lunes, 24 de octubre de 2022

OBRA DE LUCIO FONTANA EN HELGA DE ALVEAR

 

LA OTRA REALIDAD DE LUCIO FONTANA


Autor: Lucio Fontana. Lugar: Galería Helga de Alvear. Madrid. Fecha: Hasta el 19 de noviembre.

La materia genera su espacio de influencia propio, siendo este efecto sensitivo el percibido por el artista para actuar sobre su forma, e introducir la energía que guía su intervención, unas veces dejada al azar, en otra sometida al molde de la figura pensada.
Lucio Fontana, 1899-1968, fue un escultor y pintor argentino, de ascendencia italiana, que desarrolló un trabajo plástico original, dentro de la vanguardia de su tiempo. Buscó, en la variabilidad de las formas, una expresión singular que le conectara con el vacío circundante, en el cual ésta mostrara su existencia, mediante su vibración de acuerdo a la influencia que su figura genera al ser observada, aparte del influjo energético traducido en la tensión de su configuración, en la fractura visual que ejerce el caos de la estructura. Trabajó la cerámica, por lo que algunos catalogaron su producción artística de artesanía, mas él respondía con formas que superaban la comprensión inicial en el entendimiento común sobre esa técnica, y las convertía en disrupción estética que atrapaba la atención, incitaba a la curiosidad, generaba inquietud ante su imagen alógica, trasladando el entendimiento hacia los fondos remotos del pensamiento, surgido de la umbría de la Historia remota. Esta percepción es un destello, disipado enseguida para convertirse en encuentro alejado de la rutina razonada.
En su pintura, sobre papel, trasladó este ingenio al plano bidimensional, plasmando piezas de acuerdo a los estilos de sus contemporáneos.
De la obra de Luciano Fontana, prefiero sus esculturas cerámicas, pues consiguió elaborar un vocabulario de grafía sensitiva rico en significados, con el cual relató sus paseos por los jardines del subconsciente.
Luciano Fontana intentó explicar la otra realidad que nos rodea.

















miércoles, 19 de octubre de 2022

SOBRE LA EXPOSICIÓN "A CUATRO MANOS "


 UNIDOS POR CHRISTIAN WALTER


Taller de Serigrafía de Christian Walter. Título: A cuatro manos. Lugar: Centro Cultural Gran Capitán. Granada. Fecha: Hasta el 6 de noviembre.


Son muchos los autores y estilos que participan en esta exposición, unidos por su relación con el gran maestro grabador Christian M. Walter.
Desde perspectivas diversas, apreciaciones de la realidad diferente, técnicas de representación, motivaciones y significados distintos de entender el trabajo plástico, convergen todos en el punto común de la serigrafía. A partir de esta forma de expresar la imagen, cada uno de los artistas desarrolla su obra, desde el realismo de ensoñación pictórica hasta la abstracción, hundida en la búsqueda de la comprensión de la esencia del color. 
Las piezas expuestas abordan complejas composiciones cromáticas, imágenes detalladas, o simples evanescencias lineales, tocadas por el tono oportuno impresas con gesto lírico. Todo cabe en este modo de representación plástica. Christian M. Walter es el nexo de unión de todos los artistas reunidos en esta propuesta, poseyendo cada uno de ellos un camino propio de creación, y exploración, en la impresión del grabado y estructuración de la idea mostrada. Presentan sus serigrafías nombres como Sergio García Sánchez, Premio Nacional de Ilustración, Rogelio López Cuenca , Premio Nacional de Artes Plásticas, Paco Pomet, Rosa Brun, Valentín Albardíaz, Santiago Ydáñez, Soledad Sevilla, M. Rodríguez Acosta, Carmelo Trenado....
Hay piezas expuestas que nos enseñan una versión de la realidad, vasta e inaprensible, entendida como proyección externa que se recoge e interpreta, de acuerdo a las sensaciones imperantes y recuerdos, otras, muestran la expansión de la mirada del creador plástico, que ilumina con su pensamiento el entorno desconocido, construyendo realidades fantásticas, sueños, deseos… Hay artistas que se internan en su pensamiento, sumergiéndose en las profundidades del subconsciente, rescatado ideas eternas, secretos ocultos, emociones y conceptos sensitivos, que sólo pueden ser expresados a través de la forma imposible, de la mancha de tonalidad sugerente. En definitiva, todos utilizan una grafía propia, variada, para expresar la idea común que les preocupa: ¿ qué es la realidad ? ¿ Cuál es el sentido de la existencia?
El comisario de la exposición, Joaquín Peña-Toro, uno de los pintores de mayor peso en el panorama andaluz, ha conseguido conectar, de forma inteligente y lúcida, todos estos componentes de extracción dispar, por el estilo y figuración de cada uno, conseguido gracias al nexo común con el gran maestro del grabado Christian M. Walter, figura internacional, cuya presencia, como un andaluz más, tenemos la suerte de tener entre nosotros.





viernes, 14 de octubre de 2022

NUEVA EXPOSICIÓN DE PATRIK PIETROPOLI

 


DESDE LOS PLIEGUES DEL TIEMPO


Patrik Pietropoli expone “Chenonceau” en la Hugo Fine Arts Galerie, Nueva York. Hasta el 16 de octubre de 2022.


Recrea la belleza en la Pintura Patrik Pietropoli, París 1953, jugando con la arquitectura, rompiendo las barreras del tiempo para expresar sus ilusiones estéticas. Extrae del momento lineal a sus personajes, los conjuga con modas pasadas y representa en las estancias elegidas.
En esta ocasión recorre su mirada el castillo de Chenonceau, en el Loira, descubriendo el esplendor de sus estancias y fachadas, desde una perspectiva de la luz que brilla en la superficie ajada por los años, melancolía luminosa que fluye buscando el esplendor perdido, el brillo de su plenitud, mas solo responde el resplandor con la belleza del poso de su elegancia.
El pintor describe en su dibujo, con precisión, habitaciones, salones, exteriores y personajes. Estos aparecen como intrusos del tiempo que quieren penetrar en su historia. En sus figuras acotadas impone el color ajado, cromatismo decadente que imprime aún glorias pasadas en la mirada. Es una actitud nostálgica la propuesta por el pintor, e incluso juega con la historia de la pintura renacentista barroca, para exponer su punto de vista, evadiéndose de la gris realidad que el presente impone.
Desnudos incompletos simulan la figura femenina clásica, el misterio de damas que todavía recorren los pasillos y espacios del lugar, espíritus vivos en los pliegues del tiempo, queriendo seducir a los visitantes. Introduce el artista magia y fantasía en su obra, consiguiendo relatar la historia sensitiva del entorno, las impresiones que aturden el entendimiento, cuando se vislumbra las distintas dependencias de castillo.
Logra P. Pietropoli una obra cerrada en sí misma, historia de historias, recitar permanente sin fin, misterio y admiración ante la belleza pasada. Como siempre genial.


























sábado, 8 de octubre de 2022

LOS ARCHIVOS DE AMALIA AVIA

 

BRILLO PLÁSTICO QUE SE DILUYE


Autora: Amalia Avia. Título: “El Japón en los Ángeles. Los archivos de Amalia Avia”. Lugar: Sala Alcalá 31, Madrid, Fecha: Hasta el 15 de enero de 2023.

La obra de Amalia Avia posee una gran riqueza visual, en la que descubrimos una profundidad narrativa expresada en el cromatismo estructurado en sus figuras. La pintora actúa con precisión, abordando la idea que quiere plasmar desde una perspectiva imaginada, extraída de la realidad y marcada por el recuerdo sensitivo.
Amalia Avia elaboró un trabajo plástico basado en la realidad de su entorno, cuya contemplación huye de la fiel reproducción, para exponerse como conclusión del trazo del pincel guiado por un gesto lírico, de rememoración evanescente, concentrado en manchas que se entienden como figuras anónimas, encerradas en sí mismas, olvidadas y ajenas al exterior. Mundos múltiples personales se entremezclan en calles y estancias, o si no, se refleja la huella de su ausencia.
Aunque se calificó de realista la pintura de Amalia Avia, sus composiciones surgen de la impresión abstraída de la exacta realidad, recuerdo brumoso, sensación circulante que se pierde en el pasado, mas la pintora lo detiene en el instante suspendido impregnado en sus piezas. Subyace un influjo cartelista en ellas, pero se deshace su fuerza en su anclaje con la descripción de las imágenes del entorno, rescatadas del pensamiento de la artista, que juega con ellas para relatar el tiempo que transforma el paisaje social, la desmemoria del ocaso, el cambio que se estaba produciendo en las décadas centrales, y siguientes, del siglo veinte en España, más concretamente en Madrid. Amalia Avia engarza los colores en sus piezas, distribuye y equilibra, modulando su efecto, para que en su influencia mutua desprendan la experiencia del tiempo pasado, la ruina del tiempo, la soledad, e insignificancia, de las trayectorias vitales que pasan y se difumina en la rutina.
Amalia Avia bebía de la realidad, la transformaba y convertía en brillo plástico pasajero, testigo de un tiempo que ha perdido su fuerza. La exposición aquí comentada posee una excelente puesta en escena, e interés estético por la singularidad de la obra mostrada.