CRISTINA DUCLOS EXPONE EN ANSORENA

UN TIEMPO FELIZ

Autora: Cristina Duclos. Título: Apertura. Lugar: Galería Ansorena, Madrid. Fecha: Hasta el 10 de octubre

Plasma la pintora un tiempo feliz, expresado como paraíso perdido, evocado como vía de escape de una realidad gris, imperfecta y sometida a la destrucción por la erosión del tiempo. Cristina Duclos continúa en su exploración de los momentos gozosos, recuerdos de la niñez, cuando la inocencia era la razón que guiaba la vida. Presenta esta artista un conjunto plástico compuesto de acuarelas y óleos, y dibujos en tinta china, contenidos en diferentes soportes, además de elaboraciones mixtas donde conjuga estructuras tridimensionales y acuarelas. También una escultura en bronce.

Crístina Duclos nos propone escenarios de gran esplendor, mostrados los colores de forma contenida, consistiendo su fuerza en la limpieza de radiaciones, claridad, así como en la suavidad de su transcurrir cuando son contemplados. Transmiten apacibilidad, plenitud, placer sensitivo que invita a mantener la mirada en los espacios fantásticos representados, o en los búcaros y flores reproducidas en sus piezas. A veces introduce una geometría lineal que parcela sus obras, representación de la lejanía desde la que son evocados, sometida a la lógica del adulto, a la rigidez del orden impuesto por la vida cotidiana. El mismo efecto produce las estructuras tridimensionales de mallas de alambre. Su escultura, Ratoncito Pérez, es un guiño a la pureza de la mirada, figura donde la imperfección de las formas trasmiten fresca inocencia, en la construcción de la realidad inmediata del niño. Son sus paisajes jardines maravillosos, sometidos al son de los instantes perennes, añoranza del paraíso soñado. Allí pululan las mariposas, como señas de libertad.

Cristina Duclos nos propone un conjunto cromático equilibrado, que visten dibujos de líneas rotundas, bien perfilados, pues las formas afirman su presencia.

Calidad, elegancia e imágenes teñidas de belleza, son las cualidades que avalan esta exposición.

OFELIA SEGÚN ANA CANTERAS

El Sueño y la Muerte

Autora: Ana Canteras. Título: Halleluja! Lugar: Galería Alfareros. Fecha hasta el 15 de septiembre.

El sueño y la muerte, evocaciones que se convierten en símbolos que ocultan las claves para poder penetrar en la irrealidad, ajena a la percepción consciente, sea el submundo o las impredecibles estancias oníricas. Ana Canteras explora el mundo subconsciente, basada en la idea de Ofelia, cuerpo inerte que como durmiente flota en el río. La flor fue la culpable, y los petirrojos sus testigos.

La pintora recrea todas estas ideas en diferentes piezas, acuarelas y óleos, en los que va plasmando cada una de las imágenes, parte de un puzle, que da sentido a todo el conjunto. Expresa la belleza pasajera, el deseo, la vida y la muerte, reflexionando sobre la fugacidad de la existencia.

En sus piezas las flor, plenitud de un instante, se convierte en imagen reiterada; el agua marchita representada en los peces recogidos, y los pájaros, testigos indolentes de las obsesiones que nos inundan. Éstos son los mensajeros del más allá, su canto es el lenguaje del mundo oculto.

Ana Canteras plasma estas visiones en cada una de sus piezas, recreándose en un universo romántico, que rescata y expone como formas dinámicas, aparentemente sin conexión, pero cuyo conjunto de sensaciones, y sugerencias desprendidas, conforman una estructura onírica de gran peso intelectual. La artista exhibe una buena técnica expresiva, transformando el fondo verde de su inspiración en colores libres de pasión, de fondo grisáceo, para componer una visión fría de la historia relatada. Incorpora, en el trabajo plástico mostrado, paisajes de horizonte difuso, perdidos en la bruma, casi a punto de descomponerse en las tristes manchas cromáticas. Crea así un escenario misterioso, invitando a penetrar en su seno, para descifrar el envés de la realidad. Éste soló puede ser conocido a través de los sueños, o en todo caso inspirado por la revelación de las aves, quienes trasladan los mensajes de los genios del trasmundo.

La obra de Ana Canteras constituye una reflexión interesante sobre el tiempo, la vida y la realidad racional que los sustenta, aparte de explorar en la Historia del Arte para construir expresiones estéticas actuales, sin salirse de los modos y formas de la Pintura clásica. Esta autora va más allá de la simple recreación plástica, mera muestra ingeniosa, o habilidad con los pinceles, pues impregna su trabajo de inteligencia, profundidad en su dicción plástica y estilo propio. En su obra la Pintura se concentra en ella misma, para presentarse con otro ritmo, proponiendo nuevas interpretaciones sobre la percepción tangible sometida a la razón.

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JOSEP MOSCARDÓ EXPONE EN SALAS PARÉS

EN UN MUNDO FELIZ

Autor: Josep Moscardó. Lugar: Sala Parés (Barcelona) Fecha: Hasta el 8 de septiembre.

Un mundo amable es el plasmado por el pintor en sus cuadros, en los que se relatan una visión idealizada de la realidad. Josep Moscardó recrea imágenes de paisajes felices extraídos de momentos soñados, alojados en el recuerdo o en su imaginación, transformando la visión fiel en fantasía pictórica, de líneas suaves, dibujo intenso, formas sinuosas, donde fluye el ambiente alegre que inunda el espacio todo. El autor deposita el color con pasión, contenido en los contornos de las figuras, causando su fuerza un efecto de desbordamiento de sus límites, vibrando la mirada hasta convertir la sensación aprehendida, en su visualización, en gozo contemplativo.

El entorno se acopla a las personas, es presentado como posibilidad de campo de acción, encuentro y evasión, esta es la idea que impregna el trabajo del pintor. Representa la mirada del individuo que se enajena del tiempo presente, para adentrarse en las dimensiones felices de la existencia. Es así como quiere ver este creador plástico el paisaje que lo rodea. La plasmación de este universo convierte la obra de Josep Moscardó en un ejercicio de propuestas de escenarios utópicos, muy bien descrito en un lenguaje de líneas alejadas de la rigidez, usando colores de percepción sólida. Asemejan a ilustraciones las piezas que muestra, aproximándose a un lenguaje icónico de tono comercial. Josep Moscardó transforma esta expresión en forma artística, reelaborando esta estética con desparpajo, seguridad y habilidad comunicativa.

HOMENAJE A JULIO JUSTE

SUTIL PRINCIPIO LUMINOSO 

Julio Juste en Instituto de América de Santa Fe. Inauguración 27 de agosto.

La desaparición de Julio Juste fue inesperada, dejándonos a todos desorientados. En su última exposición, en los Condes de Gabia, se resumió la maestría, y fuerza creativa, que atesoraba. Trasladó la superficie cromática, el trazo de la figuración, a diversos soportes, extrayendo el mensaje sensitivo, la sustancia que lo intuye, experimentando con distintas formas y materiales, rompiendo el límite del marco, para salvar la luz en sus múltiples tonalidades, flujo intangible, suspiro visual, que con su roce ejerce el efecto deseado. Indagó en el espíritu de las formas, yendo hacia el origen de la percepción, el nervio infinito que hace que tiemble en la mirada como ente propio. Quiso adentrarse en la estructura íntima del color. Abrió nuevos campos en la expresión plástica.

Exploró todos los campos de la creación artística, jugando con las composiciones de manchas cromáticas de intenso impacto visual, las trasgredió y fue desmontando la superficie, supliendo soportes, adoptando formas nuevas de visualización de la imagen, preguntándose qué hay tras la luz, cual es el sutil principio que le da ánima. Concluyó un trabajo plástico de amplia extensión en su concepto y construcción, siempre unido por el resplandor de la aparición fugaz luminosa. Percibió la realidad como cúmulo de sensaciones, que se reducen en el recuerdo en formas y colores, retratando muy bien el ambiente de la época actual.

El Instituto de América de Santa Fe ha organizado dos muestras,como homenaje a este gran artista, con motivo de la donación del legado de la familia de Julio Juste. Una muestra, “Espacio Juste”, será permanente, y otra temporal, “ Armonía difusa. Pintura y obra en gran formato de Julio Juste”. 

PHOTOESPAÑA 2020 EN LA GALERÍA MECA MEDITERRÁNEO

HUMANA II EN MECA

Autores varios. Título: Hábitats- Lugar: Galería MECA Mediterráneo.Almería Fecha: Hasta el 3 de septiembre.

Dentro del programa PHotoESPAÑA2020, ofrece la galería MECA una segunda exposición, comisariada por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante. Participan en esta ocasión los artistas: Pedro Osákar, Francisco Uceda, Ilan Wolf y Emilio Barrionuevo, centrando su mirada en la intervención del hombre sobre su entorno.

Pedro Osakar plasma la Ámérica postindustrial, grandes edificios donde la individualidad desaparece, presididos por sus luces de neón, símbolo de la modernidad, paraíso prometido, cuando en su esplendor iluminaban con intenso colorido, invitando a consumir el maravilloso producto que anunciaban. Con el tiempo se convirtieron en un elemento más, distintivo y decorativo, de las grandes urbes industriales. Los años transcurrieron, y han quedado como restos del inicio hacia un nuevo tipo de sociedad. Estos paisajes producen un efecto de tristeza, olvido y decadencia. Pedro Osákar posee una mirada penetrante, que traslada en sus instantáneas con profundo ritmo narrativo, yendo más allá de la simple representación, pues suscita historias y sentimientos.

Francisco Uceda introduce su atención en la captura de los restos de la industrialización agraria, anotando en sus instantáneas la ruptura del paisaje causado por la acción humana. Recrea escenas de la periferia de los núcleos urbanos, destartalados, feos estéticamente, mas el autor sabe extraer la melancolía del ambiente, para convertir sus piezas en visualizaciones líricas. Francisco Uceda posee precisión en la mirada y concisión en el mensaje.

Emilio Barrionuevo recrea un mundo de resistencia interior, donde las personas, para subsistir, crean espacios ficticios, viviendo en un cosmos irreal, dentro de una burbuja sostenida por la fantasía.

Ilan Wolf trasciende el montaje fotográfico, logrando composiciones de profundo sentido artístico, no soportadas en la mera expresión superficial. En su obra nos comunica que todo es fugaz, el tiempo pasa, siendo el ser humano un suspiro del tiempo, pues su huella se evaporará en la Naturaleza. Excelente forma de plasmar este concepto en cada pieza, conseguida gracias a la unión de inteligencia y técnica. Sus piezas contienen nervio y un gran sentido estético.

Los cuatro autores superan el instrumento usado, transformando su producto en un relato profundo y de calidad expositiva.

  

 

Pedro Osákar

Pedro Osákar

Pedro Osákar

EXPONE ROSANA SITCHA EN LA GALERÍA BENOT (CÁDIZ)

SOLOS EN LA CIUDAD

Autora. Rosana Sitcha. Título: Identidades humanas. Lugar. Galería Benot, Cádiz. Fecha: Hasta el 11 de septiembre.

La mirada de la pintora repasa fugazmente el paisaje urbano, toma apuntes en ese momento, para un tiempo después reproducirlo en el cuadro, ajustando las formas para sobre ellas depositar capas de color, denso, pesado a pesar de la claridad que exhibe, logrando ordenar escenas descriptivas del ambiente de las ciudades representadas. Rosana Sitcha plasma el aire que envuelve calles y plazas, mostrando imágenes de fuerte impresión visual, que se disuelven en un transcurrir susurrante a lo largo de su contemplación. La pintora ofrece su obra expuesta desde una mirada distante, incluso algo fría, así lo reflejan los tonos azulados de sus luces diurnas, en un tranquilo discurrir silencioso ajeno al ruido que turba el entorno, siendo este silencio representación del aislamiento de las personas en su deambular diario, su confusión con el paisaje, la pérdida de la individualidad. Las figuras humanas son manchas, carecen de rasgos identificadores, no interesan sus biografías, viven aislados, como bultos danzantes que forman parte de la escena.

Cuando describe las horas oscuras este efecto está aún más agudizado en su pintura, jugando con los contrastes de los apagados contornos y los haces de luces que salen de escaparates o establecimientos, y siempre están allí las figuras impersonales, sin rumbo aparente, soledad y silencio, en una sociedad donde prima la incomunicación interpersonal. A veces aparece en alguna pieza un fulgor de esperanza, según los tonos cálidos que propone en ellas, mas son momentos fugaces. Con esto, quiere la artista recordar que siempre existe una salida hacia el optimismo.

Rosana Sitcha muestra un trabajo plástico de excelente gusto compositivo, estructurando las manchas en sus piezas de forma inteligente, logrando elaborar una obra pictórica de buen tono estético.