LA FOTOGRAFÍA ES MAGIA. EXPOSICIÓN EN MECAMEDITERRÁNEO

LA FOTOGRAFÍA ES MAGIA

Francisco Uceda, Asunción Lozano, Cristóbal Carretero Casinello y Antonio E. Ojeda, comisariados por Orestes González. Exposición Phantasía: La fotografía es Magia. Lugar: Galería Meca Mediterráneo. Fecha: Hasta el 25 de septiembre.

La fugacidad de la mirada se confunde con el tiempo fenecido, humo transitorio que se desvanece al instante, quedando el recuerdo, que rescata el momento mezclado de rasgos que impresionaron más profundamente de la imagen percibida, sensaciones y emociones compañeras del instante.

La fotografía, o vídeo, es la luz salvada de la nada, flujo intrascendente que dicta la transformación constante, el sendero hacia el cambio permanente. La luz fijada en la instantánea plasma los detalles de la imagen real, tal y como se muestra en esa ocasión, mas ¿es realmente una expresión de la realidad circundante? Esta es la reflexión que proponen los cuatro artistas que presentan esta exposición.

Con motivo de PhotoESPAÑA 2022, cuya sede se celebra en MECA Mediterráneo, con la colaboración de la Universidad de Almería y Culture Lab at The Plaxall Gallery de Nueva York, cuatro artistas de la vanguardia visual española ofrecen un relato personal sobre la esencia de la imagen, así como la transformación del registro digital en expresión estética, más allá del reportaje, de la escena sensitiva o el montaje participativo con el espectador. Es un producto metafísico, donde los autores organizan una narración contemplativa, ajena al curso de las horas, detenida, apacible, o inquietante por el motivo encontrado, buscando el halo imperceptible que rodea el ambiente, el detalle inesperado, lo que la auténtica realidad encierra.

Muestran estos creadores plásticos su intencionalidad en la exploración de la luz retenida, cuando descubre brillos y colores, sombras y claridades, que se configuran como representación con significado propio. Se introducen en la interpretación oculta de la imagen, aquello que refleja el subconsciente, miedos, fantasías deseos… o quién sabe si esperan encontrar el genio oculto que trastea en los engarces de las horas, convirtiendo sus travesuras en azar.

Se presentan composiciones de dinamismo intenso, ilógicas, rapidez evanescente que trastoca la figura supuesta original, inmersa en una observación de delicuescencia intangible, que a la vez contrapone con la realidad estática, la soledad, la lucha por la vida, la imaginación del cine detenido en un fotograma, conexión con el entorno almeriense. Si no, la escena cíclica, atemporalidad permanente, donde la mirada extrae nuevas formas y pensamientos. Todo confluye en la composición de piezas múltiples, que como un puzle se reconfigura para indicar la incertidumbre en la que nos desenvolvemos.

Como siempre, inteligente y excelente instalación la propuesta en esta galería.

NICO MUNUERA EXPONE EN LA GALERÍA LA CAJA NEGRA

 

HORIZONTES DEL AZAR

Autor: Nico Munuera. Título: Las montañas azules caminan. Lugar: Galería La Caja Negra, Madrid. Fecha: Hasta el 19 de noviembre.

Extrae el pintor el detalle en el paisaje, para desvelar la imagen auténtica que este encierra. Es una impronta visual sencilla, la cual contiene el misterio del conocimiento, la incógnita permanente sobre otras realidades más allá del horizonte, la búsqueda de lo desconocido. Muestra horizontes tras un relieve suave, cuyo perfil se desarrolla con tranquila ondulación, simulando un vaivén que pone en duda la solidez de la montaña, induciendo cambio que se desliza sinuosamente en el pasmo del tiempo detenido.

En el horizonte fluye la luz, en sus varias conformaciones tonales, siempre propuesta como ensoñación, universo etéreo donde la mirada penetra en el interior de sus fantasías, pues son ellas quienes guían el curso intuitivo al contemplar sus piezas.

Nico Munuera, Lorca1974, es un experimentado artista que traslada sobre el papel la idea estética que quiere desarrollar. Trazos poderosos le dan forma, sobre un fondo de cromatismo agradable, tenue y de asimetría en su desarrollo. Cielo y tierra, es la combinación que origina el relato en sus piezas, murmullo de color que surge de la base espesa, generando, con su economía de elementos plasmados, un entramado complejo en el que se interna el espectador, construyendo su historia particular.

Este creador plástico, al estar ante el blanco del papel, se deja llevar por el devenir de la fuerza que capta en el ambiente, cuando contempla los campos hasta el límite que los separa del firmamento. Es un impulso ilógico, dejando que sea el pincel quien en su azaroso transcurrir defina el espacio pintado. Idea simple, rica en sugerencias, producto del ingenio de Nico Munuera. Excelente exposición.

PINTURAS Y ALGUNOS BOCETOS, 1972-2022, DE ROSA TORRES

LA GRAFÍA SENSITIVA DE ROSA TORRES

Rosa Torres en la galería Fernández-Braso. Hasta el 22 de octubre. Título: Pintura y algunos bocetos. 1972-2022

Muestra Rosa Torres las huellas de su trayectoria plástica en pos del sentido de la percepción. La pintora recorre un intrincado sendero, descifrando los enigmas que guarda la comprensión sensitiva de la imagen, cuando la mirada comprende, interpreta y elabora, su reflejo en el cuadro.

Esta artista fue, de forma gradual en los ochenta, evolucionando desde la línea y trazo sinuoso de color, en cuyas condensaciones, densidades y desniveles tonales, definía la idea contenida en el lienzo, hacia trazos cortos, tomando espacio circundante, mostrando paisajes sumidos en estados emocionales, algunas veces fríos o indiferentes, si no envueltos en inquietudes indefinidas, disolviendo la presión de la composición, apareciendo con fuerza expresiva las manchas cromáticas, desafiantes a veces, rompedoras del sosiego inicial de la blanca superficie.

Rosa Torres ahonda en la esencia de la figura, entendida en las condensaciones de color y trazos rotundos, convirtiendo su trabajo en grafía sensitiva, la cual fue trasladándose hacia configuraciones apacibles, lugares de tranquilo transcurrir, cuando el tiempo parece detenerse. Amplia los campos cromáticos, cuya combinación construye el tema central de su obra. Mas con el tiempo la geometría, la razón reposada, hace su aparición como sensatez plasmada.

El conjunto mostrado induce vibración chispeante en la mirada, intensidad en el concepto y atracción en su observación. La obra de Rosa Torres posee autenticidad y excelente dominio técnico.

JUAN PITA EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

EN LOS JARDINES DE LA MEMORIA

Juan Pita expone en la galería Orfila. Hasta el 27 de septiembre. Título: DigiArt

En los días grises de la pandemia, cuando las horas se sucedían iguales, los artistas sentían la opresión de la realidad sin horizonte, escapando a través de sus creaciones, puertas hacia otros espacios donde la imaginación describe deseos, miedos, ensoñaciones, pasiones…

Juan Pita nos muestra el reflejo de su viaje sensitivo, en ese periodo triste, expuesto como confusión, dolor y esperanza, racionalizado con su mirada, pues la serenidad lógica nunca la abandona.

En sus piezas se refleja una ruptura permanente, ideas agolpadas, fricción por subsistir, colores densos, que ensombrecen los momentos luminosos de antaño. Es un recorrido de perspectiva hiriente, poliédrico, onírico, paseo por los jardines del subconsciente, recogiendo el pintor los aromas que le suscitaron melancolía por el tiempo perdido, lucha por un futuro esperanzado, complejidad en la existencia incierta, y siempre esperanzado. En su obra, elaborada con materiales diversos, óleo, impresiones digitales, recortes, organiza un caos ordenado, siempre sujeto en los límites imprecisos de la razón, geometría cortante, que sujeta el cosmos circundante. Es una tensión latente la existente en sus composiciones, apareciendo como resultado la alteración de los límites de los ángulos rectos.

Juan Pita ofrece un trabajo plástico de intensidad sensitiva, recio a la mirada, campo de variabilidad en su comprensión permanente, según sea el estado anímico de quien los observa, mostrando nuevas percepciones cada vez que es mirado. Interesante exposición.

JUAN CARLOS LÁZARO EXPONE EN LA GALERÍA GURRIARÁN

EVOCACIÓN MÁGICA DE LA EXISTENCIA

Expone Juan Carlos Lázaro en la galería Gurriarán, de Madrid, su obra reciente, la cual estará presente hasta final de octubre.

Prosigue el pintor en la exploración del espacio luminoso, sumido en su universo de color, desvelando las sucesivas capas que simulan una incertidumbre en la percepción de las formas, en la definición del detalle supuesto, haciendo que surja en el espectador un sentimiento desasosegante, ante la inseguridad de lo que la mirada propone

Es una aventura de comprensión sensitiva, en la que el artista reflexiona sobre la influencia del color sobre la forma interpretada, exponiéndola como hallazgo, si no como sugerencia o guiño a la reinterpretación ayudada por el recuerdo, con las sensaciones que influyeron en ese momento.

Es Juan Carlos Lázaro un creador de gran profundidad estética, reinterpretando en cada una de las piezas sus conclusiones plásticas, siempre enfrascado.en el tránsito hacia una realidad ajena al tiempo imperante, evasión hacia otras perspectivas de la mirada.

La obra de Juan Carlos Lázaro posee una impronta singular, impregnada de calidez, serenidad, atemporalidad, inquietud metafísica y evocación de los momentos mágicos de la existencia.

CRISTO EN EL DESIERTO, DE IVÁN N. KRAMSCOI

 

CRISTO EN EL DESIERTO

La pintura del siglo XIX alcanzó cotas de soberbia perfección, siendo sus protagonistas principales los pintores rusos de la Sociedad de Exposiciones de Artistas Itinerantes. Fueron estos artistas un grupo inconformista con el academicismo imperante en las artes plásticas, que iniciaron un camino creativo propio.

Uno de los impulsores de dicho movimiento fue Iván Nikoláyevich Kramscói, 1837-1887, quien se enfrentó a los cánones imperantes en la Pintura de la Academia Imperial de las Artes, de San Petersburgo, por lo que le valió su expulsión de dicha institución. Kramscói poseía ideas democrática revolucionarias, e influenciado por el romanticismo dirigió su mirada hacia la esencia del alma rusa, la cual veía sometida al poder zarista y las modas occidentales. Buceó en el espíritu de pueblo eslavo, a través de los retratos de todo tipo de gentes de diversas clases sociales, pero prefiriendo siempre al campesino ruso, detentador de las tradiciones más antiguas de su cultura. En los retratos de siervos y campesinos, refleja en sus cicatrices, y faz ajada, una vida de privaciones y trabajo, iluminando en sus ojos el sometimiento secular de su existencia. Pero traslucía en sus pupilas signos de vida, fuerza y ganas de ser hombres libres.

Fue tal la calidad alcanzada por Kramscói en su producción artística, que logró ser reconocido entre los mejores, junto a sus compañeros de la Asociación, traspasando las fronteras, superando otras producciones del realismo europeo de aquellos años.

Kramscói llegó a ser considerado como uno de los grandes retratistas de su época, llegando a pintar al zar Alejandro III, así como a otros miembros de la aristocracia.

Pero en su trabajo plástico sobresale, y eclipsa al resto de su obra, “Cristo en el desierto”.

Esta es una pieza limpia, descarnada, en la que se sitúa a Cristo en medio de un páramo inhóspito, pedregoso, bajo un cielo suave y monótono. Aparece en plena reflexión, en las horas crepusculares, antesala de la oscuridad, absorto de su entorno, en una soledad absoluta, plasmado en su rostro un sufrimiento infinito, de espaldas al mundo de los deseos, que se supone tras el horizonte. Muestra su Divinidad en la posición insólita de una piedra, objeto de su mirada, que desafía las leyes gravitatorias. Su dibujo es preciso, cortante, consiguiendo otorgar existencia real al entorno, aplicando un colorido de tonos tranquilos, sin estridencias, en un ritmo que simula eternidad, pues todo parece detenido.

Obra magistral, genialidad de un gran pintor.

KENOPSIAS. HUELLAS DEL SILENCIO

 

EL VACÍO VENCIÓ AL TIEMPO FELIZ

La pintora sugiere espacios silentes, vacíos, estancias que recuerdan a viviendas antiguas hace tiempo sin ser habitadas, lugar de abandono y olvido. En ese escenario surge la curiosidad, el misterio, la evocación del recuerdo, latente en sus paredes y rincones..

Marisa Álvarez Aguilar, Córdoba 1973, profesora en la Escuela de Arte de Granada, tiene en su currículo una relación artística con Almería, tierra donde ha expuesto en varias ocasiones. En la actualidad puede ser contemplada parte de su propuesta “Kenopsias. Huellas del silencio” en la galería almeriense Acanto, lugar en el que tuve un encuentro con la obra de esta artista, cuya intensidad visual me llamó la atención, la profundidad del relato contenido, en el que se percibe una lírica sencilla e intimista, así como la calidad plástica de las piezas expuestas.

Marisa Álvarez Aguilar explora en sus piezas las estancias deshabitadas, las huellas de los antiguos moradores, el flujo infinito del silencio, exponiendo una metafísica del vacío, en el cual la mirada se difumina, navega y vuelve de nuevo a su inicio, iluminando la esencia de la realidad.

En esta representación espacial la artista utiliza la luz para definir las dimensiones, convirtiéndola en instrumento develador del pulso tranquilo de las horas, que transcurre por los espacios, rebota, y esparce, hasta confundirse en las paredes, techo y suelo. En este encuentro es cuando aparece el resplandor del universo invisible que ocupa las habitaciones, cubiertas de luz, que camufla la realidad del tiempo eterno, encerrado en una danza que se repite sin fin. Muestra la pintora este relato de forma sobria, con limpieza visual, sobre una estructura geométrica, en la cual la claridad y el latido oculto de la estancia llenan de contenido la comprensión de la obra, haciendo cómplice al espectador de la escena propuesta. Las creaciones de Marisa Álvarez Aguilar generan pensamientos diferentes cada vez que se observan, encontrando la mirada motivos antes no percibidos, nuevos enigmas, o historias no pensadas. La persona y el cuadro recrean un diálogo distinto en cada contemplación, encontrándose en la nada, sumida en una reflexión continua, donde la nostalgia de los tiempos de plenitud eran triunfantes, pero el vacío lo suplantó con su presencia.

Evocación en la mirada, emoción ante la revelación, libertad de pensamiento, destellos del pasado, afloran en la memoria del espectador, trasmitiendo las composiciones de esta autora fuerza contemplativa, belleza y serenidad en el recuerdo.

OBRA DEL FOTÓGRAFO ALMERIENSE PÉREZ SIQUIER

 

CARLOS PÉREZ SIQUIER

Con motivo del festival PhotoEspaña 2022, se expone en las galerías madrileñas Blanca Berlín, hasta el 30 de julio, y en la Sala Recoletos de la Fundación Mapfre, hasta el 28 de agosto, la obra de Carlos Pérez Siquier.

En las piezas expuestas se muestra el recorrido que siguió este creador plástico, desde el un realismo social descarnado, preciso, captando lo que el entorno le ofrecía, penetrando hacia lo más íntimo de la cultura popular almeriense, traspasando la anécdota del gesto y aspecto, para describir la dureza del medio, olvido y abandono secular de esta tierra, hacia instantáneas llenas de color, luz y fantasía.

Aunque nunca dejó el tema de la Chanca, evolucionó hacia la claridad luminosa, plasmando el cambio de la ciudad, el turismo, siempre con el mar y el cielo almeriense como compañeros permanentes. En esta serie se refleja una abstracción hacia el detalle, siendo, este trabajo plástico de Pérez Siquier, una superación de la imagen de la técnica visual, transformándola en expresión que busca el encuentro con lo inesperado, sorpresa, reflexión, o simple evasión estética. La líneas, atrapadas en una geometría impuesta, el color que le da pulso, o las formas naturales azarosas, todo envuelto en el imperio de la luz, se entremezclan y configuran un proceso armónico impreso que reconstruyen la escena escogida.

Carlos Pérez Siquier detiene la mirada en los rincones olvidados, en los aspectos intrascendentes, abriendo las puertas del subconsciente hacia los campos de la lógica. Los espacios de la razón buscan la fuga hacia la composición que rompe la rutina visual, desequilibra la mirada, convirtiendo la instantánea en expresión artística extraída de la técnica fotográfica, pues es la intuición del autor quien dirige el resultado final, no al contrario, cuando es la escena quien señala lo que ha de ser plasmado, sin acumular imágenes ni perspectivas originales como sedimento.

Pérez Siquier cristaliza la escena en una realidad nueva, diferente, desafiante, que penetra en la comprensión profunda de la imagen. Surgen iridiscencias imprevistas, sugestivas, que llevan la atención hacia campos imaginarios, los cuales aderezan la composición. No se limita este creador plástico en plasmar el entorno atrapado por el signo extraordinario del momento sensitivo inesperado, aparición reveladora, sino que la observa, extrae y transforma en una posibilidad real liberada por el observador, que burla el control de la mirada racional cotidiana.

Carlos Pérez Siquier supera la técnica para convertirla en arte inteligente.