lunes, 27 de abril de 2015

ELENA LAURA EXPONE EN CASA DE LOS TIROS (GRANADA)

CANTOS DE LA ALHAMBRA
Autora. Elena Laura. Título: Alhambramientos. Lugar: Casa de los Tiros. Fecha: Hasta el 29 de abril.
La artista escribe poesía usando la grafía del color, el alfabeto contenido en el espectro de tonalidades que encierra la luz. Es un lenguaje rico y exuberante, amplio en registros expresivos, que conecta de forma directa con el núcleo sentimental del espectador, sumándolo al ritmo de la estrofa, en la cascada de sensaciones que origina la palabra cantada, en su recitación encadenada que genera musicalidad en los sonidos conjugados. Los altos y bajos de la palabra recitada, son representados por la gravidez o etereidad de los tonos depositados en la paleta de la pintora, agudos y graves visuales, que sumen al espectador en el recorrido sinuoso de la musicalidad susurrante, encerrada en el texto pintado. Elena Laura escribe con su pincel, recreándose en la hermosura del poema, en la inquietud o gozo que sus insinuaciones genera. Lo consigue gracias a la habilidad en el uso del color, porque vive su esencia, piensa con él, se abandona en su resplandor. Representa visualmente el halo que se percibe, al oír la melodía encadenada de los versos, permitiendo su visualización. La pintora refleja su emoción en el cuadro.
Elena Laura abandona la figuración plena casi por completo, jugando con veladuras, rompiendo el plano, dejando entrever en sus piezas algunas veces la realidad de las figuras, que están en un entorno más rico de lo supuesto en el transcurso cotidiano de las horas. En otras piezas envuelve las figuras en corrientes de color, desarrolladas suavemente, en una gama elegante. La autora plástica ahonda en la reconstrucción de la imagen, expuesta como torbellino vibrante, cuyos roces entre sí libera destellos de esplendor. Descubre la idea oculta de la poesía, la energía depositada en la música que infunde fuerza a los genios hacedores de la materia. Configura una imagen compleja, con un dibujo interrumpido, que se rehace en el punto siguiente, buscando su continuidad, aunque está perdido en el azar de la ensoñación. Granada se recrea y nace en la retina, cuando las olas cromáticas se rompe en su superficie. Surge su alma, testigo, símbolo, protectora, ...la Alhambra. Reúne la obra lírica de poetas que cantan al monumento, para trascribirla en sus cuadros, alumbrando la seducción que esta ciudad suscita al visitante.
La obra de Elena Laura no necesita de adjetivos que describan la calidad que contiene.




 

 

 
 

 

 

 

jueves, 16 de abril de 2015

ESENCIA DEL SUR

Autora: Carmen Laffón. Título: El Paisaje y el lugar. Lugar: Palacio de la Madraza,  Palacio de Carlos V y Fundación Rodríguez Acosta. Fecha: Hasta el 4 de junio.

“ Al final de un cuadro siempre nos encontramos con nuestras raíces. Al final siempre está el Sur” esto decía Carmen Laffón en el reportaje hecho por Fernando Rayón en El Semanal, en el año 1995. Define perfectamente esta artista cual es la esencia de su obra, el relato perpetuo de la producción pictórica de una exitosa y dilatada carrera plástica.
Carmen Laffón se mueve en los intersticios que separa la figuración y abstracción, en ese tenue espacio fronterizo entre ambos, acariciando, o arañando a veces con estridentes ruidos de su roce, la superficie de cada uno de ellos. Es una pintora fronteriza, libre de atarse en los conceptos artísticos, creando un camino propio y original, que es la característica personal de su labor plástica. Ese trayecto no es lineal, sino como he insinuado antes sinuoso y acompasado, sujeto a la fuerza del paisaje o escena reflejada, la rotundidad de las formas, el halo presente en el ambiente.  La pintora no diferencia ambas técnicas de representación, sino que las integra y expresa en piezas que quieren acoger la realidad pensada, en todo su contexto: materia, energía y alma. Esa es la cualidad de la producción pictórica de Carmen Laffón, la expresión completa de la imagen, expuesta como evocación real de un instante vivido, disfrutado y sentido. En toda su obra se impregna del duende del entorno, descrito suavemente, en formas evanescentes unas veces, palpable en una atmósfera luminosa otras, mostrada esta última con las imperfecciones que la visión detecta.  Esta pintora, sea en pastel, óleo o carboncillo, crea obras palpitantes, con un pulso firme que oscila entre la expresión del color, densidad oscura o claridad, y el detalle, desarrollado en líneas de proyección tranquila y ganas de salirse de la continuidad del trazo. No deposita colores densos, ni rompedores del susurro con el que decora su producción, sino formas cromáticas de observación serena, veteadas por la luz, pues ésta parece, como se dice en muchos trabajos y escritos sobre la autora,  estar introducida en el interior de la pieza. El Sur es el espíritu que se mece en la superficie de sus cuadros y láminas, en la composiciones que simulan desbordamiento de la superficie pintada. Incluso sale del plano para consolidar la imagen, incorporándola en la dimensión temporal, configurada como escultura que recoge la idea que define su creación.  

Carmen Laffón posee una trayectoria perfectamente definida, no desviándose de su razón pictórica, centrada en el paisaje, en los aspectos más sencillos de éste, en la luz gozosa y amable que le da vida. 




















 



sábado, 11 de abril de 2015

CUANDO EL HÉROE  USÓ LA MAQUINA

Autores varios Título: La vida es una vuelta. Lugar: Arrabal&Cía. Fecha: Hasta el 17 de abril.

La España negra es representada en la propuesta artística realizada por un grupo de creadores plásticos, utilizando la técnica de la infografía, laser y habilidad en el dibujo, Surge de la idea y composiciones de Alejandro Gorafe, dibujada con laser por Bárbara Pflanz, a través de las fotografías de Alfonso Alcalá, ejecutado el dibujo por el japonés Toru Nagasawa, y logrado gracias al apoyo y facilitación de Thomas Busse y Susana Manjock. Es una producción creada por un impulso colectivo, que en otra ocasión hubiera quedado en un guiño artístico destinado a una puesta en escena desafiante, objeto de la mirada de los medios de comunicación, o una inventiva más en el campo de la composición plástica. No es así, sino que trasciende la forma vacía de contenido para expresarse en una obra atractiva, profunda, de lectura densa pese a la sencillez de la figuración en las piezas producidas. Sobre un fondo oscuro aparecen las siluetas de bailadoras flamencas, gatos y ratones, en un universo negro, hundido en la infinidad del espacio temporal, reflejo de la monotonía de los momentos sin fin, de los arcanos que surgen de la eternidad para aparecer entre los resquicios de nuestras formas de ser. Lo eterno está presente, los genios de nuestra cultura navegan en la inmensidad de la nada inabarcable de la intemporalidad.  Las líneas de las piezas son nerviosas, amplias en su trazo, discontinuas, realizada a ráfagas, chispeantes en su desarrollo, impactantes en su expresión, logrando generar la sensación de movimiento, fuerza cinética condensada en el cuadro, sobre un mar de misterio que encierra las tragedias y gozos de nuestra historia. Son siluetas fantasmagóricas, que recuerdan la naturaleza  de nuestro transcurrir en el devenir de los siglos. Drama y pasión se conjugan en la danza perenne presente en las obras; miserias fraticidas y hermosura del arte tradicional, el signo del carácter popular se representa en exiguas líneas de composición precisa.
La técnica es vencida, pese a su protagonismo, por la magia de la idea, cuando el ingenio del héroe-artista vence a la fría realidad del titán, haciendo que lo extraordinario supere las posibilidades de la maquina, dominando su uso para someterla a su mandato.
Excelente realización de este grupo de autores, cuya propuesta artística supera la representación estética, para adentrase en un relato profuso, complejo, lleno de voces que quieren ser oídas.










DIÁLOGOS DEL AZUL

Autor: Juan Antonio Díaz. Título: Variaciones sobre papel para Michael Jacobs. Lugar: Espacio expositivo La Granja. Fecha: Hasta el 21 de abril.

El color, su intensidad, la profundidad espesa o etérea de sus capas, reducen la imagen física  a esencia en la mirada. Nos trasmite la impronta de la energía captada, la fuerza del recuerdo, el sabor de los sentimientos evocados, la emoción ante la belleza que suscita, por la fuerza de su intensidad, o el baile de la variedad de sus tonalidades. Todo ello ejerce el efecto de fluidez, juego de reflejos, movimiento acompasado que invita a sumirse en su vaivén, para deambular por las finas venas cromáticas, que se entrelazan, repelen y juegan azarosas en un conjunto pensado armónico. A veces se estructuran los diversos trazos del color, o sitúan las manchas, de forma ordenada, rítmica, buscando descubrir la vibración que late en el interior de la luz, vestida de los tonos de su amplio espectro.
Juan Antonio Díaz aborda el azul en esta ocasión, descomponiendo sus haces, organizándolos, interpretando los reflejos caprichosos de su apariencia, invocando la sensación extraordinaria del cosmos azulado, que puede ser el mar, cielo o la visión de un sentimiento, profunda reflexión de apacible paz. Se navega abandonado en la belleza, en los mares ignotos del pensamiento. El pintor se atreve a indagar aún más en las posibilidades de la luz azulada, jugando con sus claridades, condensaciones y orden, cuya conjugación produce  el chispazo que provoca la intuición de lo extraordinario tras su faz, en su faz, ante su presencia. Es juego, investigación y expresión de las posibilidades del color, en este caso del azul, propuesto no como pesada presencia, apasionada, sino como temblor radiante, energía inquieta que deambula por la pieza entera. Recuerda lo que el observador quiera ver, siempre  introducido en el mundo de la ensoñación.
El trabajo plástico de Juan Antonio Díaz posee solidez compositiva, inteligencia en su diseño, y dominio cromático. Rememora la visión del británico Michael Jacobs del espíritu de la tierra andaluza, su arrebatamiento ante el deleite que ésta le produjo, atándolo a su regazo.

En esta serie que presenta,  papel pintado con acrílico, muestra un conjunto de obras de gran calidad artística.














jueves, 9 de abril de 2015

SOBRE GALERÍAS PRIVADAS

Autores varios. Título WORLD ART. Lugar: Galería Rincón del Arte. Fecha: Hasta el 22 de abril.

Las galerías privadas en Granada van decreciendo, siendo merecedores de ser destacados  aquellos galeristas que resisten los embates de la crisis. Para ello ofrecen calidad, buenos pintores, y obras atractivas al gran público. Es difícil conjugar todo ello, pero lo consiguen.
Rafael Dueñas mantiene en su Galería una línea artística de buen gusto pictórico, excelente técnica y calidad contrastada. Propone en esta ocasión un grupo de veintiún autores de gran valía plástica, unos de contrastado nombre en la Pintura, otros son nuevos talentos que avalan con las piezas mostradas su futuro  con los pinceles. Todos están unidos por el estudio de la imagen, su extracción de la realidad, unas veces casi mágica, por lo perfecto que trasplantan la imagen real en el lienzo, otras por la habilidad en la representación del entorno sensitivo en la composición. Todos abordan la figura, la aproximación a las cualidades que representa, la impronta de su fuerza, el ánima que sustenta las cualidades adivinadas en ella. Sobra decir que poseen dominio en el dibujo, acierto en el color, habilidad en su incorporación equilibrada en el cuadro, un lenguaje rápido y desenvuelto, e inteligencia en la dicción plástica. Constituyen un conjunto de gran nivel pictórico, dirigido a un público que gusta de la pintura de sabor clásico, de una escenificación lírica, emocional y armoniosa de la realidad, que no por ello se queda en una blandengue producción artística, sino que recomponen la técnica con otra forma de abordar la imagen, jugando dentro de unas mismas reglas. Ahí está lo difícil, decir más cuando se considera que todo está conseguido.
Me ha gustado Manuel Higueras, por sus piezas de realidad profunda, consiguiendo atrapar la luz en su plenitud, el contorno delicado de las formas, la fuerza de los objetos y lugares. Mas peca de perfección, pues la realidad posee irregularidades que el autor no considera. No por esto se resta mérito al pintor, pues  atesora oficio para suponer que obtendrá trabajos de alta categoría plástica.
Igualmente destaco a Josefa Medina, por el nervio del detalle, la idea compositiva de su  trabajo, el juego que realiza con los destellos reflejados de la luz,  posee inteligencia compositiva. Javier Martín Aranda contiene una producción de elevado grado sensitivo, que aúna abstracción e impresionismo, para generar piezas de gran impacto visual, pues sabe comunicar un lenguaje interno en éstas, adivinando en su observación el murmullo del agua, en su caída y discurrir.

Esta galería ofrece un grupo de piezas de gran calado artístico.









MISTERIOS DE LUZ NOCTURNA

Autor: Luis Romero. Título: Sin título. Lugar: Milenium gallery. Fecha: Hasta el 16 de abril.

Es difícil hablar del trabajo plástico de Luis Romero, por la perfección y acabado de sus cuadros, como por la rica comunicación que establece con el observador. Posee este pintor una obra bien definida, centrada en la figuración de sensaciones fantásticas, recreando espacios silenciosos, estáticos, cuando las horas están adormiladas, de lento transcurrir, escapando de la faz de la imagen destellos fugaces, rápidos, de leve duración, apagándose en el mar del contexto pintado. La luna deambula en sus cielos, testigo melancólica  del fluir de la noche, descansando sobre un vecindario de casas de luz recogida, signo de la vida que existe en el cuadro. Éstos poseen vitalidad, adivinada por la luz de las moradas, acogedora, cálida, íntima, celosa de la existencia de sus habitantes.  Luis Romero recrea un universo tranquilo, presa del sueño, cuando los instantes descansa del frenesí de la luz. Sus colores son vivos, de fuerte huella en el lienzo, cerrados en una gama concentrada de intensidad cromática, que potencia el efecto nocturno. Rompe las formas de la figuración exacta, transportándola a la pintura ensoñada,  donde el autor deposita su representación fantástica de la realidad, construyendo un lugar en el que resalta el silencio de la noche, el estado de reposo, la paz del hogar... o los misterios que se suponen en cada una de las estancias iluminadas. Otras obras son ajenas a la noche, flotando en un resplandor mágico, extraídas de la memoria. Sin figuras humanas genera un relato de vidas anónimas, que el espectador va suponiendo, construyendo historias sobre personajes que habitan en los edificios presentes en sus piezas. Las historias se enriquecen en cada mirada, se desarrollan o cambia hacia otros derroteros. Luis Romero introduce un pulso vital en sus composiciones, generando un trabajo atractivo, que seduce la imaginación. Su producción posee solidez artística, perfecto proceso de plasmación de la idea que estructura la composición, calidad y habilidad en la expresión plástica.



lunes, 6 de abril de 2015

EXPOSICIÓN EN RUIZ LINARES

COMO UNA BURBUJA    

utores: Álvaro Albaladejo, Pablo Capitán, Cristina Ramírez y Santiago Torres López. Comisariada por Javier Sánchez Martínez. Título: Teoría de Conjuntos. Lugar: Galería de Arte Ruiz Linares. Fecha: Hasta el 10 de abril.

Es difícil comprender el trasfondo de esta original propuesta plástica, por la complejidad del concepto que la contiene como por la variedad y diferencia de las obras expuestas, que van más allá de la formalidad comercial, para situarse como discurso estético, donde se reflexiona sobre la naturaleza de la interacción entre espacios envolventes propios, que cada pieza posee y necesita. Quiere ser una incrustación de diferentes ideas de concebir el arte en un cosmos aparentemente insoluble, que las engloba como una burbuja de aire fresco en el océano del mar del recuerdo. En un entorno de antigüedades de gran valor artístico, se sitúan las composiciones de Álvaro Albaladejo, Pablo Capitán, Cristina Ramírez y Santiago Torres López. Aunadas todas por un montaje atrevido, no por la novedad de su puesta en escena, sino por el medio físico en el que se expresan, y una sutil ligazón intelectual que las integran en un conjunto común. A pesar del artificio conceptual sobre el que se asienta la conjunción de las piezas expuestas, es inevitable adentrarse en otras conclusiones aparentemente azarosas, surgiendo éstas del subconsciente, subyugado bajo la influencia del medio en el que se expresa. La imagen nace del interior de la creación, no por el devenir de la fortuna, sino gracias al ingenio del montaje y a la valía de los jóvenes autores que participan en él. La organización de la obra en esta galería supera el propósito inicial de los artistas, estableciendo una idea autónoma en la comprensión del conjunto mostrado. Las piezas se sublevan a la historia asignada por sus creadores, configurando un espacio definido independiente, que se escapa de ellos y define las sensaciones que se aprehenden en su observación. Vida y muerte dialogan en una Sala extraída del ritmo temporal, ajena a los cambios. Las imágenes instaladas en ella, cuadros y composiciones tridimensionales, rompen la monotonía presente, sacudiendo el polvo depositado por el tiempo, para insuflarle nuevamente una sacudida nerviosa vital.
Los artistas demuestran calidad y soltura en su dicción plástica, fresca y dinámica.






























viernes, 3 de abril de 2015

JUAN PEDRO LINARES EN ARTEXPONTANEO

LA SENDA DEL PINTOR

Autor Juan Pedro Linares Montes. Título: Urbanitas. Lugar: Art. Gallery Artexpontáneo. Fecha: Hasta el 9 de abril.

Juan Pedro Linares expone en su galería, mostrando su capacidad técnica y evolución hacia una destreza plástica cada vez más depurada.  Este autor va obteniendo reconocimientos en los distintos certámenes convocados en los últimos años, consiguiendo el tercer puesto en el reciente VI Concurso de Pintura Ramón Portillo. Se adentra cada vez más en el campo de significativa calidad, ganando en complejidad sus composiciones, ahondando en la expresión del color, que habla por sí mismo, potenciando la idea del entorno introducida por el pintor. La obra expuesta en esta exposición es dispar, por el peso en la factura del acabado, que va depurándose hacia formas más estructuradas, siempre sometida al influjo de la pintura rápida. La impronta del impresionismo es intuida en la imagen, siendo vencida por la pericia del pintor, que va logrando alejarse de escenas intrascendentes, al incorporar nervio, comunicación, leguaje propio y ritmo en el interior de sus cuadros. Sobran en esta exposición, por su inferior calidad, aquellos de la comarca del Condado, también los correspondientes a series anteriores, que introducen turbidez en la claridad de su capacidad plástica.
Juan Pedro Linares indaga por la senda de la perfección del oficio de pintor, mostrando una última propuesta interesante, jugando con la sensación visual, algo intuitiva. En ciudades evocadas descansa su mirada, para ofrecernos un universo dinámico, reflejo de la sociedad moderna, donde la individualidad se disuelve en manchas anónimas, que se mueven en laberínticos recovecos de moles evanescentes. Sustenta el teatro de la visión escenificada, en cada pieza, el rastro del color, que asigna propiedad y sensación al producto pintado. El color define el ambiente, sirve de puente para posibilitar la entrada del espectador en el universo contenido en el cuadro.
Juan Pedro Linares prosigue en su camino hacia cotas artísticas cada vez mayores, conformando un trabajo comercial y de correcta elaboración.  


( Fotografías cedidas por Juan Pedo Linares Montes)













jueves, 2 de abril de 2015

PABLO VALENZUELA EXPONE

AIRE FRESCO PARA EL FUTURO

Autor: Pablo Valenzuela Martínez. Título: Maleficum. Lugar: Sala de exposiciones de Servicio Centrales de Caja Rural de Granada.

Una gran sorpresa ha sido conocer a este joven pintor, cuya edad no corresponde a su seriedad artística, a la determinación que guía su trabajo plástico. Tiene claro los objetivos que quiere alcanzar, así como la definición y sustrato de la obra que enseña. No como otros que se pierden en concepciones vagas  sobre la razón que explica su obra. Pablo Valenzuela nos muestra una serie desbordante de piezas vibrantes, de pequeño formato, cuyo cromatismo posee una tensión interna que desprende efluvios que inundan la Sala, estando los colores no por ello en estado de torbellino desbordante o éxtasis explosivo, sino en contención sólida, cuyo peso rompe el ritmo temporal para inundar la mirada con los haces de tonalidades evanescentes, transgresoras de la trascendencia que esclaviza los momentos pensados.
Las composiciones colgadas juegan en una confrontación entre la figuración mantenida por un dibujo preciso, exacto, mágica extracción de la imagen real, con un fondo etéreo, delicuescente a veces, sumido en un cromatismo delicado, sutil, envolvente, y cargado de significado en la comprensión de la pieza observada. Es una abstracción cubierta de un soplo de símbolos,  que inducen al espectador a comprender el mensaje del autor. Pablo Valenzuela describe una realidad alternativa, que subyace bajo la alfombra del bienestar, en un mundo consumista que se olvida de los desterrados. La miseria, no exenta de esperanza, vive en el subsuelo de la mirada feliz, siendo mostrada en la propuesta de Pablo como una especie de exorcismo. Este pintor domina agilmente el lenguaje del color, como si de una declamación de solfeo fuera, vibrante y chispeante, proponiendo una valiente configuración plástica, sencilla en apariencia pero compleja en su expresión. Demuestra soltura en el trazo, seguridad en el campo del color, y habilidad en el uso del vocabulario cromático, declamando diversas estrofas plásticas para confluir en el tema central de la obra, arriba descrito.
Pablo Valenzuela demuestra un desparpajo valiente, libre de ataduras académicas, es un autodidacta, de tormentosa valentía juvenil, que promete composiciones de gran calado en futuras, y exitosas, realizaciones pictóricas.