el Centro de Lenguas Modernas, lugar especial por el diálogo que se entabla entre el arte y la cotidianeidad de la vida estudiantil, siendo ofrecida a los estudiantes, miradas jóvenes que muchas veces son ajenas en las galerías en uso. La obra mostrada es fresca, desenvuelta, ágil y de poderoso color, que se contiene así mismo para no adentrarse en el campo de la exuberancia, ni el derroche barroco que apaga muchas veces la pieza. El autor es exacto en la dicción plástica, comunicando su idea con un lenguaje vivo y desenfadado, tras el que se esconde un intenso universo mágico que traspone a nuestra realidad. Los dioses fluyen a través de su pensamiento para reflejarse en los cuadros colgados, exhibiendo su influjo sobre los seres y las cosas. Este pintor elabora un trabajo sobre un color limpio, con un dibujo desarrollado con sencillez, recordando la mano presa del rito, algo naif, también con aroma grafitero, que trasciende las consideraciones anteriores para expresarse como un relato descrito con simbología cromática, donde las figuras se replican en situaciones diversas, comunicando de forma jocosa la insustanciabilidad del comportamiento humano, irracional presa de los humores del momento. La realidad que describe es crítica con las obsesiones y anhelos que dirigen a esta sociedad. Dioses, genios o simplemente los deseos de espolean la acción y cambio, son reflejados como elementos que interaccionan con el medio. La obra de Francisco Munuera Wallhead incita a la reflexión, a pesar de la apariencia ligera en su configuración visual.

LUIS CASABLANCA EN LA GALERÍA ARRABAL Y CÍA

EN EL CALLEJÓN DEL SEÑOR

Autor: Luis Casablanca. Título: Acumulados, una experiencia gris. Lugar: Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 22 de febrero.

En la soledad de la noche se ha instalado el frío, en un tiempo expectante del advenimiento de la primavera, que inunde todas las estancias de nuestra realidad. Mientras, permanece en espera la creación dentro de su refugio, en la calle que da título a esta crítica. La galería Arrabal y Cía, sita en esta vía de Granada, ofrece un conjunto plástico singular, inquietante, distinto de lo expuesto en estos lares últimamente, aunque no por ello innovador, lo cual no resta mérito alguno, ya que consigue impregnar de otra forma de ver el arte, avanzando hacía nuevos conceptos de entender la creación plástica. Luis Casablanca es el autor de esta muestra, que construye un artificio intelectual con piezas diversas, de extracción sencilla, conjuntadas inteligentemente bajo un paño gris, originando una propuesta de profundo significado simbólico, que rompe el entendimiento, y presenta una particular forma de comprender el pulso del tiempo y su arañazo continuo en la integridad de las cosas, reduciéndolo todo a cenizas, a un recuerdo incoloro, anodino y grisáceo. En el catálogo que acompaña a esta exposición, comienza el autor explicando que “ En tiempos ruines llega acumulados. Los objetos nacen con nosotros, forman parte de nuestra vida, nos la facilita, a veces los queremos, a veces los odiamos, los dotamos de almas inexistentes, nos cuentan historias que hemos vivido.” Nos rodeamos de cosas, unas consideradas importantes, que tras el primer tiempo de contacto se desvanecen en la rutina, pasando a ser sustituidas por otras que reviven la ilusión. Algunos objetos transcurren cuasi invisibles, escondidos en lo cotidiano, pero que tras su uso y abandono resucitan recuerdos de otros tiempos, de vivencias que surgen como reflejos al ser mirados. Todos yacen abandonados, en desorden, generando en el desván de la memoria historias miles, pues son testigos del pasado, de las imágenes añoradas o sufridas. Nuestras vidas y personalidad se resumen en ellos. El artista los presenta forrados de gris, expresión del recuerdo descolorido, frío por la distancia, rememoración del polvo que se deposita en los objetos al ser abandonados, huérfanos de la atención de sus dueños, también como si cenizas fuera del efecto de las horas, que devoran y consumen con su interminable paso lo tangible, reduciéndolo a la nada. Luis Casablanca, profesor de la Universidad de Granada, nos presenta una obra interesante, bien diseñada y de peso emocional, trasmitiendo de forma sencilla la idea central de su proyecto al espectador.

EXPOSICIÓN DE AMESA EN LA GALERÍA PUNTO ROJO

AMESA EN PUNTO ROJO Autora: Amesa. Título: Traspasando la luz. Lugar: Galería Punto Rojo ( Gran Vía 33). Fecha: Hasta el 16 de febrero. Una nueva galería ha iniciado su aventura artística en Granada, ilusionada en sortear el decaimiento en el cual se encuentra el sector del arte. La crisis afecta a todos. Punto Rojo comienza su andadura con fuerza y calidad artística, presentando el trabajo último de Amesa, que como siempre impacta por la rotunda elaboración de sus obras. La luz está impregnada en ellas, jugando con los materiales diversos que componen las piezas mostradas, que rezuman energía, aprehendida como si la luz naciera en su interior. Amesa propone una producción de marcado carácter matérico, de procedencia diversa y sustrato sólido, que sirve de campo de acción para que las radiaciones asciendan sobre los pliegues, cayendo en cascada en el fondo de sus arrugas, creando un rumor intenso que escapa del cuadro para ser interpretado por el espectador, como palpitación interna de la pieza. Un resplandor tenue envuelve cada composición, si de áureas fueran, confiriendo magia a la mirada. Salvo algunas obras de rojos poderosos, como si atardeceres postreros de jornadas vibrantes fueran, compone el conjunto piezas de claridades limpias, en cuyo interior surgen destellos dorados o plateados, día y noche bajo el imperio del espíritu luminoso. La artista demuestra su capacidad para construir elementos plásticos atractivos, elegantes y de calidad. Su experiencia y maestría así se lo permite. Los orígenes artísticos de Amesa se perciben al observar esta propuesta plástica, retornando la autora al punto anterior de su periodo creativo, cargada de nuevas experiencias recogidas en su trayectoria pictórica, para enriquecerla y retornar con brioso impulso compositivo. Se recrea y supera así misma, consiguiendo nuevos retos. Esta magnífica exposición avala el buen comienzo de Punto Rojo. Larga vida a la galería.

EXPOSICIÓN DE MATUG ABORAWI EN GRANADA

SOBRE ESPERANZAS Y TRAGEDIAS Autor: Matug Aborawi. Título: Homenaje a los desaparecidos. Lugar: Fundación Euroárabe de Altos Estudios. Fecha: Hasta el 3 de febrero. Una pintura fresca, desarrollada con libertad, fuerza y pasión rotunda, describe el drama de la inmigración, donde sueños truncados se hacen palpables cada día, salvo para aquellos afortunados que creen haber llegado al paraíso prometido. Constituye lo expuesto aquí la idea central de la muestra propuesta por Matug Aborawi. Este pintor libio, afincado en Granada, relata el tránsito del estrecho, las esperanzas que promete y las tristes realidades que encierra su conclusión. M. Aborawi expresa su obra con un lenguaje cromático agudo, cortante, libre de formalidades estilísticas, que libera de su formación académica para plasmar con dureza, como grabado en el lienzo, en acrílicos o acuarelas, demostrando el dominio del oficio plástico del autor. El trabajo ofrecido es potente visualmente, resuelto con soltura, henchido de sensaciones que se transforma en voces, cánticos o súplicas implorantes, que anhelan un mundo más humano. Los colores empleados encierran un dramatismo no exento de aventura desasosegante, sujeta a los peligros que rodea con sus fantasmas el ambiente del cuadro. Tras la imagen aparece un horizonte de tonos amables, blanquecinos o presentidos dorados suaves, como signo de esperanza. El pintor recrea su alegato de forma simple, en manchas de significado inteligente condensadas en figuras intuidas, que la comprensión supone, atrapando las ideas impregnadas en ellas para convertirlas en historias. Una inocencia vital se desprende como efluvios radiantes en cada una de las piezas, reflejo de las ilusiones que inunda el entendimiento desde el espejismo real. Matug Aborawi nos presenta una obra auténtica, rotunda en el concepto contenido y resuelta con habilidad, sencillez y sentido primario de la pintura, que da fuerza a su producción y enseña la calidad del artista primigenio que guarda. Muestra un gran talento y categoría plástica en esta exposición.

EXPOSICIÓN DE ARANCHA RUIZ NUÑO EN EL PALACIO DE LOS CONDES DE GABIA, GRANADA

¿ARTE O MECÁNICA CUÁNTICA? Autora: Arancha Ruiz Nuño. Título: Exposición con cuerpos. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha. Hasta el 27 de enero. Lo que está arriba tiene su imagen abajo, ambos son mundos paralelos, en un tiempo detenido sin ningún suceso de referencia, alterándose cuando es el entorno perturbado por la presencia del espectador en este cosmos dual, generando un suceso temporal. Éste es continuo, indiferenciado y simultáneo. La síntesis del camino no distingue de instantes, pues todo sucede a la vez, sumando hechos, circunstancias, en puntos espaciales y momentos distintos. El espacio lo llena todo, al no distinguirse pasado, presente o futuro, flotando el silencio del vacío tras la ausencia del espectador. Es el motivo central del relato descrito por Arancha Ruiz Nuño La autora nos quiere explicar, en sus composiciones fotográficas, que la realidad es un conjunto de fragmentos múltiples que se aúnan encajando entre sí, o superponen, donde la lógica es un acontecimiento feliz cuando lo racional es una rareza. La conclusión a la que nos conduce con su trabajo es el de un escenario dividido, variado, de cuyas numerosas imágenes se extraen las sensaciones percibidas. Surgen luces de tonos dispersos, intensidades, movimiento, geometrías definidas en líneas contenidas en la interpretación de las radiaciones, al comprender la realidad, producto del espacio y tiempo. Y en el centro del universo creador de lo visible se encuentra el espectador, quien define lo real con sus sentidos, existiendo sólo la luz y espacio, energía pura. Esta es la percepción que se produce al observar la obra de Arancha Ruiz, en una Sala amplia, con un montaje sencillo y no muy numeroso en piezas, que resulta frío al penetrar en él. Según nos explica el catálogo que acompaña a esta exposición, en el texto de Maite Méndez Baiges, la artista quiere introducir “uno y muchos cuerpos en imágenes de exposiciones, y contraponiéndolos, precisamente es esos mismos espacios, pero vacíos”, forzando a la mirada a “reconocerse como lo que es, algo manipulado, construido, si no guiado”. Su fin es “ recuperar la capacidad de ver de nuevo el arte”. A mí me parece más bien una escenificación descriptiva de la interacción espacio-tiempo, propio de una muestra relacionada con la mecánica cuántica. Arancha Ruiz Nuño ofrece una propuesta bien trabajada conceptualmente, inteligentemente estudiada, elaborada y expuesta, que se queda en un estadio intermedio de las vivencias de la artista, cuando explora las posibilidades de la luz, el trasfondo de la realidad. No por ello carece de mérito. Me recuerda a un poema de T.S. Eliot, de su libro Cuatro Cuartetos, que dice: “Están presente y pasado presentes, / tal vez en el futuro, y el futuro / en el pasado contenido. / Si está eternamente presente el tiempo / todo, todo el tiempo es irredimible”.

EXPOSICIÓN DE VALENTÍN ALBARDÍAZ EN LA SALA RUIZ LINARES

EL CAZADOR DE LA LUZ Autor: Valentín Albardíaz. Título: Alhambrismos y otros collages. Lugar: Sala de exposiciones Ruiz Linares. Fecha: Hasta el 15 de enero. Una cartografía del reino de la luz es descrita por Valentín Albardíaz en esta exposición, a través de sus collages, que reflejan la sustancia que contiene la realidad en las grafías simuladas en cada una de las piezas. Éstas recuerdan aquéllas de culturas orientales o antiguas, más los signos desarrollados desde la percepción que la herida de la luz causa en el contacto con las superficies que abraza. El trabajo elaborado por Valentín Albardíaz es ingenioso, de duro transcurrir y sugerente en su solución plástica, reflejando la complejidad del cinetismo desde su origen simple y único, que se descompone en una simetría caótica. El autor ordena la imagen, trata de comunicar su transcurrir y etereidad temporal con alfabetos varios, la estructura interior que se repite sin cesar y descubre nuevos espacios de acción. El resultado concluye en un viaje atemporal, donde un instante resume el todo. Atrapa las radiaciones luminosas en su movimiento de resonancia infinito, extrayendo el soporte anímico que las impregna para exponerlo en sus obras. Es preciso en la dicción de la idea central que mueve su propuesta, mediante el uso de colores elegantes, cálidos, optimistas y algunas veces de gravidez melancólica, configurando el discurso de la existencia. Su ráfaga acaricia la mirada, aunque evanesce entre las figuras del cuadro. Quedan solo las huellas de su paso, que presienten el esplendor pleno. Los collages presentados son de técnica laboriosa, expresando nítidamente el concepto del pintor. Lo consigue con un lenguaje libre de adherencias innecesarias, centrándose sólo en la estructura básica de la imagen. La exploración iniciada por Valentín Albardíaz nos lleva a descubrir la magia de la luz.

Ha salido publicado el libro "Tiempo de espera", editado por Tágilis Ediciones, donde recojo las críticas de arte publicadas entre 2009 y 2011, en el Diario de Almería e Ideal de Granada. Podrá encontrarse en las librerías Picasso de Almería y Granada, y en Continental, Babel y Atlántida de Granada.

GRANADA: LUZ Y AGUA. VI CONCURSO INTERNACIONAL DE PINTURA AGUAGRANADA.

 

Primer Premio.

"Puerto". Juan Carlos Porras Funes

Segundo  Premio

"Reflejos". Ana Sánchez Lucas.
 

Este me gusta y debería haber tenido alguna mención.

 

Muy buena pieza. Debería, igualmente, haber tenido alguna mención.

 

 

Otro cuadro de gran calidad.

Estos últimos han llamado también mi atención.