ISABEL BARRETO, PRIMERA MUJER ALMIRANTE

LA MUJER ALMIRANTE

El mar está en calma, la flotilla navega hacia el noroeste, camino de Filipinas. La isla de Santa Cruz quedó atrás, malos recuerdos guardan para Isabel. El Sol quema, no puede estar mucho tiempo en cubierta, se dirige al camarote de mando. La marinería está pendiente, tensa, bajan los ojos a su paso, es temida la autoridad de la Adelantada del Mar Océano.

La gallega Isabel Barreto (1567-1612) fue la primera mujer Almirante de la Historia. Su vida fue intrépida, llena de aventuras, destacando en un mundo de hombre rudos, en sus exploraciones en los mares del Sur.

Con su marido, Álvaro de Mendaña, inició desde Perú un viaje hacia el corazón del Pacífico, en busca de las míticas islas de Salomón. Según la leyenda, que circulaba entre los marineros, aquellas tierras eran el antiguo Ofir, lugar donde situaban las minas de oro de este rey. Para aquellas mentes aventureras esas islas representaban El Dorado, un paraíso donde abundaba el oro, sitio de riqueza, en el cual adquirir gloria, honores y poder. Afirmando la veracidad de los relatos, que contaban los navegantes del Pacífico, convencieron al Virrey del Perú Hurtado de Mendoza, y se embarcaron con una flota para retornar a esas islas ya descubiertas por Mendaña. Era una misión de conquista, pues casi toda la tripulación eran hombres de armas y mar. Les acompañaban además un grupo de colonos, a los cuales convencieron con la promesa de dotarles de tierras prósperas.

En su viaje descubrieron las islas Marquesas. En las Salomón exploraron algunas de sus islas, asentándose en la que llamaron Santa Cruz. Álvaro de Mendaña falleció al contraer la malaria, dejando de heredera a doña Isabel. Durante un tiempo esperaron el resultado de sus exploraciones, mas la búsqueda no dio los resultados esperados. Todo transcurría monótono en el fin del mundo, cuando la muerte del cacique de los nativos de la isla provocó que se enfrentaran a los españoles. La lucha continua, abandono en un lugar olvidado, enfermedades, y la ausencia de grandes riquezas, precipitó la decisión de la Adelantada, decidiendo trasladarse a Filipinas. El viaje mostraba grandes inconvenientes, peligros y un rumbo desconocido. Había que confiar en la pericia de los pilotos. Isabel Barreto dirigió con mano de hierro la expedición, sorteando todos los peligros que el trayecto le fue deparando, exigiendo disciplina. Nadie se acuerda de ella, la primera mujer Almirante.

SOBRE LA OBRA DE LUIS FEITO

LUIS FEITO

Luis Feito López ( Madrid, 1929- Rascafría,2021)

El signo y la fuerza del color definen la sustancia anímica del cuadro. Es una impronta que deposita el pintor en el albor infinito. El punto crea en su entorno un espacio definido por su presencia, deja de ser amorfo el blanco, desarrollando sobre la superficie su efecto la tonalidad elegida.

Luis Feito realizó un viaje iniciático por los campos ocultos de la imagen, adentrandose en la mirada simbólica que soporta la esencia del objeto apreciado. Su trayectoria plástica constituyó un proceso continuo, donde tras cada hallazgo surgían nuevas interrogantes por descifrar. En su viaje por las estancias de la representación en el lienzo, olvidó inicialmente las formas, concentrándose en los colores ocres, rojo y negro, en su contraste con el blanco. Experimentó con el efecto de superficies irregulares, formadas por densidades matéricas, mas pronto centró su actividad en el rojo, blanco y negro, elaborando piezas donde las manchas contraponen su influencia. El círculo inicialmente capta su atención, para posteriormente recorrer las líneas y sus ángulos, en disposiciones aleatorias, culminando al final en una simplicidad en la que la macha se enfrenta al orden de la geometría, cuando no en un trazo que se pierde, ajeno a la composición o a su deformación, en un símbolo cuyo significado se abre en el subconsciente del observador.

Este creador plástico vivía la Pintura como expresión primigenia de un lenguaje mágico, cuando el artista describía con su pincel la esencia de la existencia. Vuelve a los orígenes de la representación visual, donde el trazado del color, la intensidad del negro, blanco o rojo, ayudaban a vislumbrar el halo de lo invisible que convive con lo real. En la obra de Luis Feito existe una confrontación, entre la razón y el pensamiento irracional. No se consigue ésto si el pintor planifica, teoriza o piensa en la estructuración armónica de la composición, sino sintiendo la Pintura, disolviéndose en la propia acción constructora de la obra, dejando que fluya el subconsciente en su encuentro con lo inmaterial. Luis Feito quiere descubrirlo, recorrer sus pasillos, definir sus contornos, pero la empresa es inagotable. La técnica zen es utilizada en esta aventura, pues ayuda a liberar la mirada irracional, en su observación virgen sin respuesta previa, para ver la auténtica faz de las cosas. Y esto lo consiguió con un ejercicio continuado, repetitivo, obsesivo en la plasmación de la idea perseguida. Luis Feito logró expresar lo inabarcable con la mínima expresión cromática y lineal.

EL GRAN APAGÓN

La temperatura media terrestre sigue aumentando cada año más, al igual que lo hacen las emisiones de anhídrido carbónico en la atmósfera.

Es por lo que existe una gran concienciación en el ámbito internacional en la eliminación de la emisión de los gases de efecto invernadero, optando por la electrificación total de la sociedad futura. Todo dependerá de este tipo de energía. En una sociedad global digitalizada, la inteligencia artificial abarcará todos los espacios de la producción, industria, ocio, y vida de las personas. A la par se acelerará el movimiento de concentración de grandes masas humanas en ciudades enormes, dejando deshabitado el campo. El papel desaparecerá, nuestros datos de identificación estarán albergados en la nube, el dinero será digitalizado, la calefacción y vehículos sólo funcionarán con electricidad.

El mundo estará más limpio de gases contaminantes, pero a la par la humanidad estará más controlada, dependiente de una élite que administrará la producción industrial. Se habrá pasado de la sociedad de las personas a la sociedad colmena, donde la publicidad generará deseos, actitudes, opinión pública en definitiva, la cual actuará como censora de todo pensamiento divergente. Es fácil controlar así a las personas, pues al no existir el papel se puede cambiar la Historia, alterar datos personales, eliminar como sujeto legal a cualquiera, al borrar sus datos de identificación, sin los cuales no podrá percibir salario alguno ni desplazarse, será un invisible.

La concentración en grandes megápolis hace dependiente a las masas del suministro de energía, pues todo estará automatizado, y si falta la electricidad fallará el acceso a los productos básicos y comunicaciones, apareciendo el desorden, caos y barbarie. Es por lo que se estará agradecido al poder protector, sumiso y produciendo según las pautas que indiquen. Los valores, y tradiciones, que estorben los pilares de este mundo futuro, basado en la producción y consumo, serán estigmatizados.

Pero aparte del peligro que conlleva a la libertad personal, existe uno mucho mayor, relacionado con el gran apagón. Si alguna vez esto sucediera en una zona amplia, y no digamos en el mundo civilizado, el Sistema se derrumbaría, vendría el apocalipsis, pues todo se detendría. En cambio en un mundo diversificado energéticamente, y con ciudades más pequeñas e integradas en la Naturaleza, habría alguna escapatoria.

CARLOS MERODIO EN LA GALERÍA ORFILA

RECUERDO DE RUTINAS GOZOSAS

Carlos Merodio en la Galería Orfila, Madrid. Hasta el 31 de marzo.

Es una pintura de pulso elegante, suave contemplación y extracción cubista. Carlos Merodio desarrolla una obra sostenida en la rigidez de la linealidad, visión esquemática del universo que nos rodea, mas imprime serenidad en su trayectoria, para acoplarla al conjunto de tonalidades agradables que dan contenido emocional a su trabajo plástico.

La producción mostrada juega con una ambivalencia entre ilustración, que rememora el diseño industrial, y una expresión cubista, tamizada por la pintura mundana de mitad del siglo veinte. La obra no se queda en esta apreciación primera, pues el autor incorpora su signo personal, la conjunción de colores y trayectoria plácida en la conclusión del dibujo.

El conjunto expuesto posee claridad en su relato visual, limpio, preciso, sin florituras, transmitiendo muy bien sensaciones de la tranquila existencia de los momentos rutinarios impuesta por la pandemia. Carlos Merodio describe el descubrimiento de la belleza de los rincones, y escenas, cotidianos presa del olvido. Son espacios y momentos que pasan desapercibidos en el transcurrir diario, que el artista plasma en sus piezas. Es un encuentro con el gozo de la mirada detenida, impregnada del recuerdo afectuoso. Carlos Merodio expresa un relato de gran claridad expositiva.

ILUSTRACIONES DE FEDERICO CASTELLÓN EN EL MUSEO DOÑA PAKYTA

 EL MUNDO DE F.CASTELLÓN

Museo Doña Pakyta, ilustraciones de Federico Castellón, realizadas para los libros “La mitología de Bulfinch” (1948) y “Teseo” (1964).

El sexo y el tiempo están unidos en la obra de Federico Castellón, reflejados en piezas de intenso desasosiego, abordadas con mirada ácida, expresadas como evocación onírica. El autor se introduce de esta forma en el laberinto del subconsciente, lugar desde donde se ejercita el control de los impulsos que modelan la voluntad.

Este artista, original de Almería, desarrolló toda su producción artística en Nueva York. Desde una incipiente figuración se introdujo de lleno en el surrealismo, en el que recorrió todos sus vericuetos, explorando sus rincones oscuros, los espacios mágicos, los campos luminosos, las tinieblas de los recuerdos, el dolor de las pasiones. Aplicó su capacidad creativa hacia otros estilos, predominando el simbolismo, sin olvidar el fuerte sustrato surrealista en su producción plástica, logrando configurar un estilo personal, fuertemente marcado por la impronta de las vanguardias del siglo veinte. La figuración nunca fue abandonada por el pintor, trabajándola en todas sus deformaciones, extrayendo la esencia que da forma intelectual a los seres y espacios representados.

Federico Castellón ejecutó una obra soberbia, de expresión punzante, descarnada, impregnada con sus fobias y desafíos, mostrando su repulsa a una sociedad con la que no compartía sus gustos. Esta postura se plasmó en todas sus composiciones, primando el sexo como libertad, autoafirmación crítica, representación de la misión placentera de la existencia, mostrando además, agobiado por el futuro guardado por las Parcas, miedo al camino sin final del tiempo. Origen y fin están unidos en su producción artística, expuestos con sarcasmo, denuncia, desafiando la moral imperante.

En otras piezas es seducido por la cultura oriental, su aceptación del devenir, el ritmo pausado de su presente circular.

Sea en óleos, grabados o papel, construyó un universo propio, donde el trazo es profundo, amplio, insistiendo, a veces con furia, el artista en sus convicciones. Cuando opta por el color lo hace con profusión de cromatismo grávido, en otras piezas describe ambientes grises, relatos del averno, en el que los seres se estilizan, o comprimen, en una danza infinita, transcribiendo el escenario donde actúan.

Federico Castellón elaboró una obra de intensa expresión visual, recia, cuya temática puede gustar o no, constituyendo por su frescura y originalidad un signo distintivo que le confiere unas señas de calidad, y maestría, que lo sitúan entre las grandes figuras de la Pintura española del siglo pasado.

OBRA DE PURIFICACIÓN VILLAFRANCA EN ARRABAL Y CÍA

DESDE MI REFUGIO

Autora: Purificación Villafranca. Título: Espacios Comunes. Lugar. Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 19 de marzo.

Pintura y collages conforman la producción artística de esta pintora, prosiguiendo con su estilo de abstracción geométrica, sugerente y de fácil lectura visual.

Purificación Villafranca reconstruye su discurso plástico para expresar el ambiente gris que cubre nuestro tiempo, cuando la pandemia ha restringido las rutinas cotidianas del transcurrir diario. Presenta una obra de sólido discurso expositivo, intensa en la mirada, con un lúcido vocabulario reflejado en líneas y colores. En la geometría plasmada imprime la angustia ante la sorpresa que nos aguarda en el futuro, la soledad, pérdida de contacto con amigos, la ruptura de la unión con los espacios libres naturales, siendo los límites de la existencia el perímetro que acota la superficie de los hogares. La vida de espaldas al exterior es mostrada por los puntos luminosos que simulan luces en las casas, en la intimidad impuesta, quedando remarcados los límites entre ellas, y más aún en las calles. En el conjunto propuesto se observa como la pintora va deshaciendo los límites, convirtiéndose en espacios gruesos de perfiles indefinidos, y en otras ocasiones ondulantes, en el momento en que la imaginación comienza su andadura, proyectándose en la realidad, como anhelo de tiempos venideros. Es así como se explican las líneas discontinuas de algunas piezas, en su búsqueda de una realidad alternativa en la que reine la libertad y el retorno a la existencia perdida.

Purificación Villafranca aplica un cromatismo acorde a las emociones presentes en cada instante representado en sus piezas, siendo el lenguaje del color quien va indicando el ánimo que conduce sus pensamientos, y por la intensidad la fuerza con que se presentan.

En su trabajo pictórico anterior la autora mostraba las separaciones de las estructuras geométricas como espacios de movimiento, flujo continuo que interactuaba, signo de vida en el cuadro. En esta ocasión se convierte en frontera, lugar deseado, campos que se borran en el albor de la composición.

Las esculturas que acompañan la muestra constituyen elaboraciones tridimensionales de la idea contenida en sus cuadros, diseñadas en formas simples, que encierran el concepto simbólico contenido en éstos. La capacidad plástica de la artista, y su experta inteligencia compositiva, logra extraer el concepto esencial de las piezas, para poder ser condensado en una estructura tridimensional.

Purificación Villafranca nos enseña una obra seria, de sencilla lectura, y habilidad compositiva para ser realizada.

PERSPECTIVAS DE FUTURO

¿ESTAMOS EN EL FIN DE LA HISTORIA?

Los diseñadores de la nueva realidad económica, que se percibe en estos días, proponen que sean las grandes corporaciones empresariales quienes dirijan la nueva sociedad futura. El concepto de Estado se transforma, en sus planes, en un instrumento de organización social supeditado a los objetivos de la planificación industrial. En ésta, la sociedad pasa de ser un elemento decisorio de la acción política a un masa de individuos anónimos, y mediocrizados, cuya misión será producir y consumir. Será cuidada para que paste, consuma, en la gran pradera de productos mercantiles. Se le ofrecerá un mundo idílico, ficticio, alejado de la realidad, donde todo es aparentemente perfecto, basado en normas irrefutables, y tabúes, cuya transgresión llevará a los osados a su invisibilidad, y exclusión social. La libertad individual será una idea teórica, repetida y hueca, pues carece de sentido práctico, estando supeditada al interés común social, o mejor dicho a los eslóganes que dirijen a la opinión pública, preocupada por subsistir y escalar en un camino engañoso, hacia la clase privilegiada. La libertad se convertirá en una entelequia sin existencia tangible.

En este proceso de construcción de una nueva Historia, coinciden, tanto en la organización de la sociedad y la primacía de la producción industrial como fin último, el régimen dictatorial chino y el pensamiento capitalista posliberal. Ambos proponen, además, la existencia de una élite dirigente, en uno el Comité Central del Partido Comunista, y en el otro el Consejo de Administración, los cuales controlarán la sociedad, la producción, incentivando el consumo como fin. Todo aquello que dificulta la consecución de sus fines es atacado, pues les interesa un pueblo desarraigado de la tierra, sin costumbres ancestrales, valores, familia, patria o ideales humanistas tradicionales. Ambos sistemas proponen dos versiones del capitalismo, uno concentrado en una entidad política de pensamiento único, y el otro en un conglomerado de corporaciones económicas unidas por el mismo pensamiento. Ahora parece que están trabajando juntos, su enemigo es el concepto tradicional de Nación o Estado, Europa es un ejemplo, para después buscar una solución de coexistencia, unidos por intereses comunes, o disolución del rival ahora amigo.

Todo lo aquí expuesto parece extraño e imposible. Léase “Capitalismo y socialismo: Marx es Dios; Ford es su profeta” de Alexandre Kojève, como también la versión de la misma idea de Francis Fukuyama, “El fin de la historia y el último hombre”.

JULIO ALONSO YÁÑEZ EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

BUSCANDO LA CALMA EN LA TORMENTA

J.A.Yáñez, “Diacronías”, en galería Orfila, Madrid, hasta el 6 de marzo.

El pintor busca la nada, no aquella relacionada con el vacío, sino la que llena el espacio, sometida a un ritmo propio, ajeno al tiempo, llamémosle soplo, o simplemente vibración armónica que reproduce una pauta fija. Si su fluir es acompasado, si la regla que rige su acción permanece en un estado equilibrado, es cuando todo los que cubre su presencia intangible se halla bajo el influjo del bienestar.

Esta idea es la que transmiten sus cuadros, de expresión abstracta, en los cuales se intuye desequilibrio, en unos profundo, cuando las veladuras bailan en un espacio de varias intensidades cromáticas, en el que se sugieren senderos laberínticos, cuya salida ofrece un mar de calma. Cada espectador buscará como llegar a su encuentro. Ahí radica la fórmula propuesta por el artista. En otros el contraste es amplio, la ruptura del plano es más aguda, mas la exposición de la escena contiene la respuesta liberadora.

Julio Alonso Yáñez ofrece un trabajo de profunda reflexión, sobre los problemas del espíritu que afectan a las personas hoy día. Plasma muy bien en su obra la zozobra de los tiempos actuales, y el ansia por superarla. En sus esculturas se visualiza una fuerza dolorida, que a su vez intenta disolverse en la sustancia que conforma la nada. Se centra la mirada en ellas y cada uno deposita sus tristezas, para asomarse a una realidad más limpia.

El trabajo de Julio Alonso Yáñez posee inteligencia, habilidad en la composición del concepto, y dominio en el lenguaje plástico.

EXPOSICIÓN DE MANUEL GARCÉS BLANCART

IMPRESIONES DE RECURDOS FELICES

Praia das Baleias , de Manuel Garcés Blancart en la galería Birimbao, Sevilla.

Manuel Garcés Blancart rememora su infancia a través de sus cuadros. El conjunto mostrado posee luminosidad, mirada limpia e inocente, impresión rotunda en el lienzo, expresado en líneas gruesas, que se superponen en un entramado de trazos geométricos, mínimas trayectorias que definen el esquema del recuerdo. El color sumerge las formas y líneas , ofreciendo su pulso a la mirada, por la densidad de su trazado, así como por el contraste de las gamas utilizadas.

La obra de este pintor refleja el optimismo de la niñez, la vida sin tiempo que la controle, todo es instante continuo. El recuerdo incompleto es descrito en cada una de sus piezas, ahí justifica su liviano dibujo, realizado con rapidez, ímpetu, sometido al temor del olvido en su transcripción.

El trabajo plástico expuesto recoge la visión fugaz rememorada, impreganada de sentimientos y sensaciones. resumida en líneas sueltas y colores, realizado según una ilustración o boceto, sumido en un conjunto cromático de uso comercial, agradable e intimista, consiguiendo en su totalidad describir los recuerdos felices de sus primeros años.

HELÍ GARCIA EXPONE EN LA MADRAZA, GRANADA

INGENUA MIRADA MÁGICA

Autor: Helí García. Título: Periferias. Lugar: Palacio de la Madraza, Granada. Fecha: Hasta el 28 de marzo.

Expone el pintor una obra de gran riqueza cromática, en la que describe paisajes naturales, donde introduce efectos visibles de la huella de la presencia humana, sean construcciones rústicas, o simplemente el rastro de su paso. Aparecen en sus cuadros estas edificaciones, así como niños y adolescentes, jugando o inmersos en la exploración de su entorno.

Helí García continúa, en su trabajo plástico, inmerso en el estudio del paisaje, ofreciendo piezas de figuración rotunda, colores espesos, líneas intensas, reflejándose la energía expresada por el pintor, liberada entre los trazos heterogéneos de su pincelada, para inundar el ambiente de fulgor presentido, que se transmite en la mirada de quien las contempla.

Utiliza el autor el concepto de intrusión humana del entorno natural, para reconstruir una obra figurativa, dotándola de nervio interior gracias a la idea que sostiene su propuesta plástica. En ella es la mirada inocente, y no contaminada, infantil o adolescente, quien explora el mundo circundante, apareciendo en el contexto visual descrito los miedos y aprehensiones, y a la vez la curiosidad que todo vence, en la aventura iniciada. Esta visión limpia, libre de prejuicios, indaga en los misterios de la realidad tangible, sin respuesta previa, a partir de la cual se entra en el espacio sometido a la fantasía. Logra Helí García potenciar el misterio en la observación de su obra, gracias a la mirada ingenua de los protagonistas, que se convierte en enigmática en la contemplación de los adultos, cuando la visten con sus miedos, recuerdos y temores.

El artista consigue dar vida a su trabajo pictórico, gracias al diseño de la idea que le da forma, como por los colores incorporados y el trazo que se abre, a veces, para dejar pasar los blancos del lienzo. Es el choque de la mancha en la superficie, que se rompe para eliminar la tensión, quien confiere pulso propio a cada pieza. Heli García plasma magia en sus cuadros.