viernes, 12 de octubre de 2018

ANTONIO MONTALVO EN CONDES DE GABIA

EN UN MUNDO FENECIDO

Autor: Antonio Montalvo. Título: Bajo un sol de ceniza. Lugar: Sala Alta, Palació de los Condes de Gabia (Granada) Fecha: Hasta el 20 de enero de 2019.

La pintura como la poesía sirven al artista para expresar sus inquietudes, ajenas al devenir común de la existencia cotidiana. Antonio Montalvo usa un estilo peculiar de creación pictórica para desarrollar un espacio onírico, en el cual se adentra en las brumas de miedos y senderos hacia la luz de la verdad que sostiene la realidad. Es un indagación metafísica, en la que reflexiona sobre la vacua ambición deshecha en la nada, en la insustancialidad de la aparente hermosura, en el sentido de lo absurdo. Busca una consciencia distinta, descifrando las imágenes de la fantasía. Este universo explorado vela la plenitud de la luz, que aparece sujeta por las sombras, signo de la duda sobre su validez tangible. En el trayecto intuitivo por los paisajes de sueños y alucinaciones, el autor va reflejando, en cada una de sus piezas, los sucesos que rompen la racionalidad del relato, constituyendo el conjunto una serie de imágenes que ilustran las estancias imposibles, proponiéndolas como accidente paradójico que invita a la reflexión, ruptura de la lógica y visita a las salas donde reina la fantasía, en su forma descarnada, aislada, silenciosa, ensimismada en sí misma, apresada en sus circunstancias, alejada de la plenitud solar, del aire fresco y acción vital. Se encuentra con una atmósfera cargada, donde los seres allí presentes están obligados a representar continuamente la misma escena, no hay escapatoria para ellos.
Antonio Montalvo estructura su propuesta en una producción de intenso sabor clásico, en su confección como en el puesta en escena, introduciendo la marca del tiempo, en las superficies desvaídas de brillo y colores vivos. Consigue modular el ritmo que trascurre por el conjunto de las piezas expuestas, creando un espacio contagiado del ambiente existente en el interior del cuadro. Hay escenas inquietantes, que por sí solas generan una historia presentida, en otros casos generan miedos, si no pensamientos sobre la inutilidad de la ilusión que aguarda las horas. Logra el pintor construir un trabajo plástico original, de poderoso contenido intelectual, sustentado en la historia clásica de la pintura, reelaborando el sentido de los bodegones, retratos, composiciones artísticas, todas sin apenas soplo de ánima. Reconstruye el concepto de la plástica con materiales ya usados por otros, alcanzando a construir piezas de gran interés, pues posee inteligencia para ello, dominio del oficio y capacidad creativa.




























sábado, 6 de octubre de 2018

CARMELO TRENADO EN CÁDIZ

LA IMPRONTA DE LA ESENCIA


Autor: Carmelo Trenado. Título: Momentos. Lugar: Galería Benot, Cadíz. Fecha: Hasta el 20 de octubre.

Carmelo Trenado se somete al dictado de la intuición en su obra última. Retiene la esencia del instante, el aroma cromático que se graba en la memoria. El pintor transcribe estas improntas visuales en cada una de sus composiciones, desarrollando un relato sobre la percepción fugaz, el edificio en ruina que es el recuerdo, pues poco a poco va deteriorando la imagen, desvaneciendo sus rasgos originales, los perfiles y limpieza de lados y vértices, para concluir en una mole informe, restos que posee algún eco de su pasado, siendo difícil suponer el estado original que poseía.
Las piezas que presenta Carmelo Trenado contienen un colorido que causa una sensación distante, no invita a la pasión, surgiendo como aparición fría, envuelta en una atmósfera húmeda, algo enigmática, propuestas como una adivinanza al espectador, para que complete la escena con su imaginación, lleve la imagen del cuadro hacia la realidad que construye y supone, organizando su propia historia. Las creaciones plásticas de Carmelo Trenado ofrecen lugares de tonalidades apagadas, pesadas, oscuras, donde se presiente el misterio, lo desconocido, la inquietud que aguarda, significando las vías de escape introducidas por el autor para incorporar la magia que rodea todos los momentos de la existencia, el capricho del destino en sus decisiones azarosas, lo ilógico en una realidad que quiere se racional.
Los momentos expuestos por el pintor son situaciones relatadas a través de la pintura, donde éste experimenta las sensaciones vividas con las luces de los reflejos de la escena evocada. Su obra es compartida por el observador, percibiendo un trabajo que trasmite liviandad, frescura, vaporosidad, paso veloz por la mirada, el cual ha dejado un rastro tenue en la memoria, y sin embargo, al proyectarse en las piezas, están impregnadas del destello sensitivo del autor, comprendido por quien lo observa, pues porta lugares comunes del recuerdo colectivo.








miércoles, 3 de octubre de 2018

EXPONE ALEJANDRO GORAFE EN ARRABAL Y CÍA

LA FE DE SANTO TOMÁS


Autor: Alejandro Gorafe. Comisaria exposición: Concha Hermano. Título: ESPEJISMOS nada es lo que parece. Lugar: Galería Arrabal y Cía. Fecha: Hasta el 5 de octubre.

Sorprende nuevamente Alejandro Gorafe en su última exposición, pues supera planteamientos de otras propuestas anteriores, abordando de forma valiente las entrañas de la imagen. Este autor granadino ha estudiado la percepción suscitada por la visión comprendida en las composiciones con materiales dotados de voz propia. Logró construir obras donde triunfa la tensión que genera un espacio pulsante, duro, frío y aséptico, o dio vida a máquinas imposibles, cuya misión no era servir a la industria como un titán más, sino que se desarrollaban a sí mismas en sus singularidades. Todas estas propuestas poseían una estructuración espacial, escenificación y planteamientos teóricos que sorprendían por su frescura e inteligencia, creando perplejidades en la mirada, presentando la huella del nervio del artista en cada uno de sus detalles. Hubo otras exposiciones en las que Alejandro Gorafe jugaba con la imagen, y la interpretación que la lógica desarrollaba para salvar el pozo irracional.
En esta última exposición, el creador plástico rompe los límites de lo visible, caminando por los senderos ocultos que los planos vacíos, entre los instantes percibidos, guardan en los detalles no sentidos. Organiza un reto lúdico, en el que la razón interviene a través de la percepción sensorial de la vista. Seduce la mirada para encantarla y mostrarle fantasías, pues cree real aquello que su imaginación fabrica. Alejandro Gorafe se centra en el error de la percepción basada en la suposición y experiencia, en lo común establecido y creído por todos, haciendo ejercicios de prestidigitación, con los cuales demuestra que hay que acceder a la naturaleza tangible para conocer la esencia de la realidad. Hay que ver, palpar, dudar e intuir fuera de la corrección lógica establecida, y así de este modo comprender la verdadera faz de la existencia.
Este montaje plástico posee una puesta en escena precisa y equilibrada, que conecta fácilmente con el público.







lunes, 1 de octubre de 2018

DÍAS DE OTOÑO EN RONDA


DÍAS DE OTOÑO
Señor: es hora. Largo fue el verano.
Pon tu sombra en los relojes solares,
y suelta los vientos por las llanuras.
-
Haz que sazonen los últimos frutos;
concédeles dos días más del sur,
úrgeles a su madurez y mete
en el vino espeso el postrer dulzor.

No hará casa el que ahora no la tiene,
el que ahora está solo lo estará siempre,
velará, leerá, escribirá largas cartas,
y deambulará por las avenidas,
inquieto como el rodar de las hojas.


R.M. Rilke


El otoño, aunque parece en estos días cálidos que no ha entrado, ha sentado su presencia, tomando fuerza según avanza el calendario. La luz irá perdiendo fulgor, espesura, palideciendo el brillo exultante que inundó la retina, y su abrazo será menos agobiante, aclarando sus pliegues, organizando un festival de tonos de peso suave, que según trascurran los días irá desvaneciendo, hasta extinguirse en su ocaso. La luz se hará tenue, pero entre medias creará espacios acogedores, plenitud ligera, de colorido intenso, donde surgen de los umbrales de la oscuridad signos de fantasía, mas las sombras van imponiendo su dominio.

El Sur de España aparece como lugar de tranquila resistencia, guardando la luz, la alegría, las mañanas tibias, los atardeceres sumidos en una explosión vital luminosa, rompiendo la claridad su monotonía cromática para deshacerse en sus tonos ocres y rojizos, apareciendo sin transición la noche, misteriosa, enmudecidos los grillos, roto el silencio por el chirriar de las lechuzas, y cada vez más el frío, alterando las tormentas su paz, anunciando los meses del estado invernal.

Buen refugio es el Sur para vivir el otoño, disfrutar de sus destellos, del fulgor que consume el final del día, la templanza de la mañana, la modorra del mediodía, el dulzor de sus caldos, la nostalgia de su paisaje bajo un cielo azul profundo, o la levedad de sus tormentas.

Esto es lo que vio Rainer Maria Rilke en sus estancia en Ronda, cuando en el final del otoño de 1912 le escribió a una amiga “Ronda tiene mucho que ofrecerme, /.../ es el lugar justo para quedarme una temporada”



En esta ciudad existen lugares aún auténticos, y más aun sus paisajes. Es una muy buena opción pasar unos días de otoño en Ronda. Hay muchos establecimientos hoteleros, y casas rurales donde alojarse, les aconsejo uno en el cual podrá disfrutarse el sabor del otoño apacible.




Hotel La Fuente de la Higuera







sábado, 29 de septiembre de 2018

JUAN ANTONIO DÍAZ EN SANTA FE

DIÁLOGO CON EL AZUL

Autor: Juan Antonio Díaz. Título: “Siempre igual, siempre diferente" Lugar: Centro Damián Bayón. Instituto de América de Santa Fe. Fecha: Hasta el 14 de octubre.

El azul se expresa en todas sus posibilidades en la obra de Juan Antonio Díaz. Organiza este pintor un trabajo de múltiple comprensión, según sea la perspectiva que se quiera considerar.
En el catálogo propone el artista la imagen del mar, como paisaje cambiante y también eterno, pues siempre está ahí, aunque su presencia es distinta cada vez que se mira. El mar como frontera, también como nexo de comunicación, lugar de tragedias, y otras veces fuente vida. El mar siempre está presente, es inmenso, sugiere misterios y aventuras, abre la imaginación y anonada ante su grandiosidad al contemplarlo. La literalidad de su visualización, la sustancia intelectual que impulsa todas estas ideas, es la primera aproximación que se desprende al estar ante cada una de sus piezas, mas guarda otras interpretaciones, estéticas y sensitivas.
Juan Antonio Díaz explora los tonos azulados, la naturaleza del azul, diseccionando sus vibraciones, reflejándolo en sus composiciones en amalgamas de heterogénea densidad, en formación aparentemente caótica, pero sujeta a un vaivén permanente, eterno, sometido al eco del tiempo. El azul se descompone apara aclararse a veces, dejando escapar destellos de luz, reflejo de Sol disperso en la superficie que se descompone en multitud de chispas brillantes, instantáneas, fugaces, juguetonas. Cuando se condensa abre su faz a sus entrañas frías, cerradas y enigmáticas, mostrando su bravura y peligros.
Pero el autor se introduce aún más en el sentido de su producción plástica, pues descifra el significado oculto del azul, el influjo que ejerce en la persona impregnada de su presencia, frío, profundidad, libertad e infinitud, sueños y fantasía, es un lenguaje amplio, imposible de expresar con el alfabeto.
Es una pintura de impronta abstracta, pero en realidad lo que hace este pintor es extraer fragmentos de la realidad para elevarlos a escenas que abren la imaginación, para entablar un diálogo sensitivo con el espectador.





jueves, 27 de septiembre de 2018

SOLEDAD SEVILLA EXPONE EN MARLBOROUGT

 
FUGAZ RECUERDO LUMINOSO
 
Autora: Soledad Sevilla. Título: Luces de invierno. Lugar: Galería Marlborougt, Madrid. Fecha: Hasta el 13 de octubre.
 
La pintora crea desde una postura estática, saliéndose del ritmo temporal que recorre su propuesta plástica, luces de invierno, con las que describe un estado de emoción, de espera, descubrimiento y relato de la insustancialidad de lo intangible.
Soledad Sevilla evoluciona en su obra desde la frialdad de los ángulos y rectas, en su producción inicial, hacia la exuberancia cromática, donde el color inunda la superficie del cuadro, en una marejada suave, de claroscuros y gravidez comedida en el tono.
Genera en sus piezas la sensación de luz que penetra, que escapa de la rejilla para envolver todo el conjunto, haciendo invisible la opresora presencia que le impone límites, para construir la idea de una imagen, fugacidad que se siente, siendo la escena devenir dinámico, instantes que se pierden en el final de la caída de lo últimos granos de arena, que alberga el reloj. Mientras, la autora expresa desde una visión atemporal el signo pasajero de la luz, reflexionando sobre la etereidad de ilusiones, ambiciones y quimeras cotidianas, todo es paso parece decirnos.
Su actitud no es de abandono ante la contingencia que anuncia el destino, sino de resistencia, pues salva la esencia de la imagen, no la representación real resumida en un brochazo o sentimiento grabado con su paleta, sino un reflejo de su pensamiento ante el recuerdo de un paisaje, que proyecta en el cuadro, siendo la luz el mensajero que imprime esa sensación.
Soledad Sevilla se sumerge en un universo de honda metafísica, íntima visualización descrita en una composición de luces tímidas, escurridizas, que abren sus tonos, se ocultan en las sombras, evaporándose cuando el espectador descubre el trasfondo del trabajo expuesto.
El conjunto mostrado posee un sello elegante, que trascurre en clave poética, sin aditamentos innecesarios, pues la maestría de esta creadora se ciñe al detalle exacto, portando una reflexión sobre la levedad de la existencia.







miércoles, 19 de septiembre de 2018

EXPONE EN ANSORENA JOAQUÍN UREÑA

ESTÁBAMOS HABLANDO DE TI

Autor: Joaquín Ureña. Lugar: Galería Ansorena, Madrid. Fecha: Hasta el 13 de octubre.


Fluye la soledad en las estancias, bajo un pálido son aséptico, equilibrado, tranquilo. Así es la última obra de Joaquín Ureña. Este pintor desarrolla un trabajo de gran pulcritud visual, sometido a un entramado de colores de intensa tonalidad, que contrastan con la levedad desvaída de otras gamas, que se diluyen evanescentes para centrar la mirada en los elementos esenciales del cuadro. Trasmite el artista un aroma de íntima rutina, describiendo los accidentes espaciales que rodean sus momentos privados, su vida, sus circunstancias, el silencioso proceso de labor continua. Nos muestra un mundo desde el universo interior que envuelve sus horas, propuesto como un paisaje apacible, lugar para ensoñar, que transcurre en la madrugada, cuando la razón decae para liberar la fantasía, la mirada feliz, recreándola en las imágenes donde el cromatismo contienen la melodía que alimenta los sentimientos.
Joaquín Ureña ahonda en las posibilidades de las acuarelas, extrayendo el lenguaje del color, susurrando las impresiones mágicas del instante. Expresa esa idea sobre un complejo montaje plástico, de técnica pictórica conseguida, buen gusto en las tonalidades seleccionadas, encuadres originales, y alguna que otra acuarela que sorprende por el juego de reflejos introducidos en la pieza, ofreciendo varios espacios en uno, reduciendo toda la idea que encierra su obra en una sola composición.
Abre la geometría al azaroso juego de la influencia cromática, que arropa su perfección para llevarla a un plano secundario, ofreciendo escenas de claro sabor pop, basado en la tradición figurativa del los últimas décadas. Sus acuarelas son un relato poético donde triunfan los sueños, que escapan de una realidad gris, anodina y ciega. Joaquín Ureña busca la belleza en la cotidianidad de la existencia.










 




lunes, 10 de septiembre de 2018

EXPOSICIÓN DE PABLO FORURIA EN LA GALERÍA BENEDITO

CAPRICHO DE LAS CIRCUNSTANCIAS


Autor: Pablo Foruria. Lugar: Galería Benedito, Málaga. Fecha: Hasta el 27 de septiembre.

Pablo Foruria expone una obra de color condensando, expuesto en pleno dinamismo, inquieto, pulsante, variado. Su obra es de técnica amplia, abordando diversos soportes, como tipos de pigmentos de origen natural.
Este pintor granadino posee una amplia trayectoria artística, pese a su juventud, iniciada en París, lugar donde se trasladó para completar sus estudios de Bellas Artes.
Aborda la abstracción clásica, el mundo de las pasiones imposible de comunicar con las palabras precisas, siendo posible conseguirlo mediante la expresión plástica. El contraste entre tonos oscuros y claridades genera una pulsión interna en cada uno de sus cuadros, creando zonas de opresión, transmitida por la gravidez del color, y lugares de escape por la levedad de las gamas usadas. Introduce la impresión de cambio, variación captada en el instante azaroso, capricho de las circunstancias. Incorpora, en el conjunto cromático de cada pieza, rastro de colores portadores de un significado explícito, que adjetiva el relato impreso, sensación pintada que comprende el espectador, compartiendo el momento con el autor. Verdes, azules, rojizos, algún marrón, desvaídos y mezclados, componen un conjunto envolvente, cuya conclusión es una propuesta equilibrada, pero de signo inquietante.
Pablo Foruria trabaja la abstracción clásica de mediados del siglo XX, muy común en España todavía en los ochenta. Persiste en ese estilo, dándole nuevas voces pictóricas, giros y gestos, estirando sus posibilidades de representación, mas abusa de la acumulación abigarrada, pudiendo optar por la concisión del trazo, el sutil impulso presentido del movimiento, lo cual no desmerece una obra realizada con soltura, fuerza, sentimiento y elegancia, que muestra la habilidad técnica e ingenio de este creador plástico.