OBRA DE ANTONIA PAYERO EN LA GALERÍA ORFILA

 

LOS BRILLOS DE LA MEMORIA

Antonia Payero expone en la Galería Orfila, Madrid. Hasta el 18 de marzo.

Frescura y desparpajo muestra Antonia Payero (Madrid, 1940) en esta propuesta última. En ella nos enseña un trabajo plástico sumido en el cinetismo intuido, la algarabía de las formas y el ruido del color. La realidad es reducida a contornos y cromatismo, geometría que quiere imponer la razón y el orden del pensamiento humano, unida al color como sedimento sublimado en el recuerdo, donde las sensaciones percibidas, las emociones que guiaban la mirada del momento, y la reducción de las figuras hacia el lenguaje del color, se expresan en ellas, pero siempre éste sienta su fuerza, modificando todo al pulso acompasado de su flujo. Antonia Payero refleja estas ideas en su obra, en la cual recoge la esencia definida de su recuerdo real, la expresión última traducida en una simbología sensitiva, en la que define el tiempo vivido: desapego, movimiento, choque, presión, confrontación, éxtasis pasional cuando la Belleza consigue postrar la conciencia, extrayéndola del momento, para ser plasmados en sus piezas.

Antonia Payero consigue describir el mundo interior, que anida en los instantes sentidos impresos en la memoria. Lo consigue gracias a su capacidad para abstraerse de la materialidad tangible, su lógica estética y experiencia artística, resultado de la habilidad plástica que posee.

Son un divertimento estético, de excelente calidad pictórica, las composiciones expuestas en esta galería.

LA BALSA DE LA MEDUSA, EXPOSICIÓN DE J.HAMMER

 

LA BALSA DE HAMMER

Autor: Jonathan Hammer. Título: La balsa de la Medusa. Lugar: La Caja de Negra, Madrid. Hasta el 18 de marzo de 2023.

“La balsa de la Medusa” de Géricault significó en su tiempo, 1819, un cuadro que excitó los ánimos del público por la historia rememorada en él. Los náufragos y el canibalismo, hecho relatado por los quince supervivientes del barco hundido en alta mar, Medusa, recordado en la exposición de esta obra.

Jonathan Hammer recrea esta pieza en su actual propuesta, centrado en la idea sobre la naturaleza íntima del ser humano, su afán de supervivencia, lo descarnado de la auténtica realidad de la conducta primigenia humana, el hombre como lobo para el hombre, el egoísmo último que aparece en situaciones desesperadas. Siempre ha dirigido su acción plástica hacia la realidad descarnada, brutal, del interés de las personas, cuando la supervivencia, o el deseo ambicionado, ciega la conducta.

Recrea Jonathan Hammer el mundo de las medusas, como recordatorio del título de la obra arriba citada, y como entorno que causa pavor, pese a la belleza que su imagen suscita. Es una belleza doliente, que ensimisma el entendimiento, pero tras su tacto el dolor es el protagonista.

Muestra este artista su capacidad técnica en las piezas presentadas, elaborando monotipos de ingeniosa planificación, consiguiendo composiciones de claridad de colores, tonos exactos, diseño dinámico y dibujo preciso, simulando un caos danzante, acompasado, detenido en el momento de su recuerdo plasmado en la superficie de la pieza.

Crea, Jonathan Hammer, un cosmos complejo, laberinto donde es fácil perderse, y perecer ante el bello peligro de las medusas. Mas el sustento de su trabajo plástico es quien conduce la interpretación de la obra mostrada. Sin su intención previa explicada por el pintor, su obra aparece como un ingenio estético de gran habilidad técnica, que gusta por el equilibrio cromático reflejado, la oportunidad de los colores engarzados, la impresión agradable que su visualización produce.

Jonathan Hammer ofrece una exposición de gran calidad, cuya obra responde a su planteamiento intelectual inicial, pero desnuda de éste aparece como brillantes composiciones, en el límite del Pop abstracto.

EXPOSICIÓN "OBRA ÚLTIMA" DE CARMEN LAFFÓN

 

HOMENAJE A CARMEN LAFFÓN

Carmen Laffón, “Obra última” en la Galería Leandro Navarro, Madrid. Hasta el 17 de marzo de 2023.

Los ambientes del Guadalquivir, el Coto de Doñana, o Sanlúcar, se reflejan en la obra de Carmen Laffón (Sevilla, 1934 - Sanlúcar de Barrameda, 2021), lugares mágicos para la pintora. Los representa como una suave brisa, envuelta de un fluido cromático vaporoso, empapada de humedad presentida.

En las piezas expuestas se expresa la esencia del paisaje, cuya descripción es plasmada en imágenes evanescentes, centradas de la visión profunda surgida en los instantes de placidez plena, cuando el pensamiento de la artista se fundía con la visión luminosa, espacio de colorido suave, en el que la huella transitoria del momento especial, siempre presente y repetido, nunca pierde su emoción intensa. Es cuando el pensamiento se confunde con la Luz, abriéndose ésta en sus tonalidades verdosas, azuladas, rosáceas, algún ocre o marrón, rompiendo su unidad, para mostrar el transcurrir descansado del tiempo. Éste a veces parece esfumarse, esconderse, en su deambular de paso cansino y perezoso. Así eran descritos sus estados gozosos cuando recorría las riberas del río, o en las horas donde se sumía en el silencio de La Jara.

Carmen Laffón impulsó la figuración de su época, la reformuló y mostró como percepción sensitiva, sometida al ritmo del color, con el cual definía la seducción que el paisaje le producía. La pintora convertía la imagen en plenitud cromática, relatando la magia de los días vividos en sus lugares favoritos.

En junio del año 2015, realicé una crítica sobre la exposición “El Paisaje y el lugar” , celebrada en Granada, en la que decía que: “Carmen Laffón se mueve en los intersticios que separa la figuración y abstracción, en ese tenue espacio fronterizo entre ambos, acariciando, o arañando a veces con estridentes ruidos de su roce, la superficie de cada uno de ellos. Es una pintora fronteriza, libre de atarse en los conceptos artísticos, creando un camino propio y original, que es la característica personal de su labor plástica. Ese trayecto no es lineal, sino como he insinuado antes sinuoso y acompasado, sujeto a la fuerza del paisaje”

En la exposición que tuvo lugar en Real Jardín Botánico de Madrid, en mayo de 2021, escribí sobre ésta que: “describe la pintora un entorno que evoca el encuentro trascendente, cuando la persona busca la soledad, para poder fundirse con el ánima invisible que fluye en todo el espacio, dialogando con ella, en los momentos donde la realidad toma asiento.”

Carmen Laffón falleció en su querido Sanlúcar de Barrameda, Cádiz, el 7 de noviembre de 2021.

SOBRE LA EXPOSICIÓN DE MARÍA EGEA EN EL CAC MÁLAGA

 

ALGO NUEVO QUE DESCUBRIR

Autora: María Egea. Título: Aproximaciones. Lugar: CAC Málaga. Fecha: Hasta el 26 de marzo de 2023.

Velocidad, luces que pasan, días y noches, llegadas, despedidas, cambio permanente, sorpresas y acontecimientos nuevos, es el eje que define la obra mostrada por María Egea.

El conjunto expuesto por esta pintora posee dinamismo visual, fantasía impresa, originalidad y una amplia habilidad expresiva.

María Egea relata el poso que los cambios de lugares, y aterrizajes, se han ido depositando en la memoria. La llegada, anunciada por la pista interminable, las luces que se confunden en una línea por la rapidez en que se suceden, la ilusión por descubrir algo nuevo distinto a la rutina, están plasmadas en la configuración de sus piezas, trasladando a éstas las luminosidades, que se perciben como destellos intermitentes, que organizan un escenario fantástico, un encuentro inesperado. Los recuerdos se subliman, quedando sólo el rastro luminoso de cada uno de ellos, la emoción que los acompañaban, plasmándolos como composiciones que nos muestran bellas ensoñaciones. María Egea convierte esta experiencia en expresión artística, pues la transforma en relato estético, chispeante y armonioso, que fluye sobre un soporte lírico, en cuyo resplandor se traducen nostalgias, una vida inmersa en un pulso dinámico de cambio permanente.

María Egea posee un excelente dominio del lenguaje plástico, creando piezas de elegancia visual. Elabora una obra de agradable percepción, ágil visualización y seductora, pues logra incorporar al espectador en la esfera mágica de su narración sensitiva.

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PEDRO SEGURA CANO EXPONE SUDARIOS EN EL MUSEO DE ARTE DE ALMERÍA

 

SIC TRANSIT GLORIA MUNDI

Autor: Pedro Segura Cano. Título: Sudarios. Lugar: Museo de Arte de Almería. Fecha: Hasta el 19 de febrero de 2023.

Toda la gloria de este mundo se desvanece en el tiempo, eso nos dice, en su obra, el artista Pedro Segura Cano (Lubrín, 1964) Presenta este pintor un trabajo plástico de poderoso peso visual, intenso, de expresividad desgarradora, mostrado con reciedumbre, arrebatado ante la imagen que quiere plasmar en el lienzo.

La obra de Pedro Segura, es un relato descarnado sobre el efímero espejismo de la felicidad deseada, ambiciones, glorias y reconocimientos soñados, siendo al final de la vida vana ilusión, pues la existencia personal fluye y se desvanece, quedando sólo las cenizas de aquello que fue en la realidad pasada. Las grandezas quedaron huecas, los palacios vacíos, la huella del surco de su influencia es un lecho seco, pues la llave del grifo, de donde emanaba su poder, se cerró para siempre. Al final sólo queda el sudario del reposo eterno, así se titula esta exposición. Prelados, magnates, políticos, financieros, profesores, funcionarios, trabajadores sencillos...todos quedan igualados en la otra vida.

La propuesta de este pintor induce a la reflexión sobre lo volátil de los deseos materiales, pues el azar siempre vuela sobre nuestras cabezas, caprichoso y burlón a veces, esquivo cuando se busca, en ocasiones terrible, en otras dadivoso. Es como un fogonazo cuyo destello nos ciega, extrae de la realidad, para trasladarnos a un escenario que creemos auténtico, mas los acontecimientos que el devenir enseña son como una ola, unas veces nos lleva en la cresta, para después descender hacia el fondo. Hay quien se empeña en luchar por mantenerse en la cresta. Pero la ola, tarde o temprano, se romperá en el acantilado.

Las piezas de Pedro Segura Cano están elaboradas con variedad de materiales, incorporados según el efecto que quiere realzar en su contemplación, como grafías que incrementan el signo de la idea reflejada en el cuadro. Arpilleras, cartón, grifos… se confunden con el óleo. Las composiciones expuestas poseen un estilo de expresionismo abstracto, espacio abierto donde el creador, desde el punto de inicio del sudario propuesto, se introduce en el universo de la memoria íntima, rescatando las sensaciones que la experiencia real le ha ofrecido. Pedro Segura se deja llevar por el trance emotivo de la idea dominante, expresándola según se la dicta el sentimiento que domina su acción plástica. La transcribe con energía, en trazos amplios, con un cromatismo variado, donde el negro siempre impone su presencia.

Pedro Segura Cano ofrece una obra sólida, sin artificios y rotunda.