MARÍA RUIZ BENITO EXPONE SU OBRA EN GRANADA

 

LA ESENCIA LUMINOSA DEL PAISAJE

Autora: María Ruiz Benito. Título: Tornasol. Lugar: Colegio Oficial de Gestores de Almería, Granada y Jaén. Fecha: Hasta el 2 de noviembre.

Técnica e inteligente dominio del color se unen en la obra de María Ruiz Benito, artista plástica granadina, quien, pese a su juventud, muestra una hábil capacidad en transcribir la sutil emoción ante el paisaje en serena expresión cromática.

Sus piezas poseen frescor visual, etereidad contemplativa, elegancia sencilla en su conclusión, en la que prima un sosiego en la escena, tranquilo tiempo que discurre. La pintora juega con tonalidades claras, empapadas de azul y gris, mostrando la fría pureza de un espacio contemplado como si fuera desvelado por vez primera, mas el ocre, verde o la impronta dorada, significan su presencia, como testigos de la fuerza telúrica del solar, y la luminosidad que sustenta el entramado sensitivo traducido en colores, primando siempre la huella del azul, vestido de irisaciones grises y rosáceas. Todo este espectáculo, plasmado en su obra, produce como resultado una impresión refrescante a la mirada, invitando al espectador a sumergirse en el ambiente, campos cromáticos neblinosos, donde la sorpresa mágica aguarda. Es así como expresa el embrujo que la historia, mitos y leyendas, han ido dando carácter a la tierra granadina. Logra mostrar todos estos efectos gracias al uso acertado del tono preciso, del gesto incorporado oportunamente con el pincel, la imagen que salva la bruma para mostrar el origen de la escena.

Diluye el dibujo la artista, venciendo el caos danzante de la atmósfera fantástica que rodea la ciudad, sus campos y monumentos. Aparece ésta salpicada de accidentes depositados por variedad de gamas, depresiones definidas por el albor, y salientes intensos de color. Genera así una contemplación vibrante, siempre sometida bajo el ritmo de una mirada suave.

María Ruiz Benito consigue conjugar toda esta complejidad, de ideas estéticas, en un trabajo de sencilla impresión, que atrapa al espectador y lo sume en la placidez del instante, extrayendo la esencia luminosa, en las tonalidades que marcan el ritmo que define toda la composición. Ofrece esta pintora una obra excelente.

PIEDAD LOZANO EXPONE EN ESPACIO DE ARTE COLLADO

 

LA LUZ DE LA MIRADA

Piedad Lozano expone “ Una Alhambra pasada por al alma”, en el Espacio de Arte Santiago Collado.

La luz define la realidad, modulando con sus claridades las figuras y el espacio que las acoge. La luz imprime ritmo a la mirada, sensación de tiempo que transcurre, fuerza a la contemplación.

Estos supuestos estéticos son aplicados en su trabajo plástico por Piedad Lozano (Baza, 1960) en la propuesta que presenta. Las obras que la constituye plasman el universo contenido en la Alhambra, sus pasillos, patios, jardines, rincones, muchas veces desapercibidos, sus fuentes y reflejos. En todas las piezas, pasea la artista su mirada con una intencionalidad diferente de aquella que sólo comprende el monumento, sus detalles arquitectónicos o decorativos, tópicos frecuentes en muchas de las obras que abordan el paisaje alhambreño. También los hay quienes subliman su mirada atrapados por la magia e historia de su solar.

Pero Piedad Lozano supera estas miradas, sustentada en la Luz desarrolla una descripción sensitiva del ambiente, que descansa en los espacios de este monumento, sometido al paso cíclico de las horas, el cual permanece inmutable, pues es una serenidad palpada, envuelta en el silencio roto por el agua que cae en la fuente, o discurre por canales, acompañado por el canto de los pájaros. Al captar ese momento, vislumbra el estado trascendente evocador de otras realidades, posibles o imaginadas, que se superponen sobre la considerada veraz. Este es el gran acierto de la pintora, descubrir el instante fugaz en el que se abre la mirada a campos superadores de lo racional, inmersa en la emoción intemporal, reflejo de la eternidad. Consigue percibir la esencia íntima del Paraíso, pretendido trasplantar por sus constructores.

Desarrolla Piedad Lozano su obra sobre un dibujo preciso, que refleja fielmente la arquitectura racional de la Alhambra, sus repeticiones, el orden geométrico estricto, mas supera el realismo para utilizar su imagen como soporte de un cromatismo ordenado, sujeto a las formas, invadido por los haces luminosos, desbordantes, impetuosos, rompiéndose en destellos múltiples cuando se enfrentan a la superficie acuosa, dejando su peso cuando se posa en la superficie, mostrando su imperio como único ente, que define el alma de las escenas contenidas en sus composiciones.

La pintora consigue una obra de gran calidad estética, mostrando el dominio del oficio que atesora.

ANTONIO BELMONTE EXPONE EN LA GALERÍA HAURIE

 

DIMENSIONES TRASCENDENTES

Autor: Antonio Belmonte. Título: Refracciones. Lugar: Galería Haurie, Sevilla. Fecha: Hasta el 19 de octubre de 2024.

El halo más íntimo del color es perseguido por el pintor. Antonio Belmonte se interna en el seno de las radiaciones, haces de la descomposición de las hebras del espectro luminoso, gracias a que el pintor traslada su mirada a espacios neblinosos, medio adecuado para desestructurar la unidad de la luz, su conjunción de tonos, describiendo los misterios contenidos en su seno. Antonio Belmonte se sumerge en ese mar cromático, poliédricos destellos que originan un festival visual, el cual más que inducir sumisión ante la belleza contemplada, dirige la mirada hacia el mundo interior, aquel que traslada a situaciones contemplativas, íntimas, que conectan con la belleza primigenia, cuando se despierta la consciencia ante las combinaciones que la luz ofrece, al desvelar las tonalidades que guarda.

Es su obra un equilibrado ejercicio de puesta en escena de coloridos armónicos, superando la técnica paisajística para descubrir el fondo abstracto que la realidad contiene. A diferencia de las obras abstractas originadas desde los fondos del subconsciente, o de aquellos ejercicios artificiales, en el que se busca ligar experiencias sensitivas luminosas, este pintor las descubre en el medio natural, desde el desván de sus recuerdos modulados por su imaginación compositiva, logrando expresarlo en su trabajo plástico con acierto y sencillez expositiva, la cual dota de elegancia, trascendencia y valor estético a su obra última.

ELENA NÚÑEZ MAILLÉN EXPONE " DOS VECES ES EL MÍNIMO"

 

LA MIRADA DE ELENA

Autora: Elena Núñez Mallén. Título: Dos veces es el mínimo. Lugar: Galería Birimbao, Sevilla Hasta el 31 de octubre de 2024.

La pintora imprime con fuerza el diseño de la pieza, marcando las formas geométricas que ordenan la composición cromática, jugando con la secuencia que su apariencia ofrece.

La obra de Elena Núñez Mallén (Sevilla, 1998) posee rotundidad al ser visualizada, intensidad, solidez en su apreciación. Marca la artista su idea con ímpetu, dejando fluir su idea sobre la realidad percibida. Siempre hay una estructura invisible que impide penetrar en todo su espacio contemplativo, ideas y circunstancias que entorpecen el encuentro con la imagen veraz. Hay veces en la que Elena Núñez vence las dificultades que evitan la contemplación plena, mostrando la realidad tal y como se estructura en el pensamiento, esquematizada, sumida en tonalidades que acompañan las emociones que anidan en su recuerdo, libre del cromatismo espeso y grávido que en otras piezas incorpora.

La artista reestructura los paisajes y lugares sujetos a su mirada, tras ser apreciados, descompuestos, filtrados en su comprensión, para definir en la simbología plástica el objeto último del entorno contemplado, mas algunas veces existen elementos que lo impiden, sean de índole intelectual aprendidos, como provenientes del dictado racional de la mirada.

Propone Elena Núñez un trabajo plástico inteligente, de gran poso intelectual, y equilibrado estéticamente.

CONTRASTES EN LA GALERÍA ORFILA

 

EL COLOR COMO VÍNCULO SENSITIVO

Autores: Martín Viveros y Moisés Rojas. Título: Contrastes. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 21 de octubre de 2024.

Presenta esta galería dos formas estéticas de comprender la existencia, a través de las obras de dos pintores.

Martín Viveros se expresa con el lenguaje del color, manchas cromáticas que absorben la imagen, para convertirla en reflejo desbordado de variados destellos, con la impresión que la luz imprime en el momento rememorado. Relata su idea plástica como un denso caos tonal que solapan los límites de las pinceladas, formando un conjunto de sensaciones conjugadas, que crean un relato complejo de polifonía cromática, produciendo un efecto desasosegante, en el cual se extrae la mirada del tiempo real, para elevarlo al plano de la fantasía. El espectador se siente sumido en un estado de plenitud, si no, inquieto y escrutante, buscando el significado de formas insinuantes que el azar ofrece. Es por lo que sus piezas constituyen una aventura visual, que incitan la atención, liberándola de la rutina cotidiana. Son sus obras composiciones de elegante combinación de tonos, atractivas y conclusión elegante.

En cambio Moisés Rojas reorganiza su abstracción, para convertirla en un encuentro con la figuración, flotante en su marea cromática, extasiada por el festival luminoso, descompuesto en todas las posibilidades tonales que el Cosmos celeste ofrece. Se interesa por la trascendencia de la existencia, convertida en insignificante ante la inmensidad del Universo, energía en estado vibrante, transformación permanente en un juego rítmico visual. El hombre y su destino constituye la idea que sostiene su trabajo pictórico. Rompe el orden abstracto, la difuminación de las formas anegadas en sus tonos, para incorporar el signo que da contenido a su propuesta. Constituyen sus composiciones una reflexión permanente, sobre la persona y el lugar que ocupa en la Creación. El resultado es ofrecido en cada una de sus piezas, de sólida contemplación, peso en la paleta utilizada, huida hacia el infinito.

Mientras Martín Viveros asume las formas tangibles a través de su reflejo luminoso, y el efecto que origina en la comprensión interior, Moisés Rojas abre su esencia íntima ante la grandiosidad de los cielos profundos. Los dos coinciden en el color como vehículo sensitivo, siendo la persona el ente que interpreta las energías radiantes, definiendo la realidad. Es un diálogo entre la percepción proyectada hacia el interior o hacia fuera. En ambos el color conforma la simbología que sostiene sus relatos.

Martín Viveros

Martín Viveros

Martín Viveros

Martín Viveros

Moisés Rojas

Moisés Rojas

Moisés Rojas

Moisés Rojas

EXPONE PACO LAGARES EN LA EMPÍRICA

 

HABÍA EN TUS LABIOS UN SABOR AMARGO

Autor: Paco Lagares. Título: Alegorías áuricas. Lugar: La Empírica. Fecha: Hasta el 4 de noviembre.

Escenifica el pintor el momento final de la pieza teatral “Salomé”, de Oscar Wilde, en la instalación central de su propuesta plástica, en la que sitúa una cabeza de maniquí como representación de la cortada del Bautista, junto a un jarrón, recipiente de libación, depósito de posos de vida, deseos y placer. La pasión es contenida en ese recipiente, desbordada a veces, punto de unión con Dioniso, cuando Eros y Tánatos se conjugan y confunden.

En la vida los recipientes se convierten en depositarios de estas pasiones, imágenes que reviven recuerdos, lugares, momentos, a pesar de su presencia intrascendente en la vida cotidiana.

Paco Lagares utiliza este motivo para elaborar su obra, la cual supera el propio concepto del objeto, para exponerlo en composiciones que trasladan al espacio intemporal, y fantástico, de la imaginación.

El pintor conjuga en esta instalación tres expresiones: estética, expositiva y técnica. En ésta muestra destellos singulares que más que demostrar valía plástica alguna, abunda y confirma su maestría y oficio, sustentado en un pensamiento dinámico, inmerso en los inexplorados espacios de creaciones superiores, no más de lo ofrecido en su trayectoria artística.

Las piezas de Paco Lagares poseen sosiego visual, sencillez elegante, equilibrio clásico, aroma decadentista, lo cual ayuda a la escenificación de la idea desarrollada en la Sala.

Las composiciones juegan con el fondo áureo, profundo, nebuloso, resplandor de un pasado en el que la imaginación lo define brillante, también como paisaje anegado de luz dorada, en el cual se pierde la atención buscando el mundo de los dioses, aquel trascendente donde anidan los genios que dirigen los impulsos pasionales, mas allí se contienen, hay que buscarlos, siendo su exterior reino del silencio. Así es lo captado ante sus obras, o al menos es una sensación que a mi me suscitan.

Las piezas expuestas poseen excelente calidad técnica, por el resultado obtenido, unido a la inteligente organización espacial de la instalación, en la que las composiciones generan la atmósfera pretendida, para llevar la mirada del espectador hacia el motivo central de la propuesta. Interesante exposición la ofrecida por Paco Lagares.