SOBRE LA OBRA DE PACO LARA-BARRANCO

 

EN EL CAMINO

Recorre el pintor su trayectoria plástica, reflexionando sobre el objetivo de la creación. Recuerda la obra de sus primeros tiempos, donde la imagen se convertía en objeto palpable, con presencia física, mostrada accesible al espectador, quien con su mirada y relación directa, con el entorno dimensional de la instalación, inducía flujo temporal, cambio asincrónico del espacio, asombro, indiferencia o perplejidad. Paco Lara-Barranco (Torredonjimeno, Jaén) se introduce en los vericuetos de la creación, estudia el significado de las formas, el lenguaje sensitivo originado por la estructura de su propuesta, puesto en escena en sus instalaciones artísticas, desde las cuales concentra la impronta que su imagen genera en las superficies de sus obras.

En sus piezas se recoge la fuerza que contiene sus creaciones, mezclando el uso de aceita de oliva y el proveniente del motor, cuya combinación expresa la confrontación, y a la vez conjunción, de energías antagónicas, lo natural y la técnica, los productos de la razón entrelazados, en su confrontación, con el impulso azaroso de la Naturaleza. Ambas son representación de torrentes sanguíneos enfrentados, sangre de los dioses y aquella de los titanes. Y sin embargo las dos, en su unidad, generan representaciones de los destellos de la vida. En estas obras recrea el artista una simbología surgida de elementos discontinuos, cuya composición refleja la figuración que recoge el desarrollo de la idea relatada. Más adelante, Paco Lara- Barranco, deshace las formas chispeantes, desde una austeridad tonal, hacia complejidades abstractas, campos brumosos hacia donde penetrar, escondite de las salidas que llevan hacia los horizontes de una realidad más nítida y auténtica, representada en las piezas últimas, con un lenguaje cromático exultante, sometido a la lógica humana, empeñado en sorprender los caprichos del azar.

Paco Lara-Barranco escruta en los confines de la existencia tangible, intentando descifrar el mundo oculto que atesora. Posee un amplio conjunto de recursos estéticos, lenguaje extenso en posibilidades plásticas, que convierte su relato visual en una habilidad impresa en las tablas, o en las construcciones expositivas mostradas. Domina la puesta en acción de la expresión artística.

En el Museo de Alcalá de Guadaira, se podrá visitar la obra de Paco Lara- Barranco, de título “Ojo y camino. Encuentros, azar y tiempo”, hasta el quince de diciembre de 2023.

ROSA CANO EXPONE EN CÁJAR

 

EN LA FRAGILIDAD DE LAS HORAS

Autora: Rosa Cano. Título: Al natural. Umbral y paisaje. Lugar: Sala de exposiciones del Centro de interpretación de la Seda, Cájar (Granada). Fecha: Hasta el 17 de diciembre.

Recorre la pintora paisajes, iglesias, monumentos, casas, campos, reflejando la impronta visual que anega su mirada. Rosa Cano Delgado (Granada, 1997) es una artista sin complejos, pues retoma temas de la pintura clásica del XIX, para exponerlos en nuestra época. No trata de imitar, sino de recrear y continuar los caminos inacabados de la expresión plástica, siempre sin fin, dependiendo su avance del ingenio de la artista que toma el relevo en su desarrollo. Incorpora en su obra un aroma romántico, partiendo de unos supuestos estéticos sencillos, los cuales extiende hasta conseguir piezas de buen significado artístico. Sea en sus paisajes, o bodegones interiores, donde propone un viaje sensitivo cargado de nostalgia, parte de la imagen pensada para sumergirla en el mar cromático de los sentimientos, cuyos componentes tonales actúan como elementos de una coral de colores, que van relatando la experiencia sensitiva expuesta por la pintora. Hunde su mirada en un mundo solitario, intimista, del paseante sumido en el universo fantástico de los recuerdos, aquellos reflejados en objetos y fachadas, susurrantes entre las sombras, eco del pasado que envuelve con su magia la percepción de la artista.

Rosa Cano explora las posibilidades inacabadas de estilos clásicos, presentes con fuerza aún en la mirada popular, conectando con su atención para introducirlos en el mundo brumoso de la nostalgia y el tiempo, en el que aparece la fragilidad de las horas, espacio donde brilla la luz pasajera que el recuerdo atrapa, siendo ella quien al final cubre las formas, satura la mirada, invade con la fuerza de los colores el ánimo, trasladando a la persona hacia los instantes atemporales sometidos a la reflexión, en los que pensamos en nosotros mismos y nuestro lugar en el tiempo.

Expone esta creadora plástica una obra valiente, de profunda composición, intensa y apasionada, que gusta y propone curiosas experiencias estéticas en la Pintura actual.

EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA ARGAR DE MANUEL Y ANA SÁNCHEZ LUCAS

 

DOS PINTORES EN ARGAR

Muestra la galería Argar, en Almería, la obra de dos excelentes pintores afincados en esta provincia del Sur de España, los hermanos Ana y Manuel Sánchez Lucas, la cual se podrá contemplar hasta el 15 de diciembre de este año.

Ana Sánchez Lucas (Cieza, Murcia) posee una obra luminosa, de color sólido, claridad intensa, peso tonal aplicado, lo cual permite atravesar la superficie de las formas plasmadas, para conectar con el espíritu del paisaje reflejado. Logra este efecto la artista mediante una estructuración modulada de la imagen, gracias a la configuración armónica del color aplicado, penetrante y agudo en su apreciación primera, que se expande, para deshacer la topografía tonal, hacia la suavidad de la escena tras ser aprehendido. Sosiego y relajación son sugeridas en sus piezas, surgidos por el embate sensitivo que su percepción produce. El cromatismo diluye sus manchas, tomando cada una su posición y forma, para descubrir el paisaje que ha atrapado la atención de la pintora. Ana Sánchez Lucas muestra un estilo personal de alta calidad plástica, convirtiendo sus acuarelas en excelentes propuestas estéticas. Sus piezas son atractivas y de elaborada técnica plástica.

Manuel Sánchez Lucas (Barcelona), concentra su trabajo pictórico en la perfección lírica de la imagen, siempre impregnada del azul, pasión marina que describe los espacios almerienses, siendo una expansión visual que supera la fidelidad de la escena, cuyo efecto hace que sea anegada la mirada de un cromatismo extenso, que hunde su percepción en la sorpresa primera que la emoción de su encuentro suscita. Busca la imagen descarnada de la tierra almeriense, su bravura visual, el ambiente henchido de vida, en contradicción de lo que la observación comunica, consiguiendo que se aprecie la rotundidad de la impronta percibida, logrando que al visualizar sus piezas, el aire, el sol y la humedad marina, penetren en el sentimiento. El pintor lo expresa mediante un lenguaje suave, tranquilo, siendo apreciado por quien contempla su producción plástica. La atención es atrapada, induciendo recuerdos y fantasías en su contemplación. Inicia su obra con un dibujo esquematizado que se carga de color, ligero y luminoso.

Elegancia, pulcritud visual y maestría compositiva, son señas distintivas de la obra de Manuel Sánchez Lucas.

Ambos pintores nos presentan una exposición de muy buena calidad pictórica, mostrando una figuración actual, de composición precisa y habilidad plástica.

ANA SÁNCHEZ LUCAS

MANUEL SÁNCHEZ LUCAS

VIRIGINIA ROMERO TOLEDANO EXPONE EN GRANADA

LO QUE LA IMAGEN OCULTA

Autora: Virginia Romero Toledano. Título: Sutilezas. Lugar: Colegio Oficial de Gestores Administrativos, Granada.

Desarrolla la pintora una obra sugerente, perfectamente organizada en las capas aplicadas, y equilibrio visual. No por ello olvida en su expresión el murmullo que genera la visualización de la imagen, cuando al mirar la escena u objeto, se desprende, y aúnan en su comprensión, emociones, recuerdos, sensaciones, que en el pensamiento producen. Es la primera impresión rememorada la reflejada en su obra. Traduce la realidad en el cuadro, tal y como es percibida por la mirada, siendo el cromatismo que se agita, en la superficie, el relato que describe el motivo representado en la pieza.

Virginia Romero posee una obra fresca, dinámica, expuesta con fuerza y creatividad, la cual parte de la expresión abstracta, así observada en su apariencia, para mostrar la realidad sensitiva que nos rodea. Busca y explora la cara auténtica de ésta, el principio que define la materialidad tangible, el resplandor que el pulso del tiempo produce, abordando este recorrido de forma continua, pendiente en su exploración estética del ánima que otorga cualidad a las formas, vistas más allá de su expresión geométrica, disueltas en el lenguaje del color, que recoge el relato infinito que acompaña cada instante salvado de la rutina visual.

Es por lo que Virginia Romero elabora un trabajo plástico de gran interés, serena calidad y presencia elegante.

OBRA DE GUILLERMO PÉREZ VILLALTA EN LA GALERÍA FERNÁNDEZ BRASO, MADRID

 

SUEÑOS Y DESEOS DEL PINTOR

Profunda simbología es reflejada en la obra del pintor gaditano Guillermo Pérez Villalta. Este artista navega por los mares de la realidad imaginada, vislumbrando mundos soñados, superpuestos al interpretado por nuestros sentidos.

Salva la percepción común la mirada del pintor, superando la lógica de la imagen para proponer otras realidades, en las que expone sueños, deseos, pensamientos sobre una existencia modulada por su sentimiento estético, que interpretan el universo circundante, cuyo significado visual contiene la idea que el artista quiere comunicar, trasfiriendo su concepto en imágenes, disponiendo sus figuras en una composición armónica, unidas a una geometría velada, que imprime equilibrio, serenidad en la imagen, sujeta a un tiempo escapado de la gravedad de los granos del reloj de arena, escapando del influjo de su creador para tomar vida propia.

Describe un viaje sin rumbo, de su Ulises, por los mares de tierras ignotas, siempre acompañado de la claridad luminosa del Mediterráneo. Luz que se atempera, perdiendo su fuerza para deslizarse en el ambiente, como tenue veladura protectora del viaje, transformándose en resplandor que descubre, relata, enseña y propone otras estancias por descubrir. El artista explora en los arquetipos de la cultura mediterránea, convirtiendo su recuerdo en pretexto para reflexionar sobre la aventura de la vida, sendero de deseos, Ítacas por arribar, más el azar siempre impone su deseo, haciendo que la persona sea juguete del destino.

La propuesta plástica de Guillermo Pérez Villalta está sumida en una tonalidad coral, que impulsa el ritmo de la escena, configurada en la partitura cromática dispuesta por el pincel. Es un fondo sinfónico interpretado en un pentagrama de colores. Discurren éstos con parsimonia suave, claridad y engarce sereno, sin cimas ni depresiones, recordando en las tonalidades utilizadas, junto a la estructura de sus dibujos, formas renacentistas, eternas, siempre en plena transformación creativa, logrando proponer piezas de fresca originalidad, pues su impulso no se agota. Todo consiste en añadir a la técnica del pintor su genialidad expositiva. Aunque decir ésto de Guillermo Pérez Villalta sobra, pues hace ya mucho tiempo que su calidad, y maestría plástica, es una referencia para muchos otros pintores. En la madrileña galería Fernández Braso expone su obra este excelente creador plástico, con el titulo de “Pinturas 2021-2023”, hasta el 10 de enero de 2024.

CECILIO CHAVES EXPONE EN LA GALERÍA BENOT, CÁDIZ

 

TIEMPO, COLOR Y FORMA

En la galería Benot, Cádiz, expone su obra Cecilio Chaves, con el título “Variaciones”, hasta el 10 de diciembre de 2023.

No abandona el pintor el motivo que sostiene su producción plástica, siempre Cádiz, sus azoteas y el cielo que lo acompaña, bóveda de azul intenso cuyo reflejo tiñe sus claridades, para generar el sabor típico que inunda su ambiente. Son las estructuras de las construcciones pretexto para expresar el gozo luminoso que en ese solar se produce. La permanencia humana, reflejada por la geometría de sus edificios, rígida, recortada y calculada, es representada junto a la atmósfera que le da su carácter singular, pues el azul y el sol generan en su mezcla el canto alegre, marino, los tonos salados, la luz de sus días, alegría de vivir, y sin embargo siempre sumida en la trascendencia del cielo infinito, mar del cosmos, espejo del terrestre, eternidad de su ser. Pero en este encuentro entre el azul y los rayos solares con la ciudad, siempre presente en sus azoteas, se escurren en sus recovecos las sombras asimétricas, que se dejan percibir, avisando del mundo subconsciente añadido en sus rincones, depósito de historias, sentimientos, emociones, dolores y fantasía, invisibles bajo el resplandor imperante.

Cecilio Chaves describe el espíritu del lugar, con atino y maestría plástica, reduciendo su propuesta a una geometría que se conceptualiza en la sublimación de las formas, mostrando su esencia liberada de elementos innecesarios, sobre las que plasma el cromatismo de claridades azulinas, tras la cual permanece el fondo eterno del cielo, y el presentido marino, símbolo de la permanencia en el tiempo.

El pintor supera la figuración aparente, para introducir concepto y color, que se libera del contexto para querer mostrarse libre de la materia, como signo distintivo de su espacio de procedencia.

Son estas piezas de Cecilio Chaves un trabajo plástico de excelente inteligencia compositiva, reducción de los trazos innecesarios y profundidad técnica en su conclusión.

JOSÉ CARLOS NARANJO EXPONE EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

TODO PASA Y NADA QUEDA

Autor: José Carlos Naranjo. Título: El pie lejos del freno. Lugar: Galería Birimbao, Sevilla. Hasta el 7 de enero de 2024.

Persigue José Carlos Naranjo la forma fugaz que anida en el pensamiento sin atención, la cual aparece como relente pasajero, siendo por ello incompleta en el recuerdo. La rememoración de estos pensamientos se proyectan en la vida sometida al continuo flujo de movimiento, todo es pasar, nada queda apenas retenido; se observa, se sigue observando, y la memoria se conforma con un leve brochazo de su huella, tenue y perecedera. Mas la recuperación de las ideas pasajeras del momento anterior, de la aventura cotidiana, se convierte en ardua tarea por alcanzar, ya que surge el recuerdo borroso e incompleto, roto por el movimiento constante que lo envuelve en su secuenciación mental.

José Carlos Naranjo parte de este supuesto para construir su obra, mostrando las imágenes sumidas en una luminosidad ligera, cromatismo agolpado, sometidos sus destellos al gris imperante. Aparecen sus piezas como una amalgama de formas que quieren ser la escena vivida. Pero la imperfección surge continuamente, sea como mancha cromática que destruye la unidad de la imagen, signo del sentimiento que se adhiere a ella, o simplemente la conjunción desarmónica de su estructura, también con el hueco del olvido impreso.

Las piezas de José Carlos Naranjo poseen dinamismo, frescura, imaginación desbordante en su creación, expuestas como carrera en una marcha ilógica, que resume el pulso de la vida actual. Es un relato pictórico similar al Ulises de J.Joyce, sin orden, razón ni exposición encadenada, pues solamente quiere reproducir la idea vaporosa que fluye en la mirada de nuestra sociedad.

Magnifica interpretación plástica la conseguida por el pintor, ingeniosa y sin ataduras que sujeten los planteamientos estéticos previos a su elaboración.