SOBRE LA EXPOSICIÓN DE JOSÉ A, SORIANO

CUANDO EL SENTIMIENTO SOMETE A LA RAZÓN

Autor: José A. Soriano. Título: NO VANISHING POINT ;) Lugar: Sala Ático del Palacio de los Condes de Gabia, Granada. Fecha: Hasta el 24 de marzo.

Los medios audiovisuales se han convertido en compañeros inseparables de nuestra rutina diaria, siempre están presentes, bombardeándonos continuamente con imágenes, noticias, información, cuyo exceso satura el entendimiento, hacen opacos a los espíritus ante el asombro y el dolor ajeno, relativizando la importancia de las cosas. Son imágenes, palabras, sucediéndose, perdiendo la importancia del momento ante la nueva información. Todo se convierte en sonidos y visualizaciones, quedando la razón adormecida, aflorando los sentimientos del instante sentido. Es por lo que en esta conexión digital, veloz y trepidante, no da tiempo a retomar el pensamiento, prevaleciendo la emoción que el momento suscita. En esta red de comunicación, e información, se expresan los asombros, tristezas, alegrías, incertidumbres…, a través de los emoticonos. La palabra pasa fugaz por el éter, la imagen se desfigura en el color, pastosa, sujeto a una linealidad sinuosa, no ligada a la precisión definitoria, y fija, de la idea que da forma al concepto, aliñada por aquellos tonos que la sorpresa de los hechos incluyen. Los emoticonos sustituyen al alfabeto, representan estados, sensaciones, un lenguaje amplio, pero difuso en el concepto. Las relaciones racionales se han transformado en comunicación emocional.

José A. Soriano transmite estas ideas en las piezas expuestas, mostrando en ellas el reflejo de las sensaciones que se suceden frente a las pantallas, o como respuesta al mensaje leído. Utiliza un colorido cálido, brillante, sobre un fondo tibio, que deshace las formas, fluyendo en el ambiente, surcado por las figuritas simbólicas, que indica el ánimo producido como reacción ante el significado del mensaje percibido. El creador organiza una instalación donde combina óleos, cera fría y spray sobre lienzo, con una videoproyección y un mural, donde representa un enorme emoticono. Éste preside el montaje, observando al espectador desde cualquier angulo de una Sala diáfana, en la que flotan las esencias del cromatismo contenido en en los cuadros, sumiendo al observador en el murmullo sensitivo transportado en el color, danzando las caritas en su diversidad gestual, logrando así que sea comprendido el concepto que sustenta este muestra.

José A. Soriano demuestra una gran habilidad intelectual a la hora de estructurar esta exposición, basada en el dominio de la expresión plástica.

GONZÁLEZ CASTRO EXPONE EN EL PALACIO DE LA MADRAZA

CONTRA LA DESTRUCCIÓN DE LA MEMORIA

Autor: Carmen González Castro. Título: Etimología de la nostalgia. Lugar; Palacio de la Madraza, Granada. Fecha: Hasta el 7 de abril.

La pintora utiliza el lenguaje plástico para elaborar un discurso crítico sobre el expolio de las obras de arte, siendo el pretexto el destrozo y sustracción de un número significativo de monumentos y objetos artísticos, realizados por las tropas napoleónicas.

Carmen González Castro ha explorado en su trayectoria artística un amplio campo de posibilidades de la expresión de las imagen. Desde el anamorfismo, traslada la construcción de las escenas a situaciones de representaciones realistas. Pero guarda en su interior guiños efectistas en el que ahonda en el espacio oculto del cuadro, obteniendo profundidad, relieve imaginado en la superficie de la composición.

Esta autora conjunta técnica e inteligencia creativa para desarrollar un texto visual, en el que expone su preocupación por la degradación del Patrimonio cultural, que desaparece por desinterés y olvido, o por la avidez de coleccionistas y tratantes de objetos artísticos robados.

Recrea en sus piezas los lugares donde las tropas francesas realizaron sus expolios, mostrándolos tal y como posiblemente fueron, añadiendo la artista el destrozo, o vacío, causado por el paso de las manos depredadoras. Es un gesto enérgico, rabioso, de poderoso ímpetu, clamor ante la sustracción de la belleza, y de la memoria ancestral de nuestra sociedad.

La obra de Carmen González Castro está basada en un estudio profundo de los lugares y de las piezas desaparecidas, describiendo muy bien el entorno, al ambiente sumergido en el fondo de los tiempos, estático, olvidado, que deambula en el mundo de los espíritus. Su dibujo es preciso, el color ajustado a la realidad supuesta, ajado por un tamiz que induce a la fantasía y ensoñación. Es un trabajo de profundo significado, realizado con precisión y un lenguaje directo, abarcando el sustrato eterno de la pintura clásica, expresada con una mirada atractiva y dinámica.

 

MIGUEL ÁNGEL VÁZQUEZ VERA EN FACBA 2019

POR SUS OBRAS LOS CONOCERÉIS

Autor: Miguel Ángel Vázquez Vera. Título: Espacios de encuentros con el Yo Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 23 de marzo. Exposición integrada en la edición 2019 de FACBA (Festival de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes)

Un diáfana luz llena la estancia, espacio organizado con racionalidad, aséptico y funcional, conjugado con las obras expuestas para crear ua atmósfera envolvente predisponiendo la mirada a un recorrido abigarrado de color, que en sus gamas intensas provocan un paisaje cromático accidentado, lleno de sobresaltos tonales y descensos bruscos cuando son apagados.

El color aparece ordenado, sujeto a los límites de las formas, las cuales están plasmadas de acuerdo a una estructura geométrica, de líneas que guardan a veces un ángulo que sugiere movimiento, pero la rigidez prevalecen en el conjunto, pues el orden siempre impera en nuestras vidas, parece decirnos. Incorpora como contrapunto trazos sometidos al camino azaroso de las curvas, como reflejo del submundo intelectual que anida en el subconsciente y dirige la realidad. A pesar de la desorganización de los elementos representados en cada pieza, signo del paso de los habitantes intuidos, son definidos éstos por sus objetos, organización de su entorno y el colorido reflejado en cada una de las composiciones. Cada una de ellas guardan un párrafo del discurso total contenido en esta instalación.

Miguel Ángel Vázquez Vera aúna la impronta del color expuesto en sus tonalidades básicas, industriales, en boga en los años sesenta, con el misterio irracional de los surrealistas y una narración sencilla, ligera al entendimiento y de fácil comprensión. Muestra el pintor una visión del mundo contemporáneo sujeto a la contraposición de ideas e intenciones. El orden quiere imponerse, más siempre está sujeto a la acción del derrotero que el pensamiento libre quiera escoger, la diferencia rompe el conjunto, la Humanidad es definida por el rastro que deja, expresadas en su más cruda inconsecuencia, armonía y destrucción, pareciendo primar ésta última. El cromatismo presente en cada pieza enseña la emoción del momento, los cambios de estado de ánimo, concluyendo el artista en su resultado final en un amargo futuro, siendo el silencio el horizonte que aguarda.

Miguel Ángel Vázquez Vera propone un trabajo de gran calidad estilística, dominando el lenguaje del color, y desarrollado con gran inteligencia creativa.

ANTONIO AGUDO EXPONE EN SEVILLA

TRAS LA BRUMA

Autor: Antonio Agudo. Título: Descubriendo América. Lugar: Galería Haurie, Sevilla. Fecha: Hasta el 6 de abril.

El pintor evoca paisajes velados por brumas y nieblas densas, en las horas limítrofes de la luz. Antonio Agudo explora el sentido de la percepción, induciendo la curiosidad en el espectador, quien al sumergir su atención en el cuadro, crea un proceso de exploración personal, inquietante, buscando la sorpresa. Esta acción se reproduce distinta cada vez que comienza una nueva aventura en el paisaje neblinoso. En otras introduce el autor la experiencia de la luz fluctuante, condensada y pastosa, que anega con su intensidad para ocultar las formas en la escena.

Antonio Agudo incorpora un colorido poderoso en sus obras, superando el color el contorno de las figuras, que pasan a un segundo plano, siendo muchas veces presentidas, predominando la mancha abstracta, cuyo conjunto da sentido al paisaje intuido.

Las acuarelas expuestas son rotundas, de sólida presencia, imponiendo el cromatismo su peso, mas la mano del pintor crea el entorno para que el observador construya sus historias. Esta interacción, entre la obra y el espectador, logra transmitir a las piezas energía interna, lo que otorga vida propia. Es una fuerza que nace de la marea de colores, grávidos, eclosión de radiaciones que se ofrecen entrelazadas, sobre el entramado sugerente de una figuración paisajística, sumergida por su impulso.

Antonio Agudo muestra un conjunto de acuarelas de gran calidad en su confección, portadoras de un ánima propio, que le confiere profundidad e interés en su visualización.

EL COLOR EN LA OBRA DE FRANCHU MEDIALDEA

EL DUENDE DEL LUGAR

Autor: Franchu Medialdea. Lugar: Galería Ceferino Navarro, Granada. Fecha: Hasta el 20 de marzo.

Franchu Medialdea imprime intensidad a su obra, organizando el entramado de la escena con trazo rotundo, descargado con seguridad y consistencia, que se enfrenta a los campos de color, y a las apariciones cromáticas azarosas, consiguiendo, gracias a ello, introducir tensión en cada uno de sus cuadros. Logra con este efecto incorporar nervio en sus piezas, produciendo una vibración visual que simula profundidad, para fundirse con el pulso rítmico del espectador, consiguiendo que éste sea partícipe en la emoción generada al rememorar el paisaje sugerido.

Centra el pintor su muestra en los rincones tradicionales granadinos, describiendo su esencia, fantasía impresa, la huella de los siglos, rastros de los individuos que han ocupado fugazmente sus lugares. Franchu Medialdea atrapa el duende de los espacios pintados, consiguiendo con ello retener la atención del observador, quien ya inmerso en el ambiente reflejado en cada pieza, desarrolla su ensoñación, mas los sentidos predominan sobre la idea, pues lo que quiere transmitir el autor es la sorpresa de la mirada, cuando vence la rutina del cotidiano devenir diario.

Franchu Medialdea elabora una propuesta rica en color, con gran habilidad en su configuración, usando un lenguaje cromático ágil, que conjuga con maestría, para producir en su confrontación destellos del universo mágico.

LAS ARQUITECTURAS DE DIONISIO GONZÁLEZ

ESTÉTICA Y CAOS

Autor: Dionisio González. Título: Parresía y lugar. Lugar: CAC. Málaga. Fecha: Hasta el 21 de abril.

La verdad trasformada desvela el sentido que la realidad oculta. Este es el significado que imprime Dionisio González en su muestra. El autor quiere representar el choque entre habitabilidad y funcionalidad, cuando la ciudad moderna va tomando consistencia, a costa de la deshumanización de la urbe tradicional. Dionisio González quiere explicar que estos nuevos habitat no se adaptan a las circunstancias ambientales y sociales, sino que el lugar perderá su esencia como paisaje, para convertirse en espacio de desarrollo urbanístico, lugar de tránsito, vacío de vivencias humanas, sólo apto para la representación, estando sujeto a la estética visual, alejada de la razón, queriendo acoplarse con el entorno, pero nulo de expresión vital. Lo pobre desaparece, se esconde a la mirada, pasando los sujetos que habitan en chabolas, o suburbios, al estado invisible.

Utiliza el artista fotografías retocadas, de diferentes lugares, tales como Vietnam, Estados Unidos, Italia, Holanda, Brasil, China… acompañadas de maquetas, esculturas fotográficas y hologramas, más proyecciones. Con todo quiere construir un mundo distópico donde se sumerja el visitante para que comprenda, en la frialdad del discurso expositivo, la pérdida de la conciencia de las grandes polis, convertidas en reductos para descansar, trabajar, refugiarse, no para convivir. La soledad presenta su faz más helada, en medio de construcciones que rompen la lógica, presentadas como expresiones irracionales, que quieren, más que simular, sustituir el orden natural. El caos prima sobre la ley natural. La habitabilidad es suplida por la funcionalidad del edificio, la persona no importa, pues está subyugada a las reglas de la sociedad, la producción y nuevas imágenes de concebir la estética de la existencia. En estos entornos el sujeto no importa.