lunes, 29 de enero de 2018

OBRA DE MATUG ABORAWI

LA OSCURIDAD QUIERE DOMINAR LA LUZ
 
Autor: Matug Aborawi. Título: Fuera de texto. Cuadernos para la paz, de Libia a Granada. Lugar: Fundación Euroárabe de Granada. Fecha: Hasta el 31 de enero.
 
Es una obra desgarrada, impresa con furia, rabia y desazón. El artista libio Matug Aborawi relata el dolor de su pueblo, y de todos aquellos que utilizan las costas de su país para llegar al sueño prometido.
Este pintor utiliza la grafía del color para expresar un relato de intenso dramatismo visual, trasmitiendo toda la angustia y tensión que anega su pensamiento. Manchas extensas de colores grávidos ocupan sus lienzos, ordenadas como franjas, en las que siluetas borrosas desarrollan una acción dinámica. Los trazos amplios van grabando sobre otros tonos la escena de pesado impacto en la mirada. Ahí está el mérito de Matug Aborawi, en el lenguaje plástico desenvuelto, directo, de flujo rápido hacia la desembocadura de la conclusión de la imagen central planificada, centro del relato, en torno a la cual gira la historia que da alma a cada cuadro.
Matug Aborawi denuncia el olvido y abandono de la situación de su tierra, el sufrimiento de sus habitantes. Las piezas expuestas condensan pasión intensa, en un cromatismo grávido, que gana efecto en la discontinuidad de colores claros, produciendo una sensación de ruptura del conjunto, desorganización, fricción y choque. Se rompe la armonía en pedazos de tonalidades espesas y apagadas, la oscuridad quiere dominar la luz, pero ésta se resiste, aún hay esperanza.
El trabajo plástico de Matug Aborawi posee fuerza, una dicción fácil, energía plasmada, ingenio y habilidad plástica.








 

domingo, 28 de enero de 2018

EXCELENTE GEMA DOMENE

LÍRICA DEL SILENCIO

Autora: Gema Domene. Lugar: Centro Artístico, Literario y Científico de Granada. Fecha: Hasta el 30 de enero.
El tiempo está contenido todo en el espacio descrito. En las estancias pintadas la acción es recreada sin fin, ausentes los habitantes, esfumados en su contingencia. Pero queda su impregnación, el rastro de su paso, el ocaso de sus momentos. Fluye el tiempo, pero la huella del transeúnte, morador del lugar, se expresa sin cesar.
La pintora recrea estancias vacías, donde representa el ambiente con sus plasmaciones danzantes, dialogando pasado, presente y futuro, sometidas a la fungibilidad de los días. Gema Domene es una joven artista que sorprende por la madurez de su reflexión plástica, la cual propone con rotundidad, en piezas de formato diverso, sobresaliendo aquellas de gran dimensión. Recrea soledades en estancias olvidadas, o invisibles a la rutina de la mirada, componiendo una evocación melancólica sobre la lírica del silencio, reflexionando sobre la futilidad de la existencia, la inutilidad de la ambición, Al final todo será vacío.
Los cuadros expuestos están sometidos a campos de color, que organizan la escena por la intensidad de sus tonos. El trazo recorre seguro la superficie del lienzo, reflejando los contornos vislumbrados de las formas que configuran la imagen. Ésta se confunde en el plano, pues no es la protagonista, sino soporte del concepto transmitido. Gema Domene, pese a su corta trayectoria artística, atesora una gran capacidad de dicción visual, desarrollada en clave poética, que transcurre con solidez en un tono elegante. La tradición figurativa, el uso del color en su abstracción sensitiva y el juego organizado con la imagen, configuran una obra de gran originalidad. No se esconde en planteamientos teóricos, sino que valientemente concluye su idea en piezas de excelente calidad, signo de un futuro prometedor en la Pintura.











 

sábado, 20 de enero de 2018

BLACKSAD DE JUANJO GUARNIDO

EL GATO VESTIDO
 
Autor: Juanjo Guarnido. Título: Blacksad. Algún lugar entre las sombras. Lugar:  Centro de Historias de Zaragoza. Fecha: Hasta el 11 de febrero.
 
El cómic se ha convertido, por la calidad que han adquirido los trabajos publicados, en una novedosa expresión plástica, que hunde sus raíces en la transformación intelectual que se le aplicó en los sesenta. Es una forma popular de abordar la representación visual, ágil, cercano al público de lectura fácil, envuelto en fantasía. Sus imágenes son las auténticas portadoras de la historia, crean el clímax de la acción, relatan el entorno, describe la psicología de los personajes, centrando el texto en los elementos que definen el tiempo, la conclusión de cada escena. Pertenece a la iconografía pop, arte directo, sin contemplaciones y elucubraciones artificiosas del artista, que conjuga la literatura y la imagen. El dibujo es el soporte del relato, le da fuerza y carácter.
Juanjo Guarnido es un granadino, de Salobreña, cuya habilidad con la viñeta hace posible transformarla en arte. Posee ingenio al contar la historia en el dibujo, surgido de sus trazos recios, que al ser finalizada la imagen aparece como silueta pulida, de sensación sólida, enmarcado el gesto en su movimiento congelado a punto de ser roto. Crea la sensación del momento gracias al cromatismo de sus figuras. Color intenso, de gamas industriales, combinado en un juego de contrapesos, cuando los tonos son grávidos, y en un vaporoso fluir cuando los sutiles toman asiento en el conjunto. Todo ello conforma un intenso juego de colores, de ligero transcurrir. Comprime el color cuando quiere someter la escena a una tensión agobiante, o lo esparce si quiere relajar el entramado descrito. Todo esto hace que su trabajo posea un gran atractivo visual, solo por presentar de forma armónica las gamas usadas. Su personaje, gato persona, es original, está dotado de vida propia, de humanidad, sabiendo además proyectar un guion denso en sugerencias.
Este autor posee elegancia en el trazo, calidad en el cromatismo aplicado, consiguiendo elevar una simple viñeta a pieza artística.





 

domingo, 14 de enero de 2018

EXPOSICIÓN EN LA SALA ZAIDA

EL REY DESNUDO
 
Autores: Manuel Castillero Ramírez y José Luis Muñoz Luque, José María Serrano Carriel y Noé Serrano. Título: El rey desnudo. Lugar: Sala Zaida. Fundación Caja Rural Granada. Fecha: Hasta al 13 de enero.
Es una propuesta fresca, acertada y de buen nivel técnico. Cuatro autores se unen bajo el nombre de El rey desnudo, para, de forma similar al cuento El traje del emperador, relatar la inconsistencia de un tipo de representación plástica que se presenta como novedosa, emergente, actual e icono de la creación más avanzada. Nos dicen que este tipo de creación es inconsistente, está vacía, no presenta nada, solamente conceptos, teorías estéticas sin resolver en forma tangible, donde prevalece más el texto explicativo que la expresión artística. Y yo añado, es una forma de representación escénica, es otra cosa, que quiere ser un producto plástico pero se queda en mero escaparatismo, donde el autor se disuelve en la colectividad, perdiendo el arte su función mágica.
Los cuatros artistas están unidos por la figuración, sea dibujada o moldeada. La fantasía es la imagen que trasladan a cada una de las piezas, realizando una instalación llena de belleza, sorpresa, magia y excelente dominio técnico.
Manuel Castillero Ramírez, José Luis Muñoz Luque, y los escultores José María Serrano Carriel y Noé Serrano son los miembros de este grupo.
José Luis Muñoz muestra un dibujo limpio, exacto, que rompe el blanco del lienzo con precisión matemática, adentrando al observador en un mundo anguloso, cortante por sus rectas y vértices, misterioso en sus círculos y arcos, sometido todo a la razón matemática. En un entorno deshumanizado, en el que la luz todo lo invade, pues quiere ver lo que ocurre en cada rincón. El hombre en su soledad aparece en cada una de sus obras.
José María Serrano Carriel y Noé Serrano, nos ofrecen unas esculturas altamente elaboradas, en las que reflejan seres surgidos del trasmundo, del espacio extraordinario, donde se rompe la lógica y sucede lo inaudito. La imaginación sienta su fuerza en cada una de sus composiciones, configurando entes imposibles, terrores, quimeras, fuerzas de la mente mítica del colectivo humano.
Manuel Castillero Ramírez posee un estilo de intensa raíz clásica que organiza en modo actual, llevándolo a una estética de profunda reflexión intelectual. En ella establece un diálogo entre lo humano y la técnica, la belleza y el diseño, la decoración y el elemento útil. Resuelve muy bien esta confrontación, sin elementos innecesarios, y de esta experiencia obtiene imágenes de gran atractivo visual.
Los cuatro autores poseen calidad, impulso y una larga trayectoria profesional prometedora de éxitos, en el dinámico espacio pictórico.






















 

miércoles, 10 de enero de 2018

RECORDANDO A FEDERICO CASTELLÓN

 
EL MUNDO DE F.CASTELLÓN
 
Autor: Federico Castellón (Alhabia, Almería,1914 - Nueva York,1971), conocido también como Fred Castellon en EE.UU. Lugar: Galería Acanto. Almería. Fecha: Hasta el 21 de enero.
 
El sexo y el tiempo están unidos en la obra de Federico Castellón, reflejados en piezas de intenso desasosiego, mirada ácida y expresadas como evocación onírica. El autor se introduce de esta forma en el laberinto del subconsciente, lugar desde donde se ejercita el control de los impulsos que modelan la voluntad.
Este artista, original de Almería, realizó toda su producción artística en Nueva York. Desde un incipiente realismo se introdujo de lleno en el surrealismo, en el que recorrió todos sus vericuetos, explorando sus rincones oscuros, los espacios mágicos, los campos luminosos, las tinieblas de los recuerdos, el dolor de las pasiones. Amplió su capacidad creativa a otros estilos, predominando el simbolismo, sin olvidar el fuerte sustrato surrealista en su producción plástica, logrando configurar un estilo personal, fuertemente marcado por el gusto estilístico que desarrolló las vanguardias del siglo veinte. La figuración nunca fue abandonada por el pintor, trabajándola en todas sus deformaciones, extrayendo la esencia que da forma intelectual a los seres y cosas representados.
Federico Castellón ejecutó una obra soberbia, de expresión punzante, descarnada, impregnada de sus fobias y desafíos, mostrando su repulsa a una sociedad con la que no compartía sus gustos, pero paradójicamente disfrutaba de sus encantos. Ese enfrentamiento cognitivo se plasmó en todas sus composiciones, primando el sexo como libertad, autoafirmación, crítica, representación de la misión placentera de la existencia, mostrando además, agobiado por el futuro guardado por las Parcas, miedo al tiempo. Origen y fin están unidos en su producción artística, expuestos con sarcasmo, denuncia, y ariete rompedor de la moral imperante.
En otras piezas es seducido por la cultura oriental, su aceptación del devenir, el ritmo pausado de su presente circular.
Sea en óleos, grabados o papel, construyó un universo propio, donde el trazo es profundo, amplio, autoafirmándose, a veces con furia, el artista en sus convicciones. Cuando opta por el color lo hace con profusión de cromatismo grávido, en otras piezas describe ambientes grises, relatos del averno, en el que los seres se estilizan , o se comprimen, en una danza infinita, transcribiendo el escenario donde actúan.
Federico Castellón posee una obra de fuerte expresión visual, recia, cuya temática puede gustar o no, pero sin embargo le confiere unas señas de calidad, y maestría, que lo sitúan entre las grades figuras de la Pintura española del siglo pasado.
 
 




viernes, 5 de enero de 2018

ACUARELAS DE ÁLVARO CASTAGNET EN LA GALERÍA TRINO TORTOSA DE ALMERÍA



TRANSCURRE LA VIDA


Autor: Álvaro Castagnet. Lugar: Galería Trino Tortosa. Almería. Fecha: Hasta finales de enero.

Plasma el pintor el ambiente, en toda su voluptuosidad, cuando triunfa el esplendor de las horas felices. Así es la obra de Álvaro Castagnet, artista uruguayo de reconocido prestigio internacional, el cual muestra el dominio técnico alcanzado en sus acuarelas. En éstas trasciende el manejo del agua en el color, creando piezas de gran materialidad cromática, en la difusión de las tonalidades, que en medio de su halo se concentran en manchas que recuperan la imagen, atravesando un campo luminoso.
Recrea espacios urbanos, amplias avenidas, gente anónima, movimiento, tránsito permanente, así como lugares de encuentro, confidencias, diálogo, acogimiento. En los primeros describe un mundo cambiante, organizado, diáfano, destacando el deslumbramiento constante que ejerce la gran urbe en los visitantes. Mas la rutina imprime su presencia, en cada una de las calles. En los salones refleja el calor del contacto, el tiempo inmutable, donde fluye un aire de pereza y oposición al cambio. Con ambas temáticas expresa el artista la tensión introducida en toda su obra, en el enfrentamiento entre la tecnología y la persona. Es una tensión suave, susurrante, cuyo conflicto no supera la puesta en escena, pues ambas partes se amoldan y habitúan entre sí.
Poseen sus cuadros dinamismo vital plasmado en cada una de sus manchas, logrando así generar un relato inquieto de color en la retina, que se deshace tras su contemplación para generar una estampa sosegada en el recuerdo.
Controla la disposición de los tonos cromáticos, su mezcla, la oposición entre densidades y contrastes, jugando con sus efectos para conseguir describir la imagen pensada, que aparece como primera visión vacilante en la mirada.
Las piezas expuestas en esta galería nos muestran una excelente calidad plástica.









EXPOSICIÓN DE GALÁN URRÉJOLA EN CÁDIZ


RUTINA, FUERZA Y BELLEZA

Autor: Ricardo Galán Urréjola. Título: Sobre la naturaleza, el mar y la ciudad. Lugar: Galería Benot. Cádiz. Fecha: Hasta el 10 de enero.

Es una obra de cromatismo intenso, abigarrado, que se rompe al rozar los distintos tonos entre sí, momento en el cual se escapa la sustancia que da cuerpo al color impreso en la pieza. Ricardo Galán Urréjola sigue apostando por una línea de pinceladas barrocas, espesas, para recrear el murmullo sensitivo, que la rememoración de la imagen plasmada suscita en el recuerdo. El trabajo mostrado en esta ocasión centra la mirada en tres factores que dirigen la vida actual: el orden de la ciudad, la fuerza rompedora de la Naturaleza y la espontaneidad de la creación.
En la primera refleja el devenir de la urbe, sometido a la rutina grisácea, y azulados fríos, que rigen las horas. El orden que se quiere imponer en la sociedad es roto continuamente por el tránsito constante, más siempre quedan perennes las construcciones que dirigen toda la actividad, acotan el horizonte. Son piezas de poderoso dinamismo visual, descritas por manchas que quieren plasmar la rotundidad de las formas.
En los paisajes marinos se quiebra el color, surgen rayos de esperanzas, en el combate azaroso entre la fuerza del mar y la huella del hombre. Transmite tensión, energía, en un halo romántico que envuelve toda la composición. Es una ebullición de tonalidades que quieren surgir y se agotan en su intento, dejando abierta, en el azul verdoso y dorado, las posibilidades de percibir todas las posibilidades de la luz.
En sus lienzos donde representan el mundo vegetal en el fulgor de su existencia, el pintor desarrolla una sensibilidad exquisita, sobre fondos crema, rosáceos, violetas, brillos verdosos y colores ocres. No se definen completamente sobre el fondo puesto por el artista, que da unión al conjunto y transmite elegancia y serenidad en la contemplación.
Ricardo Galán Urréjola comunica la lucha por la existencia, en todos sus tiempos sensitivos. Propone una obra de calidad y apreciable peso estético.