martes, 31 de octubre de 2017

JANE KLEINSCHMIT EXPONE EN GRANADA


                                                                LUZ DEL SUR

Autora: Jane Kleinschmit. Título: Impresiones andaluzas. Lugar: Hotel Ladrón de Agua. Fecha: Hasta el 30 de octubre.
Es una obra de cromatismo bravío, exuberancia profusa que resuena en el cuadro. Espesor de color, alegría plasmada en cada pieza, donde la pintora recrea las impresiones que el paisaje andaluz suscita en su contemplación.
Es un trabajo que no se sale de la tradición expresiva, sometida al desenfreno de la pasión descrita en una gama de colores impetuosos, festival de tonos que cantan el triunfo desbordado de la Naturaleza.
Jane Kleinschmit pinta arrebatada por el compás del color, que se libera de las formas para deambular por el espacio circundante, fluyendo, vibrando, danzando, entonando el himno dionisíaco de la ebriedad, ante la inundación de los tonos poderosos contenidos en la paleta.
La artista narra su experiencia visual, la emoción del esplendor de la luz en su festival de plenitud. Transcribe el alma de esta tierra en la entrada estival, en diferentes escenas que van mostrando el murmullo del color, disolviendo las formas, que quedan encubiertas por su resplandor.
Propone también, esta autora, marinas y bodegones. En las primeras recrea imágenes que no dicen más de lo común, salvo la plenitud expresiva portada en ellas, pero entre éstas sobresale con calidad, y justifica al conjunto, el óleo “Mar inmenso”. Esta obra rompe el discurso expositivo, pues muestra una gran clase pictórica, oficio y posibilidades de alcanzar metas de originales producciones plásticas. El color se expande en esta pieza, variando su tono, desde el azul violáceo, pasando por verdes, hasta el ocre y dorado de la playa, recortado por un horizonte presidido por un cielo luminoso de azul rasgado por la luz. En sus bodegones se reproduce la abundancia presentida en el conjunto comentado, queriendo la fruta salir del cuadro.
Jane Kleinschmit consigue comunicar su estado anímico ante la belleza presentida, la alegría del ambiente, la atracción que esta tierra ejerce sobre la pintora. Domina su oficio, crea con libertad, disfruta con la pintura.








domingo, 29 de octubre de 2017

PILAR ALBARRACÍN EXPONE EN EL PALACIO DE LA MADRAZA

LOLA NO VA AL PUERTO

Autora: Pilar Albarracín. Título: Extractos de fuego y de veneno. Lugar: Palacio de la Madraza. Fecha: Hasta el 15 de noviembre.

Organiza la artista un entramado diáfano, de amplia eficacia en su propósito expositivo. Traslada en imágenes su relato, sin artificios innecesarios, con un lenguaje directo, penetrante, algunas veces envolvente, recreando el espíritu de la España tópica, del sentimiento profundo que se esconde en el subconsciente casposo de la sociedad.
Pilar Albarracín posee una extensa experiencia en el campo de la creación artística, mostrando en esta ocasión su habilidad técnica, el ingenio plástico a la hora de incorporar elementos tradicionales en esta propuesta, así como su capacidad, para conjuntar todas las piezas, en la recreación del relato que da vida a esta instalación.
Ahonda la autora en el sentido trágico de la pasión, en el papel del macho, recorriendo el mundo reservado, tras la celosía que los roles imponen, de la mujer, sus labores, constantes y sin fin, desarrolladas en el tiempo invisible, donde queda la huella de su esfuerzo en complicados bordados, horas de espera, esperanza, silencio, penas, enclaustramiento. Y siempre surge la pasión, sentimiento que rompe la racionalidad, las normas, que incluso las fundamenta, elevada a rango de gran drama representado, en el teatro barroco de la tradición popular. Pilar Albarracín imprime una ácida mirada crítica.
La muestra posee buen ritmo narrativo, variedad de registros icónicos, dentro de la sobriedad de la puesta en escena, que abarcan desde la videocreación, fotografía, dibujo, y elaboraciones en terciopelo y bordados. Incorpora, y transforma, esta labor artesana en la construcción de una obra de arte, ordenando todas las piezas en un entramado visual, denso en sensaciones aprehendidas. Pilar Albarracín enseña una instalación de elaborada planificación previa, de largas jornadas de trabajo, cuya conclusión logra como experiencia plástica, gracias al dominio del oficio y al ingenio en su expresión. El resultado es una exposición de gran valía y calidad.













 

 
 



 

 

viernes, 27 de octubre de 2017

EL AZUL DE IVÁN JIMÉNEZ

LA SUSTANCIA DEL AZUL
 
Autor: Iván Jiménez. Título: Detrás del azul. Lugar: Facultad de Bellas Artes de Granada. Fecha: Hasta el 30 de octubre.
 
El azul se refleja en el paisaje, espacio brumoso, espeso, donde la mirada se pierde en el límite de la imaginación. Percibimos el medio ¿ pero es tal como nos lo presenta los sentidos? Éstos nos ofrecen la descripción del entorno según la luz decide, mas la información proporcionada se distrae por los recovecos de la razón, sumiéndose en los canales del subconsciente, para aflorar rememorando los signos, y estructuras, que anidan en los anclajes de la memoria. Surgen símbolos, estructuras geométricas que resumen los volúmenes, o laberínticas sendas circunscritas al mundo onírico del pensamiento. Iván Jiménez parte de un concepto previo que desarrolla en forma de diseño tridimensional, trasladando el planteamiento teórico hacia un escenario activo, donde la idea toma vida propia, se repite, refuerza e impregna al observador. Parte de una sencilla estructuración, una propuesta llevada hacia una esquematización extrema, simple pero de profunda significación, intensa en contenido. Introduce al espectador en el envés de la imagen, en el circuito caótico de la comprensión de la realidad. Logrando el autor plasmar su relato a través de este proyecto de investigación visual. Iván Jiménez posee un lenguaje diáfano, expresado en su representación plástica. Pocos medios, amplio conocimiento del vocabulario visual y un ingenio sólido, son suficientes en la exposición de su definición de la imagen aprehendida.
Pero más allá de la instalación, comunica este creador la estructura del color, del azul escrito en elementos tangibles, palpándose su vibración, el fluir ondulante, la rendija de su presencia, la declinación tonal en sus escalones. O quizá sea esta última reflexión un fulgor fantástico, que provoca la visualización de este trabajo.
Iván Jiménez es un artista de amplios recursos estéticos, que lleva su teoría sobre el mundo percibido a una escenificación plástica. 
 
 

 

 

 

 

 

 

 

 
 

miércoles, 25 de octubre de 2017

SOBRE EL XIX PREMIO DE PINTURA JOVEN CIUDAD DE GRANADA

ALGUNOS BUENOS EJEMPLOS

XIX Premio Pintura Joven de Granada. Lugar: Centro Cultural Gran Capitán. Fecha: Hasta el 30 de octubre.

Las obras presentadas en este certamen muestran una dispar calidad, siendo patente las diferencias observadas entre los autores participantes.
Obtiene el Primer Premio Eduardo Gómez Query. Este autor va cosechando galardones y reconocimientos en gran cuantía, manteniéndose fiel a una línea compositiva que define su huella pictórica. Trabaja los campos de color, puzzle de espacios cromáticos que organiza en paisajes, jugando con el collage. Introduce silencio en un plano quebradizo, que avisa romperse al más mínimo chasquido. Presenta una visión frágil de la realidad, explicando en sus cuadros la futilidad de la imagen, que surge y se desvanece en un instante. Introduce lirismo en sus piezas, soledad donde el yo reflexiona sobre la realidad que lo envuelve. Lo hace con un lenguaje sencillo, pero de profundo peso visual.
Carmen González Castro consigue el Segundo Premio. Al igual que el pintor anterior posee un estilo propio. Prosigue con sus propuestas inteligentes, de complejo lenguaje icónico. Juega con la anamorfosis en sus piezas, investigando sobre las posibilidades de la imagen, la interacción del observador, lo real e irreal, incorporando el lado oscuro de la representación, la sombra que tapa la mirada consciente. Es ingeniosa, aparte de justificar su obra en un sólido planteamiento conceptual, teorizando sobre el poder de la percepción.
El Tercer Premio corresponde a Irene Flores Molino. Presenta un trabajo fresco, de gran sensibilidad, inocencia en la mirada, ternura en su contemplación, vida incorporada en la figura enmarcada.
Abel Villén me ha gustado mucho, obteniendo una mención honorífica. Incorpora la descripción de personas anónimas, sumidas en sus rutinas, en su anodino trascurrir. Comunica el calor de la vida en la estancia reflejada en el cuadro, las horas inanes que pasan y se precipitan en el olvido de la existencia.
Otra mención honorífica ha sido concedida a Inma del Castillo. Ofrece esta artista una obra abstracta, donde los fondos grávidos sirven para contraponer orden, que se deshace en su complejidad y caos en su ebullición.
Igualmente me ha gustado el nervio y destello de la creación de Martina Adell; así como la expresión rotunda del paisaje urbano de Adrián Marmolejo.
Estos autores, y algún otro más, justifican la validez plástica de este certamen y la exposición de los trabajos seleccionados.
 
 
 
Eduardo Gómez Query
 
 
 
Carmen González Castro
 
 
 
Irene Flores Molino
 
 
 
Abel Villén Fernández
 
 
 
Inma del Castillo
 
 
 
Adrián Marmolejo


 
Martina Adell Bris

sábado, 21 de octubre de 2017

JULIO JUSTE EN LA MEMORIA

SENSIBILIDAD Y COLOR EN JULIO JUSTE

El color se expandía con libertad, sujeto a la pasión del pintor, del genio plástico que anidaba en su alma. Julio Juste comenzó a expresar su realidad con el pincel, elemento inseparable, insustituible según el pintor, pues a través de él desbordaba la emoción ante la neblina mágica que envuelve la realidad. Percibía su presencia gracias a la lucidez poética de su mirada, que trasponía sus asombros en espacios cromáticos, lugares de inmensidad presentida, salpicados de variaciones tonales, pozos de gamas grávidas, destellos de radiación evanescente, y líneas de fuga que transitaban vibrantes por toda su extensión. Volcaba el pintor su fuerza con el impulso del pincel, ajeno a su voluntad, atrapado en la trascendencia de su composición poética. El color triunfa sobre la forma, unas veces extenso y pastoso, en algunas libre de contornos en trazos sueltos, siempre portador de sensaciones: frío, misterio, calidez, estremecimiento, curiosidad. Surge fragmentado, pero sin abandonarse al caos, pues había en sus piezas un halo invisible que dotaba de unidad al conjunto.
Julio Juste no sólo se limitaba a la pintura dentro de los límites enmarcados, sino que se abría a toda posibilidad de expresión gráfica, siempre portando emoción y color, en cuyo seno se agitaba la imagen sensible que comunicaba el mensaje reflejado en la composición, antesala al entendimiento sobre el contenido relacionado con la ilustración.
En su extensa trayectoria artística, variada en técnicas y experiencias plásticas, Julio Juste se fue liberando de la forma y soporte, consiguiendo extraer un vocabulario propio dedicado sólo a expresar el color, su significado ligado a la realidad del sentimiento, a la interpretación del pulso danzante de la existencia. Desde la apariencia justificada a sí misma de los setenta, y su reflexión de los ochenta, fue pasando por distintas etapas de liberación de capas y tonos innecesarios, destilando el secreto de la imagen, el ritmo de la luz en su derrotero caótico definido por el tiempo. Lo condensó en experiencias visuales, muchas veces inmersas en medios acústicos, utilizando la videocreación, escenificando instalaciones luminosas, en las que se recreaba el latido íntimo de pequeños haikus, esencia total del poema, de la interpretación sensible del diálogo del yo y la vida. Es por lo que el artista decía que se basaba en la sensibilidad e inteligencia. Julio Juste abrazó el color. Descanse en paz.
 
 

 

 
 

miércoles, 18 de octubre de 2017

HUMBERTO PLANAS EXPONE EN CEFERINO NAVARRO

EL NUDO DEL ARTISTA
 
Autor: Humberto Planas Camué. Título: De CapRicHos Y dE + Lugar: Galería Ceferino Navarro. Fecha; Hasta el 18 de octubre.
Es una obra que suscita gran interés desde el primer momento de su contemplación. Muestra ingenio, elegancia y habilidad técnica, ofreciendo curiosas formas de expresión pintadas o condensadas en forma sólida.
Desprende esta exposición una sutileza de suave transcurrir, en cuyo viaje las curvas y retorcimientos están poseídos de un sometimiento voluntario, docilidad de la materia, nervio congelado que quiere deshacerse, cinetismo extraído de su acción temporal, curvaturas descritas en pensamientos fantásticos, que el artista resuelve en esculturas de atractivo influjo visual.
Humberto Planas es un artista cubano afincado en Granada, que ofrece una obra de gran soltura, habilidad compositiva, y frescura en su visualización; es ágil en la producción de piezas diversas, que portan una tensión sedosa, que se deslizan como si un ofidio fuera, surgiendo como garabato del artista, expuestas en descasada formación tridimensional. El artista juega con sus creaciones, incorporándolas en el universo de los planos, para situarlas como contrapuntos en escenarios de rincones granadinos. Sus dibujos poseen un halo luminoso, ajado, vaporoso, delicado tacto del trazo, para representar etereidad, evanescencia del presente para trasportarlo a un tiempo indefinido, donde sus figuras anudadas inducen acompasado discurrir, que se reconcentra en sí mismo. Estos dibujos, acompañados por las esculturas, organizan un temblor en la mirada, cuyos ecos remueven los posos de la emoción. El recuerdo queda impregnado de un destello cálido, armonioso y plácido, que encierra una soberbia fuerza domada por el artista plástico. Humberto Planas es un autor de gran originalidad, calidad y maestría en la estructuración de formas insólitas, que aparecen dominadas por el ingenio del escultor. Horas de arduo trabajo, imaginación que sobrepasa el tejado de lo común establecido, son los factores que convierten a esta propuesta en conclusión de peso, y significación artística destacada.