DIEGO BONILLO Y SU PINTURA

 

DIEGO BONILLO Y SU PINTURA

El pintor aborda la extensión del cuadro con furia, queriendo romper el recuerdo, la huella de la memoria que encadena el futuro, para transformarlo en un extenso campo de libertad, espacio de búsqueda en el que el fondo del color promete realidades infinitas, campos sinuosos de siluetas sugeridas, mares de cromatismo feliz, que insinúa múltiples sensaciones, evanescencias de la conciencia hacia territorios ajenos a la contingencia. Rómpase la memoria y contemplemos el futuro imaginado, parece decirnos el artista.

Diego Bonillo, Huércal-Overa 1954, posee una gran fuerza expresiva reflejada en sus composiciones, construyendo relatos de compleja estructura y riqueza narrativa, gracias a la variedad de materiales utilizados en sus obras de técnica mixta. Su vocabulario expositivo es rico, variado, diluyendo la realidad de la figura en sinuosas apariencias que se desvanecen en el seno del color imperante, sin estridencias ni destellos rompedores del sosiego dominante en el cuadro. Quiere elaborar el pintor un trabajo plástico donde la forma de la rememoración, definida con el detalle, se difumine y convierta en sensación, flujo de los sentidos suave y envolvente, que no por ello esconde el ímpetu depositado por el autor, pues el temblor de la obra se percibe en el fondo sublime que sostiene su trabajo plástico.

Es poderoso su influjo, atrae y atrapa la mirada, sumergiéndola en su aventura exploratoria, sometida al traqueteo de los impulsos impregnados por el autor, traspasada la puerta serena de la faz tranquila de los tonos, que como neblina oculta la realidad verdadera.

Consigue este creador plástico construir una propuesta inteligente, en la que presiona la densidad de ideas y perfiles insinuantes, interpretados como texto sensitivo de un poema barroco, en cuyos giros y encadenamientos estalla el resplandor del pensamiento florecido.

La producción artística de Diego Bonillo es el resultado de su larga experiencia pictórica, cristalizada en piezas de intensidad expresiva que se funde en una ingeniosa visualización ambivalente, en la que se yuxtaponen de forma cíclica placidez y caos, tiempo y eternidad, unidos por una lírica brumosa que incorpora magia en el conjunto plasmado en cada pieza.

Este artista es además un dinamizador, desde su ciudad de nacimiento, de las Artes Plásticas almerienses. Supera la mirada de la luz y el paisaje descarnado, sea real o abstracta, para convertirla en entidad plástica intelectual transcrita en un cuadro. Sólo un maestro sabe hacerlo así.

LA LÍNEA SALVAJE DE MARION THIEME

 

UNA MIRADA DIFERENTE

Autora; Marion Thieme. Título: La línea salvaje. Lugar: Galería Vanguardia, Bilbao. Fecha: Hasta el 31 de octubre.

Marion Thieme, artista alemana afincada en España, propone la percepción profunda del entorno natural, representando su imagen descarnada, llevada hacia su expresión más esquemática, aquella que permanece impresionada en la memoria, impregnada de sensaciones, sentimientos, incógnitas sobre la sustancia intangible que palpita en toda su extensión. Mas no es su contenido lo que esta creadora quiere mostrar, sino exponer por sí misma la esencia de la imagen, la estructura que la sostiene, la reducción última que permanece en el recuerdo.

Esta artista elabora piezas en las que incorpora pintura, materiales plásticos, como soporte, y la fuerza de las puntadas que desarrollan las líneas entrecortadas en sus composiciones, nudosas y rígidas, enmarañadas entre sí, construyendo un clima misteriosos reflejo de la ignorancia que soporta nuestro conocimiento de la realidad.

Es diestra en su expresión plástica, logrando elaborar un entramado de intensidad visual, sencillo en su aspecto, complejo en el efecto creado en el espectador, ya que gracias a los materiales utilizados, juega con las transparencias, las energías aprehendidas en sus figuraciones hilvanadas, ofreciendo que se superponga la fantasía plasmada en la pieza con la realidad, logrando un juego dinámico en la que la luz atraviesa la imagen, insinuando un horizonte difuso, que se escapa y funde con lo invisible. Sitúa al observador en el punto de fuga hacia otras formas de mirar el entorno, evadiendo el pensamiento de la rutina diaria.

Completa la exposición con otras composiciones, dibujos y piezas en la que la madera supone un elemento de soporte y expresión de la idea central que la desarrolla.

Propone Marion Thieme una instalación fresca y de inteligente metafísica visual.

MARÍA TERESA MARTÍN VIVALDI EXPONE EN SANTIAGO COLLADO, GRANADA

 

EN EL ESPLENDOR DEL JARDÍN

María Teresa Martín Vivaldi. " A la espera de un jardín " En Sala de Arte Santiago Collado. Hasta el 21 de noviembre.

Estalla la luz en los jardines de María Teresa Martín Vivaldi. Esta pintora recrea el esplendor máximo de las horas gloriosas del mediodía, cuando el color triunfa, desvelando los ríos cromáticos que se desbordan de la exuberancia vegetal, expresión del fulgor vital que bulle en su seno. Las plantas crean el color, lo definen en sus hojas, pétalos y tallos, mostrando una intensidad tonal azarosa.

Elegancia y calidad son características en la obra plástica de M.T. Martín Vivaldi, mostrando su habilidad en el uso de la grafía sensitiva, plasmada en el lienzo, equilibrada, poderosa, y sin embargo expuesta con delicado tacto, introduciendo campos de sosiego en su composición, para así no anegar la mirada, construyendo un engarce de subidas y descensos tonales que alimentan la mirada, el arrebato inesperado, la sorpresa del contraste.

Consigue esta pintora construir un relato visual acompasado, sin romper el hilo sensitivo de la percepción, rítmico y de elevado efecto pasional, el cual extrae, y seduce, en el momento mágico triunfal de la claridad luminosa, cuando la atención se postra ante el éxtasis de su presencia.

M.T. Martín Vivaldi, incorpora la mancha oportuna, traduce el efecto del encuentro emotivo en el entramado de trazos precisos, reflejando en el fondo de la composición la fuga hacia los espacios de fantasía, desvaída, imprecisa, imaginada, supuestamente feliz.

Excelente, como siempre, María Teresa Martín Vivaldi.

FARNCISCO LEIRO EXPONE DE NUEVO EN MADRID

 

LA INDECISIÓN DE LA ESCULTURA

Autor: Francisco Leiro. Título: A filla da porteira, Lugar: Galería Marlborough. Hasta el 19 de noviembre.

Traslada el artista sus personajes a un mundo íntimo, separando el exterior de las vivencias propias que los recorren. Ya no muestran la rusticidad, el desparpajo, la fuerza hacia el entorno de otras ocasiones, sino que reconcentra sus creaciones en ellas mismas, siendo el espacio envolvente prolongación de sus avatares internos. Francisco Leiro, nos muestra el proceso de transformación de sus figuras bajo una lucha constante por cambiar, en un proceso de aislamiento, y olvido, del transcurrir mundano. Su obra es mostrada en un estado de plasticidad sin fin, flujo detenido en el instante, en su evolución hacia otras realidades en su percepción. Mantiene la solidez, el peso presentido, la rotundidad de sus esculturas, pero es el dinamismo inherente a ellas el que se dirige hacia su interior, convirtiéndolo en acto pasional, algunas veces trasluciendo el drama oculto de las personas, que es mostrado en la onda plástica congelada en sus composiciones.

Pero las piezas de Francisco Leiro expresan algo más, pues representan el proceso de construcción de la escultura, cuando deja de ser madera y toma forma definida, estado en el cual adquieren el soplo vital que les refleja vida. Es en el momento de recibir ese hálito cuando aparecen en un estado de paso, a la espera de la definición última de su aspecto, y actitud, hacia el espacio circundante, mas se resisten, surgiendo la duda permanente en los seres que toman asiento en la materia inerte, parece que quieren estar aislados, evadirse de la realidad que se les proyecta.

Quiera o no el artista, en su trabajo plástico se traduce las tensiones presentes en estos tiempos, siendo magistralmente formuladas en la madera por este genial escultor.