sábado, 25 de junio de 2016

EXPOSICIÓN DEL GRUPO AÑIL

AÑIL SIN FRONTERAS

Añil, el rastro de sus tonos desteñidos que se abren a otras posibilidades de la paleta del artista, conforma el resplandor de las piezas expuestas. Todos los autores participantes en esta exposición, manipulan la expresión plástica para obtener obras de intenso impacto visual, atractivas en su contemplación, induciendo nervio en su desarrollo, palpitación en las texturas, vibración en los colores, que compiten en la densidad del entorno para imponer su fuerza, logrando su conjunción, lucha y expansión cromática. Es variada la idea de cada autor a la hora de abordar su obra, pero todas se suman en la abstracción, en la fuerza del color, en la expresividad viva, que estalla en la superficie del cuadro produciendo múltiples sensaciones, juegos en la mirada, paisajes espesos teñidos de una bruma irreal, ardiente, o fría, misteriosa, que pasa a paraísos fantásticos en otras.
Exhiben su presencia en la Sala cuatro esculturas, tensión metálica en equilibrio perpetuo, estilización de la forma, columpio sin fin, funambulista en peligro permanente, estas son las historias relatadas en las estructuras modeladas, doma de la materia por el genio manipulativo del artista, que refleja en la composición sólida la idea de movimiento presentido.
Participan en esta muestra Kalyana, Luz López, Mercedes Lirola, Fran Torres, Manuel Lecrín, Lil-le y Pedro Morales, todos ellos del colectivo AÑIL, más cuatro invitados, que son José Manuel Peña, Yamal Din, Pedro Jiménez y Carmen Sicre. Es un conjunto de creadores de tremenda categoría plástica, larga historia compositiva y maestría demostrada en su oficio.
La instalación es corta en piezas, significativa del trabajo atesorado por los autores en las composiciones que presentan, y de gran calidad. Podrá visitarse esta exposición, hasta el día 30 de junio, en la Fundación Euroárabe.
 











 









miércoles, 22 de junio de 2016

EL POP DE LOS QUE SOBRAN

FERIA DE VANIDADES

Autores: Blood Brothers Creative.Título: El Pop de los que sobran. Lugar: Sala de exposiciones Rey Chico. Fecha: Hasta el 30 de junio.

Es fresca, entretenida y reflexiva, la original propuesta intelectual ofrecida por Blood Brothers Creative, en la cual participan retratos de luces apagadas, estrellas efímeras surgidas de la nada, morbo instantáneo, recuerdo fugaz, olvido perpetuo. Los personajes plasmados en ellos fueron chispazos del momento, corifeos en un escenario artificioso, establecido para la apariencia, un ambiente festivo hueco, ruido sin consistencia, nada como sustancia. Tras el resplandor de su recuerdo quedan amargas experiencias, juguetes rotos estancados en lo que creyeron ser, puro divertimento de los medios de comunicación, alimento de las masas, leña para arder en el fuego, perdón feria, de vanidades de la gran fiesta posmoderna.
Estos artistas aciertan a presentar un montaje descrito con un lenguaje directo, que salta por encima de conceptos insustanciales, y elucubraciones reflejo de una falta de iniciativa plástica, mostrando las imágenes de aquellos personajes que formaron parte del gran escenario de las dos últimas décadas del siglo XX. Son producciones digitales, uso industrial del color, dibujos patentes, de recio trazo, expresados en las reproducciones gráficas. En el centro de las composiciones están dispuestas, junto a un microondas, latas de tomate, guiño a Andy Warhol y su filosofía de vida, conservas de las esencias de aquella época teñida de rojo, pasión y dolor, éxtasis y soledad. Mientras, el microondas cocina, quema y consume el producto, el público ha sido alimentado.
Muy buena elaboración de la idea desarrollada por Blood Brothers Creative, poderosa exhibición de su habilidad expresiva, que recoge la simbología icónica de un tiempo artístico, para reelaborarlo en un relato interesante. Desparpajo, ingenio y capacidad de comunicación demuestran los autores, transformando la obra de arte en mensaje comercial, de ácido calado crítico.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 


viernes, 17 de junio de 2016

CLARA LORCA EN MILENIUM

LA BELLEZA Y EL AZAR

Autora: Clara Lorca. Lugar: Milenium Gallery. Fecha. Hasta el 1 de septiembre.

Clara Lorca abandona el pincel para entregarse al azar. Se convierte en una alquimista de los colores, buscando que surjan tras diversas mezclas y reacciones, en la espera de la aparición de la pieza prodigiosa, sinfonía de color, verso cromático, evanescencia de radiaciones que atraen la mirada.
Las artista se adentra en la actión paiting, buceando en el subconsciente de la representación, descartando múltiples productos plásticos, rescatando sólo aquellas formas azarosas de belleza improvisada. Clara Lorca se adentra valientemente en esta técnica, dejando que sean los colores quien expresen libremente su voluntad, que hablen y se combinen caprichosamente, situando el intelecto compositivo en un segundo plano, para que sean los duendes de la creación quien compongan las piezas obtenidas como perlas maravillosas. Posee su golem particular para realizar el trabajo plástico que presenta, siendo el resultado producto del buen gusto, inteligencia planificadora y conocimiento de los reactivos, giros, deslizamientos y manipulaciones posteriores de la autora. Produce un conjunto marcado por el signo de la belleza, sujeto al devenir de las leyes naturales, siendo su conclusión descrita como pieza artística. Es una hacedora de composiciones armónicas, coleccionando instantes del flujo del transcurrir en ríos de gamas diversas.
Clara Lorca continua en la línea expositiva iniciada en instalaciones anteriores. En otras investigaba fosforescencias, intentando descifrar el sentido último de la imagen. Su trabajo ha sido siempre dinámico, fresco, expresado con facilidad, y de buen gusto en su representación final. Es algo alambicado, sometido más a la apariencia, siendo la técnica quien posibilita que los materiales hablen libremente, se conjuguen y relaten sus experiencias sensitivas, quedando la artista como posibilitadora de su existencia como propuesta plástica. Es hábil en la ejecución de ésta, consiguiendo obtener obras que gustan por la combinación del color, su ritmo visual y valía comercial.

 
 

 

 

 

 

 

 

 


martes, 14 de junio de 2016

LOS NUEVE ÁNGULOS DE CRISTINA RAMÍREZ BUENO


EXPLORANDO LA SOLEDAD

Autora: Cristina Ramírez Bueno. Título: Geología del Horror. Lugar: Palacio de los Condes de Gabia. Fecha: Hasta el 26 de junio.

La exposición presentada, en Condes de Gabia por Cristina Ramírez Bueno, ofrece un conjunto de ilustraciones en blanco y negro, proponiendo expresar el horror ante la devastación del entorno natural, la perturbación de la actividad humana producida en la Naturaleza, el efecto perjudicial de la cultura industrial, desarrollista, en la que se ha embarcado la sociedad contemporánea.
Rompe la blancura del papel con los trazos surgidos como bocetos, que al estar consolidados son recorridos con tinta china, creando un efecto de imagen en negativo, recuerdo surgido como flash inesperado cargado de angustia, desasosiego, melancolía. Es un dibujo simple, limpio, libre de efectismos barrocos, expresado con sobriedad, y descrito desde una óptica desapasionada, distante, dejando que sea el espectador quien obtenga sus propias conclusiones. Es una instalación organizada para que éste, en el vacío de la Sala, se integre en el horror de la desolación, en la perspectiva de la nada como continuación de la mirada, en las formas negras, rotundas, pesadas, transgresoras, que rompen el esplendor del blanco, la pureza rota por su marca.
Cristina Ramírez Bueno nos describe, bajo el título de “Geología del Horror”, un mundo sin futuro, un aviso del porvenir inmediato, una denuncia del consumismo que adocena a la Humanidad. Estructura su trabajo desde la estética de la participación, dejando que cada visitante comprenda su mensaje. La autora domina bien la expresión gráfica, es efectista, ofreciendo una producción plástica que hunde sus raíces en el arte moderno de mediados del siglo veinte, ofrecido en Granada como emergente. Su mérito está en elaborar una obra de dicción directa, sin excesiva penetración sensitiva, ligada fuertemente a un discurso conceptual, abandonando la narración de la imagen, expuesta más como reflexión compartida que como mensaje de la artista. Busca su despersonalización en la serie mostrada, mas el sello de la autora, su dominio de la comunicación visual y buen hacer, quedan siempre patentes. Cristina Ramírez, que pese a su juventud posee numerosos reconocimientos, desarrolla una obra basada en una sólida preparación técnica y hondo calado intelectual.