ALBA SEIJAS EXPONE EN BILBAO

 

LAS FORMAS DEL COLOR

Alba Seijas en la galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao. Título: “La duda sentada yo de pie”. Hasta el 3 de diciembre.

Alba Seijas presenta una obra espesa de color, bulliciosa en la transformación caótica de las formas, tradicional en la estética abstracta escogida, y rotundamente expresiva en la pintura que muestra.

Sus óleos son un discurrir sin fin de manchas cromáticas, que luchan por un espacio propio, tensión concentrada alejada de la periferia, rota su confrontación, a veces, por gruesos trazos que se interponen entre las masas de color, simulando flujo y plasticidad, en el cinetismo interno que quiere ser forma pero no lo consigue, pues siempre aparece como un mar pastoso en desestructuración permanente. Este efecto introducido produce una ruptura en la mirada estática, salvando la imagen del tiempo en la comprensión del espectador. El nervio de la pintora, sus impulsos, y despersonalización en el proceso de la creación plástica, convierten los óleos expuestos en estructuras dinámicas bidimensionales, donde el azar y el tiempo juegan con la imaginación al observarlos. Las formas se disuelven en colores, siendo vencida la geometría, pues quien rige en el cuadro es la pasión.

Alba Seijas es una joven pintora que construye un vocabulario gráfico de gran fuerza expresiva, emoción y desparpajo. Controla el uso de su paleta, sabe dirigir su consciencia lógica, y persigue sin cesar la composición iluminada, es decir, aquella ante la que sienta la necesidad de postrarse. En la búsqueda de ese espejismo irá produciendo piezas de interesante valía artística.

MARÍA DOLORES GALLEGO EXPONE EN LA GALERÍA MECA

INCERTEZA VIVA

Autora: María Dolores Gallego. Título: Incerteza viva. Lugar: Galería Meca Mediterráneo. Fecha: Hasta el 25 de noviembre.

Ráfagas cromáticas se deslizan en la superficie del cuadro, suavemente, en finos planos superpuestos, buscando los colores su lugar, en su transcurrir por senderos delimitados, casi siempre por un orden geométrico, cortante, rígido, salvo en algunas piezas donde se observa un atisbo de rebelión al orden tonal establecido.

El color se difumina en su discurrir en el plano, volviendo al origen, a su interior, oculto, agazapado, obligado por el peso de la estructura, mas existen efluvios delicuescentes de tonos ligeros, que inducen brillo a la composición.

María Dolores Gallego ( Torreperogil, 1988 ) ofrece un conjunto plástico de gran calidad técnica, perfecta conjunción de tonos, y estructuración de un lenguaje de intenso significado sensitivo. La artista propone la búsqueda infinita en un páramo ajeno de referencias donde sujetar la razón. Es una aventura colectiva en la que el espectador se une a ella, para adentrarse en los sinuosos espacios, separados por el ritmo cromático impuesto por el signo del color.

Es un camino incierto, amplio, sin horizontes posibles, sólo abierto a la imaginación, al ensueño, a los deseos sujetos a la fantasía, alejados de una realidad hostil, áspera, dura, y ajena a una existencia relajada y acompasada con el entorno natural. Es por lo que esta creadora plástica ofrece unos campos sometidos a la vibración cromática permanente, en los cuales poder evadirse, y perseguir la revelación que explique el sentido del tiempo actual. Mientras tanto todo es relativo, no hay certeza segura de lo que es real.

Construye María Dolores Gallego una obra compleja, en sus estampados sobre tul, de varias capas superpuestas, quedando siempre patente el orden lineal que organiza la tela, así como la distribución de las distintas corrientes de colores, que se entrecruzan, superponen, no se mezclan, símbolo de la soledad en la multitud. Cubierto el conjunto por una superficie que parece rizada por una brisa suave, aportando el efecto de tranquila estancia contemplativa, induciendo la dualidad de oscura confusión con la feliz espera iluminada.

El trabajo de María Dolores Gallego es rico en apreciaciones estéticas, complejo en su elaboración, e inteligentemente expresado en sus piezas. En ellas, surge el pulso visual de una oscilación rítmica de amplitud susurrante, que fluye anodina, constante, sin rumbo fijo, sujeta a variaciones y sorpresas varias, donde es el capricho el único que impone sus reglas en el seno de su influencia. Excelente exposición.

LAS FORMAS DEL ENIGMA

 

Autor: José Lupiáñez Barrionuevo. Título: Las formas del enigma. Ediciones Carena.

¿A qué llamamos enigma? El título del libro sugiere esta pregunta, el poeta indaga en las tinieblas, tras la Luz, pues es en ellas donde puede encontrar el sentido tangible de las formas de la existencia. José Lupiáñez Barrionuevo explora en los confines brumosos de la realidad, buscando una explicación a los avatares azarosos sujetos al dictado de las horas.

Es el recuerdo la única vía posible para rescatar el tiempo pasado, la plenitud gozosa de la juventud, aunando imagen y sensaciones, la imagen como como soporte del momento rememorado, la sensación como emoción vivida ante lo inesperado. Es la sorpresa de los instantes intrascendentes, quien con sus destellos abre la grieta hacia el otro lado de la cortina luminosa, para descubrir la esencia etérea que se resiste a ser medida, pues es voluble, esquiva, engañosa a veces.

Recorre el poeta sueños de lozana juventud, el amor, la pasión, el roce de la magia disfrutada en un atisbo de trascendencia, cuando los rumores de la divinidad se escapan de lo intangible.

El mar, el Sol, la brisa que nos roza, el ritmo de las horas, la persona amada, son los recursos utilizados por el autor, para describir la aventura cantada sobre un océano caprichoso, el cual unas veces se muestra brillante, profundo azul relajante, en otras se torna tormentoso, impidiendo al viajero sentimental concluir su viaje, alejándolo de su Ítaca. Mas la voluntad vence a las contingencias veladoras del esplendor del puerto deseado, reconduciendo su derrotero hacia los espacios presentidos.

José Lupiáñez intenta cartografiar los enigmas que subyacen en el subconsciente humano. Pues es el poeta quien intuye su presencia. Propone voces poéticas variadas, libres, adaptadas a la circunstancia de la revelación perseguida, navegando despreocupado con sus versos, otras precavido en los sonetos, o utilizando como anclaje el rigor de la rima, cuando los genios ocultos quieren confundirlos con su niebla. Es la música ajustada al sonido de sus textos quien conecta con los espíritus invisibles, manipuladores del destino. El poeta los presiente, expandiendo la resonancia de sus versos, para que se impregnen del eco de su presencia, y acariciar los conocimientos eternos que tan celosamente custodian.

Constituye esta obra una reflexión sobre la experiencia de la vida, disfrutando la realidad sentida, evadiéndose del dictado del tiempo.

José Lupiáñez propone una poesía profunda, personal, guiada por los sentimientos, aquellos que no se dejan seducir por la relatividad de los sentidos.

LA NATURALEZA OCULTA DE MARVIN LIBERMAN

LOS GENIOS DE MARVIN LIBERMAN

El artista depura las formas, se adentra en su esencia, captando el espíritu impregnado en las ramas de los árboles, nervios de vida latente, organizando con ellas, arropadas con telas, figuras que asumen fuerza vital propia. Son esculturas inquietantes, con movimiento presentido, de imagen amorfa, que recuerdan a genios que habitan en la libertad de los campos.

Marvin Liberman, artista estadounidense afincado en España, expresa en su obra esculturas primordiales, representaciones de los espíritus que dan sentido al mundo material que nos circunda. Son formas chamánicas, reproducidas en sus obras, construidas con ingenio y conocimiento taumatúrgico, no como ejercicio de exploración compartida con el público, como tampoco son expresiones estéticas expuestas , sino que construye una simbología mágica en sus composiciones, aprovechando las ánimas escondidas en las ramas, que piden ser liberadas para mostrar su influjo.

Recrea el mundo oscuro que subyace en páramos, bosques o descampados solitarios, el cual fluye ajeno a nuestra existencia, salvo cuando perturbamos el silencio de sus espacios.

La agresión continua sobre el medio entorno natural, la deshumanización de las personas, las construcción de una Humanidad que pierde su componente trascendente, son apreciadas en la observación del trabajo de Marvin Liberman, no en forma de descripción directa, sino mediante la conexión visual que transmite el lenguaje de los espíritus.

El aspecto inicial de sus composiciones es duro, destartalado, primitivo, salvaje y seductor. Pues transmite magia, inquietud, desolación en el alma, descubrimiento de la senda hacia estancias invisibles, rescatando la mirada de los tiempos en el que el hombre conversaba con la Naturaleza. En las piezas se refleja el pulso del ánima que ocupa cada árbol, cada planta, montañas y lugares, voces escondidas que recitan sin cesar la existencia de otro cosmos, intangible, solo sentido y apreciado por la intuición, que nos relatan su unidad con el devenir común, siendo signos volubles sujetos al azar de las leyes naturales, en el ritmo del tiempo infinito, que surgen de la variabilidad de la sustancia inmaterial para avisar de su presencia.

Marvin Liberman es un artista distinto, de poderosa expresión plástica, auténtico e independiente. Ha conseguido introducirse en la esencia de la manifestación artística, cuando significaba un encuentro y vínculo con el rumor de la Creación.

JUAN ANTONIO MALDONADO EXPONE EN EL MUSEO DE ALMERÍA

 

LAS BRUMAS DE J.A. MALDONADO

Juan Antonio Maldonado. Título: Brumas perdidas. Lugar: Sala Perceval de ‘Espacio 2´ Museo de Almería. Fecha: Hasta el 14 de noviembre.

Se introduce el pintor en un escenario irreal, descubierto en los espacios sometidos a las horas del tiempo frío, cuando la soledad inunda sus rincones, en aquellos momentos en los que la luz avanza, o retrocede batida por la oscuridad. Es un paisaje brumoso el extraído por el artista, plasmado en sus signos esenciales.

Juan Antonio Maldonado recrea en sus acuarelas un mundo de sensaciones poéticas, marcado por un intenso pensamiento romántico, en el que la apariencia del misterio encierra el verdadero motivo de su búsqueda, siendo éste el rumor sensitivo que envuelve la mirada al contemplar un paisaje, el cual aparece entre brumas, que se levantan como cortinas, en los instantes de tránsito de la luz hacia su esplendor o fin, para sugerir la presencia de genios que dan vida al entorno. La aventura iniciada por este acuarelista se centra en un contorno borroso, pues la figura se desvanece para convertirse en presentimiento, proyección del ser en la Naturaleza, en la búsqueda de su destino, tras el rastro del pulso que otorga vida, nervio que da fulgor visual a todo lo sensible.

Juan Antonio Maldonado plasma esa fuerza en cada una de sus acuarelas, con habilidad técnica e inteligencia cromática, logrando definir su exploración de la realidad, aquella que traduce la mirada en impresiones y recuerdos. La obra de esta pintor extrae los límites de las formas para representarlas como manchas borrosas, en un fondo de grises heterogéneos, desnivelado, según su profundidad, rescatando el poder anímico que se esconde en los elementos del paisaje. Expande la percepción del momento hacia recuerdos abstractos que reproduce como impresiones, cuando el trazo acuoso se enfrenta al control del pincel para reflejar la imagen perseguida. Ofrece al espectador, que se interna en los estados que trascienden la rutina de la visión cotidiana, el ritmo de tonalidades en un mar de grises, acompañando a este creador plástico en el viaje hacia los destellos de la revelación trascendente, quizá sea esto un pretexto para el encuentro personal con el yo propio.

Es extensa la labor artística de Juan Antonio Maldonado, en la cual ha ido depurando su estilo, para superar modos tradicionales del trabajo con la acuarela, logrando producir piezas de calidad y gran significado metafísico, expuestas como impresión romántica que tiende hacia la abstracción. No se conforma con una obra preciosista, ni descansada en la reproducción de estampas de esta tierra sureña, sino que indaga sobre la esencia que le da vida.

PACO LARA-BARRANCO EXPONE EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

LA EXPERIENCIA SENSIBLE DE PACO LARA-BARRANCO

Autor: Paco Lara-Barranco.. Título: Entre lo visible y lo invisible. Lugar: Galería Birimbao, Sevilla. Fecha: Hasta el 27 de noviembre.

El azar aparece en todo proceso creativo, siendo fastidioso cuando desvía el resultado del esquema preciso ideado al principio, como también fructífero cuando el autor inicia el camino presa de la búsqueda de soluciones distintas. Casi siempre al final lo encontrado es absurdo o nada novedoso, desembocando en el mismo lugar donde todos descansan, mas el ingenio, experiencia, y gracia compositiva del momento elegido, consiguen alcanzar otras zonas inexploradas, sugerentes y repletas de nuevas perspectivas para seguir superando el ciclo repetitivo común al resto.

Francisco Lara-Barranco es un pintor inmerso en la constante exploración de nuevos hallazgos estéticos, pues parte del concepto de la fusión del artista con el ejercicio compositivo en su elaboración, relegando la voluntad racional para perderse en los espacios del subconsciente, dejándose llevar por el ritmo que nace al manipular la materia, quizá estuviera escondido en ella, para acabar liberado tras la conclusión del proyecto creativo.

Hay elementos que siempre se cuelan al configurar una obra de arte, pues subyacen en los arcanos mentales del ser humano. El tiempo, la fugacidad de la vida, la impregnación que deja la persona en el entorno, son siempre recurrentes. La habilidad del artista es la que logra reflejar las reflexiones incorporadas por el pintor en sus cuadros, siendo su mérito aún mayor cuando no abandona el estilo ya conocido, sino que intenta superarlo o acaso decir algo nuevo y singular. Este es el principio que dirige la construcción plástica de Paco Lara- Barranco. Insiste en la Pintura como objeto artístico de diálogo, magia y significado estético que inunde la mirada de sensaciones compartidas.

Este artista se recrea en el color, en la capacidad de la Luz para desvelar la naturaleza percibida de la realidad sensible. Es el color, y su conjunción, quien genera diferentes formas de comprenderla, compartiendo esa experiencia con el espectador. La misión de éste consiste en descubrir los detalles que están presentes en el cuadro, quienes se transforman en las sucesivas ocasiones en que se contemplan, sea por una luminosidad diferente, también por el pulso del sentimiento imperante en ese momento.

Paco Lara-Barranco ofrece una obra interesante y calidad compositiva.

MARIASÚN SALGADO EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

 

LEAVING

Mariasún Salgado en la Galería Orfila, Madrid. Título: Cartografías imaginarias. Fecha: Hasta el 16 de noviembre.

El título de esta reseña es una composición musical de Chet Baker, la cual es oportuna al contemplar la obra de Mariasun Salgado. Ambas se acompañan en el sentimiento de frío abandono en un laberinto áspero, de tonos oscuros, pese a los destellos agradables que se escapan en algunos de sus rincones. La artista, arquitecta de formación, reproduce en sus piezas cartografías sublimadas, posos alojados en sus recuerdos de la esencia de paisajes urbanos, planos, construcciones, expresando en ellas presión constructiva, autoaislamiento del entorno natural, el cual aparece en algunas de sus obras cálido, abierto, inexplorado, pues todo se concentra en la ciudad, enmarañamiento de estructuras geométricas, en las que las líneas cambian bruscamente sus trayectorias, reflejando dureza, aristas cortantes como la vida tediosa que oprime la soledad de sus habitantes.

Mariasún Salgado elige muy bien la diversidad de materiales con los que construye su propuesta, cartón, papel, tinta, pintura acrílica y óxido sobre plancha de acero. Obras sobre papel en las que maneja técnicas de collage, o compuestas de planchas que se combinan entre sí, siempre presionándose, queriendo forzar en el espacio diseños ajenos a su esencia. Es una imposición de la razón, bajo una lógica que vive de espaldas a los espacios paisajísticos en los que se asientan.

La dureza del metal, con la aridez del óxido, la rigidez de los ángulos, una conjunción equilibrada de tonos apagados, donde se divisa algunas claridades amables atisbo de esperanza, conforman una cartografía irreal, suspendida en planos desnivelados por el efecto cromático, vértigo y pérdida en el espacio acotado, quizá sea porque no se libera la mirada de la superficie.

Esta muestra significa un ejercicio de indagación sobre el lenguaje de las formas, iconografía sensible que traduce un torbellino de sensaciones, muy difícil y largo de expresar de otra manera. Interesante exposición.