domingo, 28 de junio de 2015

EXPONE EN REY CHICO DE GRANADA INMA RUIZ.

UNA FAUNA NO TAN FELIZ

Autora: Inma Ruiz Díaz. Título: Fauna. Lugar: Centro Municipal de Arte Joven Rey Chico. Fecha: Hasta el 30 de junio.

Una serie de piezas, de pequeño y mediano formato, conforman la muestra presentada por Inma Ruiz Díaz. Es un conjunto que transcurre sencillo en su observación, dejando un buen sabor cromático en el recuerdo. Está expuesto de forma brillante, en cuadros de bella factura en su elaboración, acabados con precisión en su equilibrio armónico, avalando la habilidad expositiva de la autora. Ésta compone una obra íntima, sosegada, que posa silente en la Sala, expuesta para una contemplación tranquila. Están acompañadas las piezas colgadas, por una serie de esculturas, de formato delicado, donde rescata en sus formas estrellas de mar. Son estructuras hermosas y frágiles. Comunica la artista su preocupación por el futuro de la fauna salvaje, relatando esta idea de forma susurrante en la mirada, trasmitiendo pasión, misterio, evocaciones de paraísos deseados, intentando conjurar con la Belleza el peligroso futuro que aguarda al medio ambiente.

Inma Ruiz Díaz desarrolla composiciones surgidas de la fantasía, que evocan una realidad ensoñada de la Naturaleza. Azules, violáceos, algún rojizo, verdes, ocres... se conjugan para construir un entramado visual elegante, obteniendo como producto un trabajo marcado por una buena capacidad de dicción plástica. La pintora maneja diferentes resortes para elaborar con técnica mixta obras seducidas por el color rotundo, aderezadas por un toque matérico de elementos distintos a la pincelada, o collages, que incorpora en la pieza, para obtener una conclusión dinámica, apartada de la formalidad clásica, para obtener imágenes que surgen de una fauna vestida de sueños. Sabe la artista conjugar todos los modos de representación gráfica, para proponer, como conclusión feliz, una obra de valía plástica.










































jueves, 25 de junio de 2015

ISABEL MARTÍN EN EL HOTEL EL LADRÓN DEL AGUA


DANZA EL COLOR EN LA MIRADA

Autora: Isabel Martín. Título: Sin título. Lugar: Hotel El Ladrón de Agua. Fecha: Hasta el 3 de julio.

Tensión del color en su momento danzante, cuando surge rotundo, sólido, liberado del trazo para combatir entre sí, buscando cada paleta un hueco en la superficie del cuadro. La línea ancha se esparce alegremente, depositada con fuerza, entrelazada con otras tonalidades, construyendo como resultado espacios de fantasía. Se atisban entre la espesura cromática figuras, sombras, formas familiares, en un plano que se hunde hacia el interior, mas son efectos del color, que engaña la mirada, induciendo a generar visiones que la sensibilidad del espectador quiere ver,
Isabel Martín utiliza un colorido intenso, poderoso, expresivo y apasionado, en una amalgama barroca libre de ataduras lineales, dejando las tonalidades en un fulgor infinito. Es el color el protagonista, mostrando sus entrañas y posibilidades. Energía pura que fluye en el cuadro. La autora nos enseña un conjunto sumido en la abstracción absoluta, de fuerte expresividad, donde los colores danzan rítmicamente en torno al espíritu de la luz, común a todos, apareciendo juguetones e insinuantes los duendes que se ocultan en su seno, balanceándose en sus sinuosidades, escondiéndose y observando a hurtadillas la realidad exterior del cuadro.

Ofrece Isabel Martín un trabajo de fuerte sabor clásico de las vanguardias del siglo xx, de composición cromática densa, que conecta con la mirada, haciéndola cómplice de la exuberancia que arde en su interior. Es una propuesta un poco recargada, que muy bien podría aligerarse para investigar la esencia de la radiación, aunque ello podría incorporar signos de placidez en la pieza, alejándola del nervio que refleja la emoción estética de la pintora. 























martes, 23 de junio de 2015

OBRA DE RAMÓN MOYA

CUANDO SE CREA CON EL CORAZÓN

Autor: Ramón Moya. Título: Dibujo, xilografías, punta seca. Lugar: Artexpontaneo Galería de Arte. Fecha: Hasta el 30 de junio.

Ramón Moya posee un dibujo limpio, preciso, desarrollado con habilidad, contenido en la frontera del barroquismo. Pinta porque sí, guiado por su sensibilidad, por el ansia mágica que hace representar la imagen para atraparla, congelar el tiempo, extraer evocaciones del pasado, de su niñez, de un tiempo que fue y ya es historia.
La actividad plástica es para él ejercicio continuo, forma de ser y estar, divertimento que llena sus aspiraciones. Expresa su emoción ante el recuerdo, hundiendo su imaginación en los arcanos de la memoria, en símbolos que seducen sus vivencias, reducidos a troncos de olivo, racimos de ajos, esteras apiladas de una almazara... descritos con líneas que se deslizan libremente. Muestra la agilidad del trazo con el carboncillo o lápiz, alcanzando en algunas de las piezas una buena destreza en la representación de una idea compleja. En otras se limita en un contenido dibujo esquemático, que recoge muy bien el espíritu de Zabaleta, pintor que siempre le ha asombrado.
No se conforma con dejar el rastro de sus impresiones en formas de líneas, sino que penetra en el grabado como una manera de elaborar piezas de inteligencia trabajada. Xilografías, grabados a punta seca, conforman, junto a los carboncillos presentes, la exposición. Trabajar el grabado es el pretexto que tiene para reflexionar sobre la esencia de la existencia, al penetrar en aquellos sabores desvaídos en el tiempo que significaron mucho en su devenir. Es una reflexión que se centra en la acción. Busca hundir sus sentimientos en las raíces de la tierra jiennense que le vio nacer. Esta es la explicación que comprendo de la obra expuesta.
La producción de Ramón Moya es concisa, sencilla, sin pretensiones deslumbrantes, constituyendo un testimonio de afirmación de su ser y existir. Es bueno en los grabados, adecuado en las xilografías, siendo el conjunto propuesto en esta Sala de buen gusto artístico y nivel técnico. La impronta del autor es patente en todas las piezas, confiriéndole cualidad de producto artístico.




                                                               Del Blog de Ramón Moya



Del Blog de Ramón Moya



Del Blog de Ramón Moya










domingo, 21 de junio de 2015

SOBRE LA OBRA DE J.M.BRAZAM.

DESCUBRIENDO A BRAZAM

Autor: Juan Manuel Brazam. Título: Diálogos íntimos. Lugar: Museo CajaGranada. Memoria de Andalucía. Fecha: Hasta el 30 de junio.

Es Juan Manuel Brazam un pintor de poderosa presencia en la reciente historia de la pintura andaluza. Original, auténtico, diferente, creador de espacios ensoñados en sus cuadros, que recitan sentimientos arrasados por la pasión, o ideas etéreas que hacen vibrar los sentimientos. Todo se conjuga en su obra, que como ente vivo ha ido desarrollándose en el tiempo, transformándose hacia la extinción de las formas, buscando el lenguaje íntimo del color, la magia encerrada en la proporción geométrica, la sutileza del trazo para representar una emoción, sonidos impresos en su última producción, delicados, suaves, que pasan tímidos sobre la superficie de la pieza, dejando su caricia como poso, para ser apreciada por el espectador.
La muestra presentada por la entidad organizadora es abundante, diversa, rica en arte e Historia, lujo para Granada. Adolece de una mayor accesibilidad al gran público, por la situación del edificio donde se alberga, como también por el horario caótico para poder visitarla, mínimo, y difícil de conjugar con el horario de una persona que trabaja. Se convierte en un obstáculo.
Me centro en esta crítica en la colección pictórica presente de J.M. Brazam. Es muy buena, acertada para poder comprender la evolución del artista en el tiempo, su vitalidad, sometido a un pulso creativo que hace posible producciones llenas de fuerza compositiva.
Brazam deambula por el camino de la extinción de los volúmenes, evaporando su barroquismo inicial para convertirlo en colorido intenso, heterogéneo en la superficie, con manchas de color navegantes y puntos figurativos esparcidos como islotes. Sublima en el trayecto de los años la imagen, para convertir sus piezas en expresión de una reflexión zen, en vacío armónico del pensamiento, que penetra en las estancias de la realidad invisible, dimensión vaporosa que esconde las tramoyas de la existencia. Continúa con la liberación de la espesura compositiva, para ofrecer formas sentimentales de plasmación plástica, desenfadadas, intimistas, y poéticas. El pintor descubre la esencia de la Pintura.
Muy buena propuesta, dentro de la exposición contenida, la presente en esta muestra.

sábado, 20 de junio de 2015

COLECTIVO DE GRABADORES EN LA CASA DE LOS TIROS (GRANADA)


SUMA Y SIGUE



Autores varios. Título: Impresiones gigantes. Lugar: Casa de los Tiros. Fecha: Hasta el 28 de junio.

Existen exposiciones colectivas en las que la mano del comisario potencia las calidades propias de cada autor, o genera un entorno narrativo sugerente, rico en contrastes, transcurriendo con un ritmo autónomo. También ocurre que se expone un conjunto como suma y sigue, unidos por una técnica que se quiere resaltar y hacer visible en el panorama artístico. Este es el caso de la exposición comentada, donde un grupo de artistas plásticos se agrupan para mostrar sus diferentes habilidades, y representar una idea mediante el grabado. Se conjugan en la apreciación de cada autor la complejidad del dibujo, la historia relatada, el resultado de la técnica aplicada. Intentan llamar la atención del gran público mediante la sustitución del tórculo por una apisonadora, para obtener sus grabados de gran formato. Es un montaje superador de la individualidad, donde la artesanía es sustituida por la fuerza de la máquina industrial. Participan en esta propuesta Brian Barry, David Tirado Arco, Raúl B. Sorrosal, Esperanza Romero, Javier Seco, Coraggio il Topo, María del Castillo, Pepa Mora y Eligio Otero.
El colectivo de autores demuestran una excelente capacidad en el manejo de las distintas técnicas del grabado, siendo la representación contenida en sus piezas de buena factura artística. Reivindican la importancia de este modo de plasmar la imagen, limpia, precisa, intensa en su expresión visual, que expresa además la destreza del recorrido de la línea acotadora de las figuras. Algunos van más allá, por la historia desarrollada en su obra, hundiendo la mirada en los mitos de la cultura occidental, en las ensoñaciones que cubren los arcanos del subconsciente común. Es un trabajo colectivo el mostrado en esta Sala, siendo el resultado variado, ameno, de buen acabado plástico, y excelente reflejo de la habilidad técnica de sus autores.


















viernes, 19 de junio de 2015

ACUARELAS DE JUAN PEDRO LINARES MONTES



LA PASIÓN DEL PINTOR
Autor: Juan Pedro Linares Montes. Título: Acuarela en retrospectiva. Lugar: Sala de exposiciones del Centro Artístico de Granada. Fecha: Hasta el 19 de junio.

La Pintura es un camino de búsqueda de la plasmación de la realidad, con sus imperfecciones, sugerencias y misterios. El artista ante el cuadro desnudo siente pavor por el vértigo de la empresa iniciada, en un estado de desasosiego por alcanzar la obra final, mas ésta se resiste. Tiene que resignarse en la práctica continua, buscando paletas más extensas en tonalidades, nuevas texturas, técnicas que mejor respondan a sus anhelos de percepción ideal. La repetición, el trabajo silencioso, la prueba de nuevas formas de abordar la imagen, es su única salida. Tarde o temprano aparecerá el sueño conseguido, o quizá nunca. Es una pasión este oficio, que se queda en el proceso como fin más que en el resultado deseado.
Juan Pedro Linares está poseído por la pasión de pintar, quiere reproducir en sus cuadros aquello que ve, mas el camino es largo, y no por ello perece su ilusión en la empresa. Pinta, pinta, depurando cada vez más su estilo, probando todas las suertes de la representación plástica, obteniendo obras de calidad técnica
En esta ocasión muestra un conjunto de acuarelas, en las que relata las anotaciones visuales que ha ido rescatando de sus encuentros con los paisajes, que han espoleando sus ansías de reflejar la realidad en un cuadro. Unas veces agolpa los colores, creando densidades cromáticas que inducen a la espesa atmósfera, de vahos y humos presentes en el entorno, al recogimiento de sus habitantes o vetustez de las edificaciones. Otras piezas son resultado de un recorrido superfluo del pincel, irregular, casi tímido, que deja su rastro en colores diluidos, suaves, evanescentes a veces, deslavazados en el amplio albor de la superficie del cuadro. Reproduce la luz, intensa, cegadora, abrasadora en las horas inclementes de la canícula, que aplasta voluntades, en los silencios del mediodía.
Es capaz este artista de plasmar el lenguaje de los sentidos. El paso fugaz del resplandor en la retina es intuido en muchas de sus acuarelas.
Juan Pedro Linares elabora una producción plástica sincera, nacida de sus ansias de expresar la emoción del instante vivido. El resultado es un producto artístico de sencilla apariencia y buena apreciación pictórica.









































jueves, 18 de junio de 2015

EL ULISES DE T.BUSSE

Autor: Thomas Busse. Título: Fotografía y segmentos. Lugar: Arrabal@Cía. Fecha: Hasta finales de junio.
La fotografía secuestra la imagen del olvido, siendo reflejo de anhelos y recuerdos del pasado. Es también un medio más de representación de sueños y realidades, de creación de historias que repitan de nuevo los mitos intelectuales que subyacen en el pensamiento, compartidos por una comunidad.
Thomas Busse es un experto conocedor de las posibilidades del lenguaje de la imagen, del engaño que encubre, de su capacidad de atrapar la luz en su porción temporal, jugando con las posibilidades que encierra. Organiza un entramado visual ajeno de ataduras racionales, dejando la mente libre en sus derroteros imposibles. Convierte al observador del montaje expuesto en un Stephen Dedalus, caminando absorto por los caminos de la irracionalidad, ora por escenarios oníricos, después por los mitos básicos que sustentan, y guían, las pasiones ocultas del ser humano. Se avanza, se percibe la realidad, para después adentrarse en los pensamientos más peregrinos que haya, y retornar de nuevo al espacio de la obsesión de los genios que anidan en el subconsciente, cuando los deseos devoran el alma, en una mundo caótico, cambiante, pasional, tecnológico, envuelto en brillos de neón, alocado, dinámico, agobiante, que apresa la libertad de la persona, para sucumbirla en los apetitos primigenios. La araña del deseo teje la cárcel del pensamiento. Sexo, carne, mujer objeto, culto al cuerpo, placer, vida y muerte, se agolpan en fotogramas, que forman un collage en la pared, poliédrico y complejo, fuera de toda lógica, que sin embargo es comprendido por el subconsciente primitivo. Al final todo queda en un montaje de diseño industrial, donde la realidad es virtual, no es nada.
La obra de T.Busse es inteligente, de profundo concepto literario, organizada de forma precisa, exacta en su definición, a través de imágenes extraídas de la realidad para convertirlas en productos de la imaginación irracional. Este artista plástico ha buceado en la esencia del fotograma, persiguiendo la sustancia intuida que se esconde tras la luz de lo visible. Su propuesta invita a viajar hacia las sombras de la existencia.