ANTONIO BARCELÓ EXPONE SU OBRA EN GALERÍA ORFILA

EL SIGNO ÚLTIMO DE LA IMAGEN

Autor: Antonio Barceló Ballester. Título: La piel del color. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 9 de mayo de 2023.

Viaja hacia la esencia de la representación el pintor, concentrándose en la imagen impresa, poderosa, patente, cuando quedan los contornos sumidos en la intensidad del cromatismo. Antonio Barceló Ballester, Cartagena, 1942, expresa esta idea, experimentando con materiales y tonalidades en sus piezas, buscando la plasmación rotunda grabada en la impresión primera, que se revive con las emociones del encuentro visual, la idea del concepto que define la escena. Las piezas elaboradas por este artista son resultado de la pintura al óleo, acrílicos y piezas textiles coloreadas, añadidas, quedando un collage de intensa percepción, consiguiendo el efecto deseado.

Tras la mirada primera, la obra expuesta comunica impresiones varias, pues no se queda en expresión fría, relato estético de la imagen aprehendida, sino que el pintor reflexiona sobre la mutabilidad de la existencia. Las frutas en sus bodegones quedan aisladas del entorno, sólo ellas y la luz. Permanencia y cambio, mas la persistencia es vencida por la transformación permanente, dictada por la luz que fluye, ritmo de las horas, alteración constante del presente, que ya es pasado. Y todo queda impreso en el cuadro, tiempo congelado que quiere deslizarse por los senderos de la vida, mas es intención sólo, pues siempre está ahí.

Antonio Barceló muestra su habilidad plástica en esta exposición, yendo hacia el signo último de la imagen, que lleva adherida el destello del encuentro primero con la composición real, de donde surge la obra.

La maestría se demuestra de esta forma, sabiendo reducir materiales y trazos, comunicar con claridad la idea, y la libertad en el estilo trabajado.

IRENE MARTÍN Y SU PINTURA

 

DESTELLOS Y CLAROSCUROS DE LA REALIDAD PINTADA

La Pintura reproduce escenas extraídas de la realidad, impregnando en la trayectoria de sus trazos parte de la energía que fluye en el tiempo. La detiene y deposita en un bucle continuo, vibración constante de la eternidad, que se diluye con la materia.

Este principio es el que sostiene el trabajo plástico de Irene Martín Melguizo, joven artista granadina con un prometedor futuro artístico. Viendo la realidad de su obra actual ya indica que el camino lo ha iniciado.

Su creación plástica posee un brillo especial, consistencia sólida, que genera un ambiente autónomo en el universo interior del cuadro, tras el límite de la superficie que lo define. Centra la atención en personajes de su entorno, delimitando el objeto de su trabajo en un mundo sosegado, cerrado en la intimidad femenina, desde el cual proyecta una visión particular de la realidad. Lo consigue esta pintora gracias a la planificación intelectual de cada pieza, que va tomando forma desde un diseño equilibrado, sustentado en la armonía geométrica, la cual pierde sentido,y desaparece, tras la composición, que con sus luces y juegos cromáticos, originan un espacio sensitivo, en el que los susurros de su sonido interno se perciben al ser visualizados. La perfección de las formas, la fidelidad de la imagen real plasmada en el lienzo, es de gran precisión, mas no se queda en el mero ejercicio de representación preciosista, sino que la traslada al espacio donde la fantasía ejerce su influencia. El colorido incorporado a sus figuras no desentona de la imagen veraz, siendo reflejo de su origen. Sin embargo poseen un halo especial que lo distingue de ésta, convirtiéndose en expresión mágica que se traslada, tras ser contemplada, a los campos de la imaginación soñada. Esta cualidad caracteriza su obra última, hallazgo personal en el que la artista ahonda en su experiencia con los pinceles.

Irene Martín ha heredado la mágica composición del trabajo de su padre, Pepe Martín, unos de los pintores de referencia en la figuración granadina. Incorpora una intensidad dinámica en su obra, destellos y claroscuros, miradas que resumen vida y esperanzas de futuro, ensimismamiento dentro de unas circunstancias propias, mundo personal marcado con el signo sensible, optimista, vital e independiente.

Es una aventura plástica la que define la trayectoria de esta pintora, a punto de alcanzar la madurez artística que la dotará de elegante calidad pictórica. Mientras, prosigue con su tarea diaria silenciosa, paciente, tras la conclusión de las piezas que darán sello a su estilo y capacidad técnica alcanzada.

Irene Martín posee una pintura personal de interés estético. Su obra lo demuestra.

GINÉS CERVANTES EXPONE EN HUÉRCAL-OVERA

 

LOS PAISAJES DE G. CERVANTES

Autor: Ginés Cervantes. Título: Paisajes. Lugar: Teatro Villa de Huércal-Overa. Fecha: Hasta el 27 de abril.

La mano del pintor enseña su experiencia, y dominio, en las obras que ofrece. Ginés Cervantes, referente de la Pintura almeriense, explora los campos de posibilidades plásticas, en su obra última. En esta ocasión, ahonda en el inmenso universo del cromatismo, en sus veladuras espesas, para salir de estas y postrarse ante el esplendor dorado, el verde intenso, el azul frágil, leve tono que transmite el presentimiento de plenitud y éxtasis.

En sus cuadros observamos extensiones de color, franjas organizadas que definen el paisaje aprehendido, bajo un cielo en ebullición, torbellino constante en el ambiente. A veces rompe este orden la roca descarnada, la palmera indolente, la soledad de la desolación, páramos sometidos a la dureza del clima. Árboles que aparecen resistentes, descarnados, retadores a las mordidas del clima, siempre buscando la evasión de la costra reseca. Y el Sol, genio presente en el escenario que define esta tierra, poderoso, hiriente, vivificante, rojo incandescente, sumida la vista en un mar de turbiedades que el ambiente presenta, sometiendo los caminos, acompañados de pitas, en reflejos de otras estancias posibles, infinitud, tedio, permanencia y evasión hacia diversas realidades. Cuando pinta el mar, la encrespada superficie acuosa refleja, y recoge, la turbidez y efervescencia de la calima, el furor de los cielos, la bravura de la imagen. Encuentra el artista, en su deambular por el paisaje, espejismos dorados, relatos de otras realidades, donde la vegetación muestra su esplendor. Los verdes explotan, un suave aroma dorado atraviesa los cielos para depositarse en el oasis encontrado, ¿o tan solo es un espejismo? En esta propuesta, encontramos la huella de la fantasía que existe en campos y oquedades, en las sombras y arboledas, destellos en el trayecto, que el artista descubre. Recrea Ginés Cervantes su mirada en el Cabo de Gata, eterna sorpresa de fantasías luminosas, senderos perdidos, murmullo permanente del mar y viento, gozo continuo que empapa la soledad de la persona sumida en el entorno.

El color desborda la obra de Ginés Cervantes, como marea espesa, henchida de fuerza radiante, convertido en el rastro dejado por la impresión causada ante la visualización del paisaje. Condensa su significado en una representación cromática ordenada, que escapa de la abstracción, para ir más allá de la figuración, pues plasma sentimientos vitales, la energía del ambiente, la autenticidad de la vida. Ginés Cervantes pinta con libertad, maestría y genio.

EXPOSICIÓN "EL COLOR DE LA MEMORIA" DE ALFONSO OCÓN

 

EN UN PULSO ÚNICO ESTÁ TODO

Alfonso Ocón. Título: El color de la memoria. Lugar: Espacio de Arte Santiago Collado. Fecha: Hasta el 30 de abril.

Presenta Alfonso Ocón una obra de visualización intensa, imagen condensada, en la cual se percibe tensión profunda que es transmitida al observador, organizando un estado sensitivo que permite extraer de la escena el paisaje urbano plasmado en la pieza, para conseguir que el espectador se integre en su universo, transitando por sus vericuetos, indagando sobre los habitantes invisibles que moran en sus edificios, envuelto en una atmósfera de poderosa densidad cromática. Es a través de las radiaciones del color mediante las cuales se deslizan los susurros que se presienten en el entorno ensoñado. Y no es que exista un colorido abundante en todas sus composiciones, sino que en algunas aparece escueto, limitado en su variedad, pero oportuno en la influencia que comunica.

Alfonso Ocón es un artista con un estilo definido propio, siendo sus obras producto de la fuerza descargada por el trazo del pincel, que recalca la geometría, y se suaviza en su recorrido, esquematizando la imagen para convertirla en impresión marcada en el lienzo, en cuyos espacios limitados se condensan los tonos diversos que se expresan en éste. Quiere el pintor comprimir la escena en un todo, resumir el espacio en una estructura única, vibrante, sólida, desde la cual emanan destellos de cromatismo combinado, convergiendo la paleta usada en un signo de sensación visual resumida. Esta es la cualidad estética que define la producción plástica de este excelente pintor. Comunica una imagen de campos fragmentados, que no por ello rompe la unidad en la que se expresan, pues permanece la simplicidad compleja de su apreciación, para expandirse y relatar múltiples imágenes en una, al ser visualizadas, y comprendidas, por el observador.

Propone Alfonso Ocón un trabajo pictórico elegante y precisión técnica.

PACO LARA-BARRANCO EXPONE EN MECA MEDITERRÁNEO, ALMERÍA

 

CAOS Y TIEMPO

Autor: Paco Lara-Barranco. Título: Adonde conducen los sueños. Lugar: MECA Mediterráneo Centro Artístico. Fecha: Hasta el 20 de abril.

Es una fantasía impresa la obra de Paco Lara Barranco, Torredonjimeno, 1964, artista que explora las realidades ocultas en el páramo del blanco, que tras el trazo inicial del pintor queda sujeto a su acción, quedando sometido al orden impuesto por el recorrido del pincel, pese a la planificación previa de líneas y colores, buscando la composición equilibrada, estructura rígida que quiere contener un orden cromático. Pero según transcurre la construcción de la obra, va aflorando la fuerza del azar, caos original que quiere dirigir el destino de la superficie a su capricho. El pintor no por ello se desanima, sino que se introduce en el cosmos de la pieza, hasta fundirse en su evolución interna, esfumándose la intención original para que triunfe la libertad de los cuerpos, que se salvan de la geometría para aparecer como formas de expresión propia y caprichosa, que flotan en el mar cromático que sostiene la red geométrica, la cual se desvanece en el brillo desprendido por éste. Cada cuadro va adquiriendo personalidad propia durante su elaboración, hasta convertirse, cuando es finalizado, en entidad autónoma, sujeta a su devenir interior, flujo que genera un desequilibrio variable en su configuración, donde se enfrentan sin fin el caos y tiempo. Este destello interno es comprendido por el espectador, vencido a su poder seductor, brillo caprichoso que no cesa, percibido más que visualizado, convirtiendo la mirada en una fuente independiente de apreciación estética.

Es la intuición del artista quien acaba dictando el ritmo creativo de la composición, cuando atrapado en el seno de su creación, abre su pensamiento profundo para liberar imágenes imposibles, caminos de colores, encuentros inesperados, en un accidentado camino de sorpresas cromáticas. Mientras, la razón no quiere ser sometida, intenta mantener la cordura de la lógica geométrica, viéndose superada, cubierta, deshecha, por el impulso de los tonos que quieren ser ellos mismos. Éstos, en el plano descompasado aparente, organizan un orden vibrante, chispeante, mágico, que abre las puertas al pensamiento fantástico.

No obtiene Paco Lara-Barranco estas creaciones plásticas por casualidad, sino que el resultado es consecuencia de largos periodos de búsqueda, experimentación, técnica pictórica, una imaginación lúcida, que se adentra por los campos libres de la apariencia real. Sus hallazgos se van acumulando en la experiencia de días de trabajo, siendo liberados, cuando en el transcurso creativo surge la chispa de la inconsciencia, en el momento en que la obra toma dominio de sí misma.

OBRA DE JUAN LUQUE EN LA GALERÍA ANSORENA

 

ESPERANZA EN EL VACÍO

Juan Luque. Título: El tiempo detenido. Lugar: Galería Ansorena, Madrid. Hasta el 3 de mayo.

La soledad de la persona, perdida en su viaje de exploración del sentido único de la existencia, es la base que justifica la interpretación de la obra de Juan Luque. Sus piezas van plasmando faros, sobre todo, y circos ambulantes. Los faros como lugares alejados de las ciudades, en zonas de escasos habitantes, siempre sometidos a los embates del tiempo, ellos y la Naturaleza, desafío constante, en una batalla sin fin. Pero su presencia va más allá de esta primera idea, pues significan la luz salvadora en los momentos desolados, cuando perdidos en la tormenta, atravesando senderos neblinosos, ateridos por el frío, y en medio de la nada, surge el destello pasajero que nos orienta. Esa es la razón que sustenta su presencia en la obra, pues son expresados como la guía salvadora en los avatares que las diversas rutas que la vida depara. Si no, aparece el nomadismo de los circos, siempre en trasiego continuo, mostrando su presencia en páramos solitarios, fantasía en el vacío, luz de vida en la rutina de la tristeza. Ambos portan esperanza, acompañan y muestran la claridad del horizonte en las oscuras horas de la existencia.

Juan Luque es un pintor cuya obra posee una impronta de gran intensidad visual, espeso cromatismo que pierde peso en la mirada, como si el color quisiera convertirse en humo pasajero, surgiendo como impresión de paso volátil, instante en que se perderá en el olvido. Sus imágenes se transforman en un diálogo de hondo lirismo visual, profundidad de ideas que reflexionan sobre el sentido de la vida, exploración sobre la realidad del ser y estar.

Este artista conjuga dominio plástico, inteligencia compositiva y un excelente vocabulario poético, transcrito en los colores estructurados en sus cuadros, que dotan de sentido la imagen contenida en ellos.