martes, 30 de mayo de 2017

ENCICLOLALIA DE ALEGRÍA Y PIÑERO


ECOS OCULTOS

Autores: Alegría y Piñero. Título:Enciclolalia. Arqueología del habla. Lugar: Hospital Real. Fecha: Hasta el 30 de mayo.

Es una obra seria, con buen fundamento conceptual, que se supera así misma, pues crea en su contemplación nuevas interrogantes. La inteligencia introducida en su configuración, así como la frescura y limpieza de adherencias barrocas al ser expuesta, dan fuerza e intensidad al resultado final de la producción propuesta. Alegría y Piñero son dos jóvenes creadores plásticos que investigan las posibilidades de la materia en la representación de la idea, buscando la transferencia de su efecto a otras posibilidades de expresión artística. Las obras concluidas, escultóricas, artefactos de acción útil, desarrollan el planteamiento teórico de los dos autores, desembocando en una puesta en escena que incluye al observador, transformando la presencia estática en actividad dinámica que induce a un estado reflexivo. Incorporan en la construcción plástica los elementos que el medio ofrece, organizándolos para su modulación, convirtiendo la acción de las piezas expuestas en un repertorio de múltiple participación sensitiva. La luz y las sombras, que se combinan en las formas elaboradas, se aúnan con el sonido, jugando el efecto del subconsciente en cada uno de los espectadores, que se suma con el propuesto por los artistas, para lograr generar un estado de evasión del entorno real.
Alegría y Piñero consiguen descubrir los sonidos ocultos en el medio real, gracias a la modelación de la materia sometida al pensamiento intencionado, consiguiendo extraer del ambiente sonidos, palabras, gemidos, rumor latente de lo material. No sé si ambos autores poseen una idea clara sobre el resultado final de su obra, pues si inicialmente surge como una exploración sobre las posibilidades de la materia en su interacción con la luz y el medio que la rodea, emergen otros aspectos que trascienden el planteamiento primero, dotando de sentido mágico la finalidad de su trabajo. ¿Reproducen sonidos con las piezas elaboradas? ¿ extraen sonidos del aire? ¿éstos son creados o desvelados? ¿contactan con los genios del entorno? Cada cual podrá deducir lo que quiera, pero los dos artistas consiguen superar la mera fachada estética para introducir una visión extraordinaria de lo que esconde la realidad comprendida, retornando al origen del Arte.
































lunes, 29 de mayo de 2017

PAUL MCCARTHY EXPONE EN BARCELONA


SÓRDIDO Y VITAL


Autor: Paul McCarthy. Título: WS & CSSC, Drawing and Paintings. Lugar: Fundación Gaspar (Barcelona) Fecha: Hasta el 16 de julio.

La obra de Paul McCarthy (1945, Salt Lake City, EEUU) configura un universo peculiar, ligero y evanescente en apariencia pero de turbulento paso en su contemplación. Aparece como una figuración suave, por el color usado, algo frío, pero el brío de su elaboración rompe este espejismo inicial, para desarrollar el entramado sórdido encerrado en cada una de sus composiciones. Surgen sus personajes como espectros danzantes, cuasi informes, descritos someramente con un trazo grueso, basto, rompedor del silencio cromático, sobre fondos cubiertos por brochazos amplios, producto del ataque del pincel sobre el lienzo.
Paul McCarthy va depositando una amalgama de símbolos, diversidad de texturas, en un espacio múltiple, descritos como chispazos visuales, sean toscos dibujos de color, collages o el garabato rotundo que destruye el equilibrio de la escena, generando dinamismo interno, e intenso, en el corazón de la pieza. Sexo profundo se desarrolla en sus cuadros, con gestos ambiguos, relaciones buscadas, en la soledad de la existencia, propuestos desde una mirada inocente, que enturbia su candor según va transcurriendo por toda la superficie de la imagen relatada. Concluye el artista en el reflejo de los detalles que resumen la existencia de la sociedad norteamericana actual: sexo, soledad, violencia y resignación, presente en un mundo gris y vital. Es una visión descarnada de la realidad, descrita con habilidad, e ímpetu, por el genio rebelde de Paul McCarthy.






domingo, 28 de mayo de 2017

COHEN, GRANADA Y SU VALS


COHEN SALIÓ DE LA GALERÍA

Vals cadencioso, largo, susurrante, dolorido, apasionado, íntimo, palabras que explotan en su comprensión, poesía cantada. El recuerdo de Cohen queda patente a través de esta melodía, sobre la cual cabalgan los juegos de palabra lorquianos. Cohen y Lorca, Cohen y Granada, Cohen y poesía, ritmo sedoso, oscuro, resguardado de la galería de escarcha, lugar doloroso donde se desarrolla la existencia. Pero Cohen no está triste, es poesía pura, cantada y penetrante, seductora forma de incorporar, en el desenlace del plano ondulado de los sentidos, la pasión, el pulso de las horas añorantes, en la penumbra, cuando se suspira por la persona amada. Leonard Cohen se ha ido, pero nos deja su vals, su amistad con Morente, su conexión con Federico. Sigue su palabra flotando a través de sus canciones, todas conectadas por el tronco común de una voz seca, recia, que se abre para ser escuchada como brisa suave, tranquila, sólo dispuesta para ser degustada con lentitud, parsimonia, estrofa de vibración etérea, musicalidad portada en la letra, reforzada por la tonalidad del poeta cantante, Cohen en estado puro, lírica musical de profundo sabor lorquiano. Apacible transcurrir de la palabra, expresión rítmica, que trasciende el anclaje de los momentos, para liberar el pensamiento hacia espacios de encuentros luminosos, en estancias acogedoras, solitarias, pasadas por la nostalgia. Cohen y poesía, sugerente y eterno. Sus canciones son como cuadros de tonos oscuros, veteados de claridades cuan chispazos que rompen la monotonía de la escena. Manchas cromáticas equilibradas que crean una composición melancólica, tremendamente llena de vida pasional.

jueves, 25 de mayo de 2017

MARYSOL EXPONE EN GRANADA


¿Y SI LA LUZ SE ROMPE?

Autora: Marysol. Título: Color, luz, espacio. Lugar: Sala exposiciones La Empírica. Fecha: Hasta el 26 de mayo.

La línea sienta su impronta en la superficie, marcando las dimensiones del espacio. Geometría y color se conjugan en la propuesta de Marysol, artista madrileña de larga trayectoria expositiva. En su obra las rectas, ángulos y color, organizan un universo peculiar, pues introduce en la superficie marcada por la razón el sentido del azar, quien juega en el bosque de figuras geométricas de trazado huidizo de la perfección total, para inducir caos, movimiento, confusión, cambio y profundidad. Sea lienzo, tabla o muro, expresa esta pintora la fuerza del trazo ordenado, de ángulos amenazantes, atenuada su rigidez por la combinación de círculos, semicurvas, trayectorias sinuosas, produciendo un efecto de cambio estacionario, rumor perpetuo del roce entre vértices, líneas y suaves ascensos y caídas por la cabalgadura del sendero ondulante. En muchas composiciones se repiten las singularidades de la estructura matriz, como un mantra visual, potenciando el ruido sentido, el futuro inminente que nunca llega, el orden en la confusión, el descenso prolongado en el tiempo, el pulso de la vida.
Marysol combina el color en sus producciones, creando un mapa sensitivo de relieves tonales, tensión cromática, de la cual se escapan destellos luminosos que generan el resplandor de la danza de figuras geométricas, rectas y colores, proyectando la entrada hacia el trasfondo del cuadro, lugar ajeno a la realidad reproducida.
Esta autora compone piezas de estricto significado clásico, entroncada en las vanguardias de la abstracción del siglo XX, proponiendo imágenes que actúan como párrafos descritos con un lenguaje visual. La racionalidad de nuestra cultura, el murmullo constante, la soledad presente, y la transformación perenne, relatan muy bien el panorama de la crisis permanente, evolución hacia el vacío, artificiosidad del mundo moderno.
Es un conjunto de pulcra elaboración, equilibrado, dotado de la gracia del artista que domina el oficio, sin elementos innecesarios, que explica muy bien el estado cristalino donde la luz se rompe. Es una interesante instalación la ofrecida en esta galería.







SANTIAGO CALATRAVA EN NUEVA YORK


LA FIRMA DEL ARTISTA


Autor: Santiago Calatrava. Título: Trabajos recientes. Lugar: Marlborough de Midtown (New York). Fecha: Hasta el 17 de junio.

La forma expresada en su dimensión sólida es trabajada por Santiago Calatrava, arquitecto y escultor, moldeando con su maestría la posibilidades reales que albergan las configuraciones visibles que permite su plasticidad. Es la idea quien prevalece en la figura final, siendo la materia elemento posibilitador sobre la que se sustenta el pensamiento inicial, la imagen etérea, la fantasía, el genio que vibra, y se esconde, en la sustancia tangible. Santiago Calatrava convierte la masa amorfa, bronce, aluminio, madera, hierro, y en su caso cemento, cristal y acero, en expresión aérea, producto del triunfo de la inteligencia sobre las restricciones del medio real. Presenta en esta ocasión una serie de piezas de gran plasticidad aérea, que se esfuman en el vacío, como el eco del diapasón, cuando aparece poderoso y rompiente para diluirse en la nada del silencio. Sus piezas son garabatos visuales descritos en materiales grávidos, que deshacen su esencia en la sublimación hacia el trasfondo de lo tangible. El artista sustenta su expresión plástica sobre la fuerza de la tierra, maderas de roble, tiempo sufrido, condensado, amamantado por el suelo y el sol. De la raíz hacia el cielo, evaporándose en la intrascendencia, así puede definirse esta propuesta de Santiago Calatrava. Su obra nace del concepto escultórico de las primeras vanguardias del siglo XX, moldeándola el autor como piezas singulares de su personalidad creativa, en las cuales se resumen la firma que se esconde en cada una de sus elaboraciones sólidas. Es un conjunto elegante, con nervio y fuerza, rúbrica del artista. Excelente exposición.












lunes, 22 de mayo de 2017

CRISTINA DUCLOS EXPONE EN ANSORENA


UNA TRANQUILA REFLEXIÓN

Autora: Cristina Duclos. Galería Ansorena. (Madrid) Hasta el 9 de junio.

Es una pintora con una larga trayectoria artística, fiel a la idea original que sustenta su estilo propio. En su obra predomina el sentido de narración plástica, a través de colores rotundos, que dan pálpito a la figura plasmada. Es una producción centrada en lo sencillo, en la mirada intrascendente, que la pintora eleva a protagonista en la contemplación, trascendiendo el significado dado en el entorno cotidiano, para ser considerado como elemento simbólico que describe la trama que dirige su propuesta, Cristina Duclos desarrolla un conjunto de composiciones expresadas con un lenguaje icónico, en el que relata la fuerza de la vida, la energía cromática que fluye en el paisaje, siendo el mundo vegetal núcleo principal de su discurso. Insectos y plantas, en su mutabilidad perenne, representan la fuerza que impulsa la existencia, acompañados por el rastro del tiempo visualizado en las ramas secas, siendo el recorrido tortuoso de cada una de ellas el recuerdo del tránsito doloroso de la existencia. Usa colores condensados en sí mismos, vibrantes, envolventes de la figura que plasma en el lienzo. Pero esta creadora extiende su actividad plástica más allá de las dos dimensiones del cuadro, abordando la escultura, en materiales de consistencia grávida, atrapando la esencia de las formas, su pulso, vitalidad, el significado que subyace tras la imagen mostrada.
Cristina Duclos elabora un trabajo que se introduce en la importancia de lo sencillo, libre de artificios de la civilización, Naturaleza en estado puro, relatando la vida que transcurre a su antojo. Recuerdan las obras expuestas composiciones orientales, en las que se extraen del medio imágenes humildes, desechadas como intrascendentes en la contemplación rutinaria, sobre fondos monocromos, de tonalidades suaves, delicadas y agradables, lo cual resalta el motivo de la pieza. Es un ejercicio de concentración en lo simple, de tediosa labor con el pincel, de paciencia que conduce hacia el encuentro con la realidad trascendente. Recuerda un ejercicio zen, de esfuerzo constante, parsimonioso, que desemboca en la armonía reflejada en cada pieza. Cristina Duclos prosigue en su aventura de tranquila reflexión, inmersa en un continuo disfrute de la Pintura.


sábado, 20 de mayo de 2017

SUGERENCIAS CROMÁTICAS


EL LENGUAJE DE LOS SENTIDOS

Autora: Amalia Ortega. Título: Sugerencias cromáticas. Lugar: Sala de exposiciones Arrabal&Cía. Fecha: Hasta el 26 de mayo.
Amalia Ortega propone un trabajo plástico de excelente factura artística, logrado gracias a la organización del color en cada una de sus piezas. Este engarce de tonalidades diversas posee equilibrio, sutilidad, llanura visual de manchas encajadas, consiguiendo una combinación cromática chispeante, de fácil comprensión sensitiva. La pintora relata un mundo íntimo, en los espacios amplios del subconsciente. Es un territorio de los sueños, donde el pensamiento navega en el mar proceloso de colores apacibles, que esconde la frialdad de las zonas ignotas del trasmundo de los sentidos. La pintora describe el estado sensitivo, las impresiones, mediante un relato que nos habla de momentos de candor, recogimiento, calidez, o transición de emociones contrapuestas, cuando está sumida en la concentración de su yo. En otras piezas busca la fuga hacia la elevación, al encuentro de una etereidad feliz, creando en su contemplación una sensación visual placentera, vibrando la mirada, cuando alcanza el esplendor presentido. Mas todo el conjunto relata el viaje sensitivo, organizado en un lenguaje de construcción plástica barroca. Amalia Ortega crea una simbología cromática de extenso significado, gracias a la cual consigue narrar ideas de difícil comunicación con las palabras. Con su alfabeto de colores construye un texto de imágenes amorfas, donde las formas son traspasadas para ser presentadas como esencia de impresiones. La instalación configurada, por esta autora, es un viaje hacia el territorio que subyace bajo el significado de lo tangible.
Hace años visité una exposición suya en Atarfe, comprobando su evolución actual hacia la destrucción de las formas, siendo olvidadas, quedándose sólo con la sustancia que le da presencia anímica, ampliando su repertorio, pues incluye las reales como aquellas imaginarias que anidan en el rincón de la fantasía.
Amalia Ortega presenta una exposición de alta calidad plástica, y elegante diseño, mediante una abstracción depurada, libre de gestos innecesarios.












domingo, 14 de mayo de 2017

PRdA EXPONE EN LA BIBLIOTECA DE ANDALUCÍA


LOS OJOS DEL GENIO
Autora: Paloma Ruiz de Almodóvar Rivas. Título: Genios y musas. Lugar: Biblioteca de Andalucía. Fecha_ Hasta el 11 de mayo.
El rostro inunda la superficie toda en la obra última de Paloma Ruiz de Almodóvar. Esta pintora describe en cada pieza los sucesos de la vida impresos por el fuego del tiempo. El genio, los avatares, pasiones, son transcritos en las caras de los personajes reflejados en su obra. La autora centra su acción plástica en los rasgos faciales, amplios, extensos, agobiantes a veces en su contemplación, hundiendo la mirada en los surcos, labios, accidentes que recorren la frente, el mentón, … describiendo la fuerza de la vida, el impacto en su entorno, concluyendo el recorrido visual en los ojos, foco luminoso del protagonista retratado. En ellos está el fundamento de su obra, la biografía del artista, la personalidad pública, la vida oculta de la persona. Paloma Ruiz de Almodóvar representa en sus cuadros el ánima del personaje en ellos reflejados, componiendo el conjunto un relato sobre la fuerza de la creación artística, mediante un lenguaje icónico que describe la imagen de la faz plasmada, y lo que su realidad esconde. Esta creadora plástica elabora una propuesta de honda solidez clásica, envuelta en claridades, rica en energía existencial, que se automodula en colores de poderosa impronta de sabor pop, concluidas con un trazado dinámico, originando una producción con señas de identidad artística personal, que rompe la mera transcripción figurativa, poseyendo un destello propio, pálpito que le da autosuficiencia singular a cada obra, misterio y mil relatos sugeridos en su visualización, la cual desarrolla un diálogo común con las composiciones compañeras en la exposición.
Paloma Ruiz de Almodóvar es hábil en el trazo, ligera en su recorrido, alegre en el color e ingeniosa en el tema elegido, demostrando, en cada instalación que protagoniza, la madurez que va adquiriendo en el proceloso transcurrir de la elaboración artística.




































jueves, 11 de mayo de 2017

SUZANNE BALKANYI. GRABADOS


LA VIDA SENCILLA

Autora: Suzanne Balkanyi. Título: Grabados de Francia e Italia. Lugar: Anticuarios Ruiz Linares. Fecha: Hasta mediados de mayo.
Ofrece esta galería una obra de excelente diseño artístico, fresca, de dinámica visualización y contenido narrado amplio. Es una colección de grabados y dibujos de Suzanne Balkanyi. Esta autora nació en Hungría y falleció en París en 2005. Llegó a esa ciudad en 1947, buscando la libertad. En París comenzó de forma inmediata a crear con profusión, destacando inmediatamente por sus grabados, la técnica mostrada y la vitalidad reflejada. Desarrolla una mirada divertida, unas veces nostálgica de la ciudad del Sena en sus tiempos bohemios, cuando la gente se hablaba y era amable, en otras composiciones presenta un crítica expresada con sutil sensibilidad, donde aparecen las pequeñas miserias humanas, el egoísmo, la indiferencia, la masificación, la muchedumbre en continuo movimiento. Se presiente en estas obras ruido, caos, prisas, desvalimiento. En algunas estampas se recrea la vida bucólica del medio rural, relatando su pacífica existencia, el tiempo casi detenido que acompaña la vida ordenada de sus habitantes. Los temas marinos son recurrentes en sus producciones, sean imágenes de la costa italiana, delicadas, placenteras, ensoñadas, o las de la costa azul, agobiante de bañistas domingueros o recreada en la poética que su paisaje sugiere. Priman más las composiciones urbanas. En todas introduce una historia, un guión inagotable, pues cada mirada nueva presenta un desenlace distinto, un detalle o personaje pasado por alto la vez anterior. Sus piezas son escenas vivas, que discurren dentro del grabado ajenas a la realidad.
Suzanne Balkanyi realiza un trabajo de atractiva contemplación, rico en historias, elaborado con un trazo limpio, nervioso, profundo, corto y escueto, trasladando su dominio del dibujo al garabato diminuto que sublima la esencia de la imagen. Juega con colores escasos, tenues, elegantes, difusos, colocados estratégicamente en la obra, como un guiño sentimental ante el espectador.
Como siempre, muy buena exposición la ofrecida en esta Sala.


domingo, 7 de mayo de 2017

EXPOSICIÓN DE MARÍA TERESA MARTÍN VIVALDI. MAYO 2017


EL JARDÍN DE MARÍA TERESA

Autora: María Teresa Martín Vivaldi. Título: De frondas y de aguas. Lugar: Galería Ceferino Navarro. Fecha: Hasta el 24 de mayo.
El espacio de fulgor cromático continua siendo explorado por María Teresa Martín Vivaldi. El color en su ebriedad desbordante, el triunfo coral de los tonos contenidos en su paleta, transcribe el canto a la vida, expresado en una pintura impresionista que rompe la imagen hasta los límites de la abstracción. La pintura reproduce el esplendor de los jardines, del universo florido, soporte del festival cromático que traduce el nervio de la creación, describiendo superficies accidentadas, agrietadas de cárcavas, campos arrasados por el ímpetu del color. Azules y rojos rasgan el plano, en caótico recorrido, manteniendo las alturas los verdes y amarillos, acompañados de tenues rastros de marrones y violáceos, que crean sombras simuladoras de profundidades abruptas en las grietas de color. He querido trasmitir la visualización del conjunto expuesto, en su esencia plástica, siendo cada una de las piezas una variación sobre el mismo tema, imprescindibles todas en su presencia, pues cada una constituye un destello del resplandor original que inunda la mirada, en el instante recogido de la soledad del jardín.
Prosigue M.T. Martín Vivaldi en la decostrucción de la imagen, indagando sobre la sustancia de la materia, que se esfuma en los sentidos cuando es contemplada como color, cuando la luz se rompe al contactar con ella, expandiéndose desnuda de su albor, mostrando las gamas tonales encerrada en sus entrañas.
M.T. Martín Vivaldi continua en su estilo de los últimos años, el cual va adaptándose a los pasajes encerrados en los pliegues de la realidad luminosa.