UNIVERSOS ABSTRACTOS, EN MECA MEDITERRÁNEO

 

LOS UNIVERSOS DE MECA MEDITERRÁNEO

Continúa MECA Mediterráneo ofreciendo excelentes propuestas artísticas. En esta ocasión, con motivo de su treinta y cinco aniversario, nos ofrece la muestra “ Universos abstractos “, que se podrá visitar hasta finales de febrero del presente año.

Participan en esta exposición, Toña Gómez, Juan Morante, Fernando Barrionuevo, Antonio de Diego Arias y Modhir Ahmed, siendo comisariada por Rosa Muñoz Bustamante y Fernando Barrionuevo.

Entre las obras presentes, Toña Gómez se interna en un universo fluido, envolvente, suave y sedoso a la mirada, vibración gozosa de claridades evanescentes, presentado como confusión cromática, en la que se presiente fantasías por descubrir. Mientras, Modhir Ahmed supone el vacío como perspectiva final, espacio infinito ajeno a la luz, mas la huella del resplandor aparece como borrones depositados, densas manchas impregnadas por su presencia, incorporando el signo acotador de la razón, que intenta ordenar la realidad sentida, trazada con difusa precisión. Es Juan Morante quien describe el presentimiento transcrito, como señales de un ruido de fondo, algo hay tras el infinito de la imaginación, frío, rotundo, poderoso, cuan muro que atravesar. En esta aventura estética incorpora Fernando Barrionuevo la pasión de la búsqueda, ejercicio plástico que arrebata la razón, vislumbrando el horizonte amable, siempre en peligro de ser evadido por la mancha continua, que actúa como frontera que atravesar, insinuante de aventuras esforzadas que hay que vivir en la experiencia sensitiva. La luz cálida, espesa cortina que anega la mirada, es ideada por Antonio de Diego Arias, pero el camino continua, según nos indican las verticales oscuras, resquicios de otro infinito que envuelve al anterior. Todo es existencia permanente tras la búsqueda inagotable.

Con esta descripción de la exposición en esta Sala, quiero expresar el sustento que impulsa el trabajo pictórico de estos artistas, quienes se adentran en los campos del color, explicando, con la intensidad de la mancha, la densidad del tono, su peso o ligereza, las experiencias que quieren mostrar, extensas en su significado, imposible ser ajustadas con la grafía alfabética, posible sólo con la intuición perceptiva, por la emoción de las formas imposibles, o cromatismo, que suscitan. Es un ejercicio de alta complejidad técnica, en las que hay que engarzar el flujo de tonalidades varias, de forma rítmica, en su armonía o desarmonía, perfectamente planificada, para representar la imagen interior que poseen. Excelente instalación montada en esta galería.

Antonio de Diego Arias

Fernando Barrionuevo

Juan Morante

Modhir Ahmed

Toña Gómez

MARCOS CÁRDENAS EXPONE EN SALA PARÉS

 

LAS CLARIDADES DEL PINTOR

Autor: Marcos Cárdenas. Título: Still Life. Lugar: Sala Parés, Barcelona.

Es la obra de este pintor un ejercicio de perfección plástica, en el cual el dibujo preciso y el color oportuno se conjugan para conformar una imagen llena de esplendor.

Marcos Cárdenas obtiene de la realidad cotidiana los motivos de sus cuadros, como también de bodegones organizados como composiciones de plasmación estética. Aplica el artista un trazo preciso, de impresión limitada, acotando finamente el perímetro de sus figuras, dentro de las cuales descarga colores tenues, que traducen la vibración cromática en su encuentro con la luz, fuente de claridades rotundas, la cual abarca todo inundando su contorno, dejando en su obra el efecto mágico del destello instantáneo, fulgor del tiempo pasajero, efecto del esplendor en el punto inicial de su decadencia. Es por lo que se comprende, el trabajo plástico de Marcos Cárdenas, como el reflejo de la permanencia inconsistente de la realidad. La luz es quien marca el encuentro de la mirada, el trayecto hacia el pasado, dejando impreso en sus piezas el momento luminoso recordado.

Marcos Cárdenas elabora un trabajo pictórico pulcro, exacto, de colorido delicado, inmerso en la claridad exultante, fría y serena. Persigue el brillo del presente, para convertirlo en experiencia eterna. La obra de este artista es sugerente a la mirada.

CRISTINA ORTIZ EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA

SUEÑOS DE LA MIRADA INCONSCIENTE

Autora: Cristina Ortiz. Título: Sueños y transparencias. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 24 de febrero.

Es el trabajo plástico de Cristina Ortiz un ejercicio de concentración mental, reflejado en las piezas elaboradas según un intenso proceso reflexivo, encaminado hacia la liberación de la rutina cotidiana que ciega la mirada auténtica de la realidad.

Es así como consigue la artista penetrar en la esencia verdadera, ocultada por la impresión fácil, sólo asumible por la percepción sensitiva.

La obra de esta pintora está compuesta de óleos y collages, estos últimos realizados con papel de seda, el cual se incorpora sobre la superficie acrílica, de base monocroma, en la que se distribuye armónicamente en su extensión, en unas composiciones con profusión, en otras depositados en la soledad del color monocromo. Es una acción estética que busca la armonía visual, actividad que en su constancia apaga el pensamiento racional, logrando que surja la visión primigenia que ilumina el entorno real, descubriendo su presencia, dando forma al recuerdo de este encuentro en sus piezas, apareciendo como descripción ideográfica de su exploración del universo sensitivo, el cual quiere compartir con el espectador. No surge la obra de Cristina Ortiz como proyecto planificado previo, sino aparece su conclusión al final de un trayecto de meditación, cuando se atreve aventurarse por los caminos hacia paisajes irracionales. El producto de su creación plástica posee una belleza inherente, gracias al equilibrio delicado de las composiciones, el cromatismo conjugado en una danza de energías vaporosas, las transparencias sugerentes, y los espacios extraídos de los sueños de la mirada inconsciente.

La obra de Cristina Ortiz posee una gran delicadeza en su observación, que transciende la mirada e impregna la emoción de quien la contempla.

EXPOSICIÓN DE CARMEN SELFA EN ALMERÍA

 

CARMEN SELFA: FEMENINO SINGULAR

Autora: Carmen Selfa. Título: Femenino Singular. Lugar: Sala Perceval del Museo de Arte de Almería ‘Espacio 2’. Fecha ¨Hasta el 18 de febrero.

Es un trabajo sugerente, de luminosidad plena, trazo preciso, sin añadidos innecesarios, expuesto de forma divertida por la pintora. Carmen Selfa nos presenta quince obras de tono desenfadado, elaboradas con un cromatismo básico, sin grandes complicaciones en sus tonalidades mixtas. Usa gamas de la industria comercial, cuyo efecto posee una gran atracción a la mirada, pues la conjunción de estos colores nos lleva a una realidad ensoñada, que esquematiza conceptualmente las figuras para sumirlas en su espacio de influencia. Transmite emociones, sensaciones varias, mostradas por esta artista de forma divertida, pero no por ello alejadas de algún motivo que haga reflexionar al espectador, aunque inicialmente tal efecto no estuviera presente en su pensamiento.

Carmen Selfa ofrece una obra de visualización ligera, surgida desde una estética pop, la cual aparece evolucionada, adaptada a su estilo personal. Esta creadora no se complica en el desarrollo de sus obras, yendo directamente hacia la plasmación del objeto mental comprendido en ellas. Lineas precisas, trazos comunes en todas sus piezas, que con una raya profunda en su centro, y la marca de dos ojos y una boca pintada, sustenta los aderezos externos que completan su dibujo. Éste adquiere forma y fuerza cuando incorpora en sus figuras el color, cuan lenguaje sensitivo que define ritmos en las vivencias de sus personajes, expresión de su carácter, el cual se percibe a través de los destellos que se aprecian al visualizarlo. El fondo que incluye, en sus composiciones, ayuda a completar el relato contenido en cada una de ellas.

En sus acrílicos sobre madera, recorre el mundo femenino visto desde la singularidad de cada figura. Expone personalidades distintas, en diversos momentos de su existencia, las cuales se desenvuelven en una cotidianidad ajena a complicaciones y problemas, sólo están las mujeres y su mundo íntimo, proyectado en el exterior por la imagen que ofrecen, Mas se aprecia una unidad en la esencia de sus personajes, que supera la apariencia externa, logrando inducir curiosidad sobre las circunstancias íntimas de cada una. ¿ Que sucede en el interior de sus protagonistas? Esta es la gran pregunta que se refleja al observar cada ilustración. Se encierra en ellas un universo velado, incomunicado, invisible, solitario, mostrando sólo la imagen social a sus congéneres.

La obra de Carmen Selfa constituye una mirada hacia la mujer y su entorno, resaltando las múltiples caras que su personalidad encierra.

SIMÓN ARREBOLA EXPONE EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

SIN SALIDA

Autor: Simón Arrebola. Título: De buenas intenciones. Galería Birimbao, Sevilla. Fecha: Hasta el 20 de febrero.

Presenta Simón Arrebola un trabajo plástico sugerente, de visualización directa y expresión clara, consiguiendo contruir el pintor el artificio imaginario que anida en su intelecto. Discurre el artista sobre la existencia humana y la libertad ficticia en la que desarrolla su acción. Todo es un artificio, un escenario, una fiesta montada para la diversión de las gentes, ajenas a sus problemas y preocupaciones cotidianas. Ésta es la propuesta sobre la que asienta su producción artística. En ella organiza una serie de piezas en la que se suceden diferentes secuencias de un parque de atracciones, en el cual los seres allí presentes, o enclaustrados, se divierten, deambulan, exploran o quizá intentan buscar el camino hacia un lugar indeterminado, pero siempre están allí enfrascados en la trama de los artilugios, en danza continua, como si un tipo de averno fuera. La diversión inicial prometida, el mundo feliz, se ha convertido en espacio acotado, asfixiante y tenebroso. Es así como el pintor sucede piezas de claridad gozosa, de cielos azulados, movimiento en la alegría de la atracción ferial, con aquellas escenas nocturnas, casi tenebrosas, enfrascados sus personajes en una rutina casi forzada, buscando la nada, pues no hay respuesta a sus anhelos hacia el encuentro de los sueños que dirigen sus vidas. En definitiva, es una ilusión sostenida la que impera en el destino de los allí sujetos.

Simón Arrebola describe estas impresiones de forma nítida, con precisión, riqueza de detalles sugerentes y rapidez expositiva, aplicando un cromatismo básico, de intensidad patente, sobre un fondo suave, marcando el efecto intelectual que da razón a su obra. Ésta es figurativa, extraída hacia la representación pop, que se transforma en composiciones que recuerdan, en el brillo desprendido por la escena, a los paisajes oníricos de El Bosco. La cualidad del conjunto mostrado en esta muestra se desprende de esta sensación, conseguida gracias a la habilidad del pintor y su acertada visión estética.

JOSÉ MANUEL DE HITA Y ALMERÍA

 

ALMERÍA MÁGICA

Autor: José Manuel de Hita. Título: Luz del Sur. Lugar: Museo de Almería. Fecha: Hasta el 21 de enero de 2024.

Nos muestra esta exposición la imagen mágica de Almería, ensoñación plasmada en el lienzo, donde el pintor transfigura la realidad para expresarla en escenas impregnadas de un cromatismo feliz. José Manuel de Hita, 1956, es un artista madrileño que posee una intensa relación con la provincia almeriense, reflejando en su obra diferentes paisajes, donde los personajes, que juegan en el interior de sus piezas, viven un tiempo feliz, fundidos con el entorno natural. Sol, amplios cielos azulados, mares de poderosos tonos del mismo color más espeso, dorados en el horizonte, luces nocturnas de chiringuitos callejeros, alegría de vivir en fin, transmiten la magia de esta tierra sureña, de sus espacios despejados, luminosos y vibrantes, donde los resquicios de los universos fantásticos asoman su presencia, ofreciendo espejismos en la realidad sentida. Todo es posible, parece decirnos el pintor, en los páramos pintados. Expresa José Manuel de Hita un encuentro gozoso con el paisaje, descrito con un entramado de colores de perfecta conjunción, cuya interacción crea los efectos aquí descritos. Es su figuración una forma muy actual de proponer la fidelidad de la imagen, donde prima el peso del color, quedando las figuras y escenas sumidas en su halo, disueltas bajo su influencia, apareciendo transcritas en esta obra las emociones del instante vivido.

Esta propuesta plástica posee fuerza y atrae la mirada. El buen trabajo de José Manuel de Hita consigue elaborar piezas de excelente factura artística.

UNA NOVELA DE ANTONIO LARA RAMOS

 

UNA NOVELA INTERESANTE

Autor: Antonio Lara Ramos. Título del libro: Askatu. Portal número seis. Editorial Esdrújula.

Hay novelas actuales muy leídas, las cuales ayudan a pasar las horas de aburrimiento. Muchas de estas publicaciones quieren ser una pieza literaria, pero se quedan en una redacción lineal o acaso en un embrollo sin sentido, con trucos forzados, recurriendo a veces a descripciones escabrosas. Son producto de escritores ocasionales, aventureros de la pluma que prueban suerte, mas no es lo suyo.

En cambio, hay autores que dominan su oficio, cuyas piezas poseen una estructura lógica, con entradas sorprendentes, misterios sugeridos por descifrar, silencios que inquietan, enganchan, consiguiendo que el lector devore los cientos de páginas que las editoriales les imponen. Estos escritores ofrecen obras que atraen, entretienen y hacen vagar la imaginación. Están redactadas con soltura literaria.

Antonio Lara Ramos, con casi dos decenas de títulos publicados ( novelas, ensayos, biografías e historias ) pertenece a este tipo de escritores. En su última novela “Askatu. Portal número seis “ ofrece un relato interesante, actual y con excelente técnica narrativa.

Sin enfrascarse en estilos retorcidos sintácticamente, consigue el autor realizar lo más difícil, expresar su relato de forma sencilla, sin abandonar la calidad literaria, de lectura asequible, amena y fresca. Sabe encajar múltiples relatos en esta extensa obra, secuenciados de forma oportuna, precisa, sin sorpresas, engarzados en un ritmo armónico, que no por ello propone algún sobresalto, aparición inesperada, más la ola brusca desaparece en las suaves ondulaciones de su desarrollo.

Narra Antonio Lara la vida de un joven ingeniero granadino en el País Vasco, rodeado del asfixiante ambiente de silencio, opresión y aislamiento de muchos de sus habitantes. Pero en el núcleo de su propuesta narrativa, centra la mirada en el asesinato del concejal socialista Isaías Carrasco, el cual describe, así como el entorno donde se produjo. Este relato es el eje que dirige el motivo principal de la obra, apareciendo como destellos programados a lo largo de sus páginas, entre historias personales, diálogos, impresiones… Tras lo cual consigue el escritor que el lector componga una idea general del entorno, del problema vasco visto desde otras regiones de España, destacando el sentido de la amistad, de la bondad humana, la soledad y el amor, en medio de la barbarie terrorista. Todo bien organizado en la trama del libro. La obra de Antonio Lara Ramos posee solidez, amenidad, interés, fuerza expresiva y fluidez en su lectura.

J.C. BUSUTIL EXPONE EN GALERÍA BENOT, CÁDIZ

 

LOS SILENCIOS DE J.C. BUSUTIL

Título: Catálogo del Silencio. Autor: Juan Carlos Busutil. Lugar: Galería Benot, Cádiz. Fecha: Hasta el 4 de marzo.

Nos dice el artista que sólo hace Pintura, actividad en cuyo ejercicio únicamente se centra en el color, la línea y su expresión en el cuadro, sin pensar en reflejar mensaje o simbolismo alguno. Es libre su pincel de cualquier atadura narrativa previa, quedando su objetivo despejado sujeto al ritmo del color de fondo, la luz que se presiente y la figura aparente, según la percepción imaginada por el espectador. Este producto final, de su expresión plástica, es consecuencia de una imagen estética previa, surgida en los mundos fantásticos del pintor.

Juan Carlos Busutil, Sevilla, 1962, ofrece un conjunto de piezas trabajadas sobre papel, soporte compañero adecuado de la obra impresa, pues consigue crear una imagen de etereidad sugerida, alejada de realidad alguna que la sustente, ligera y profunda, gracias al colorido monocromo incorporado. Transmite infinitud en la escena, lugares velados por despejar con la mirada, pero es ilusión todo lo que se quiere percibir.

Las piezas mostradas en esta exposición, aunque no sea su intención, nos llevan a escenarios acuosos de geografía ignota, sumidos en brumas que reconfiguran la autenticidad de lo existente, mas su presencia se queda en sueños de la mirada, pues el trazo, o mancha incorporada, dictan el efecto producido en su observación, como muestra del cromatismo transgredido por el signo añadido por el artista.

Hay también sencillas composiciones de estudio, extraída de su entorno temporal para se ofrecidas en el universo silente de la pieza, estando sólo el tallo, con sus hojas y florecillas arropado por la luz, cuya presencia se hace visible por la sobra del modelo incluido en la pieza.

La obra de Juan Carlos Busutil es un trabajo plástico de intensa precisión cromática, que aspira a lo mínimo para descubrir la esencia primera, que explica la naturaleza de la imagen pensada.