domingo, 30 de enero de 2022

MARCOS RICO EXPONE EN LA GALERÍA JUAN MANUEL LUMBRERAS

 

ESTANCIAS DE PENUMBRAS

Autor: Marcos Rico. Título: Don’t kill my vibe. Lugar: Galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao. Fecha: Hasta el 25 de febrero.

El pintor se interna en el mundo de las sombras, espacio sometido al peso de la noche permanente. Es un lugar frío, angosto, cuyo ambiente es espeso, siendo el agobio la sensación permanente al contemplarlo. No es complicado alcanzar su entrada, ésta se encuentra situada en el fondo del subconsciente humano, laberinto sórdido, ilógico, sin tiempo, organizado en intricados pasillos, que unen las estancias personales con las viejas galerías de las salas eternas, comunes a todos.
Marcos Rico, fotógrafo y pintor, plasma en sus óleos los momentos insignificantes sin rastro en la memoria, ajenos a la atención, solo percibidos o fugazmente pensados. En las piezas que expone se siente la impresión de la historia del mundo oscuro, solar de pasiones, temores, desidias, hastío o soledad, explorado por el artista para describir las emociones que se esconden tras la luz de la razón.
El color disuelve los perfiles de las formas, siendo conjuntos acompasados que simulan siluetas comprendidas, las cuales aparecen agolpadas entre sí, sin posibilidad de existencia propia, como si una fuerza intensa las obligara a estar pegadas al plano. Es una representación cromática densa, de tonalidad grávida, estancias de penumbras, donde rasga el frío del azul la monotonía del misterio, como sobresalto inesperado, sorpresa en el viaje tormentoso del viaje interior. Marcos Rico propone una experiencia inquietante, de fuerte expresividad, jugando con las posibilidades del color, en sus trazos amplios, conjugada muy bien la limitada paleta usada, en un discurso visual plano, surgiendo por la tensión cromática, producto del engarce generado, un susurro salmódico confuso, que se extingue en la soledad infinita.
Marcos Rico controla el uso del color, la estructura de su lenguaje, y la presentación estética de la idea concebida.









viernes, 28 de enero de 2022

TOSHIRO YAMAGUCHI EXPONE EN LA GALERÍA LUCÍA MENDOZA

 
CUANDO SE ROMPE EL COLOR

Autor: Toshiro Yamaguchi. Título: De donde nace lo indeterminado. Lugar: Galería Lucía Mendoza, Madrid. Fecha: Hasta el 12 de febrero.

Toshiro Yamaguchi propone un trabajo plástico de gran profundidad estética, ahondando su experiencia en la metafísica del color. El pintor no crea composiciones abstractas, en las que describe un universo sensitivo interior, como tampoco se deja llevar por la irracionalidad creativa, para extraer las expresiones que anidan en el subconsciente, producto del influjo del entorno real. Este artista es fiel al paisajismo oriental, partiendo de ese concepto estilístico de la representación para desarrollar obras que traspasan el umbral de las formas, internándose en la nebulosa cromática que irradia la Naturaleza.
En sus paseos diarios hacia su estudio de trabajo, Toshiro Yamaguchi reflexiona sobre la esencia del color, se somete a su influjo, al observar la gama radiante que exhibe la vegetación del entorno, el cielo, las formas tangibles que lo rodean. Dialoga con el color, se pregunta sobre su existencia real o si es sólo percepción imaginada por los sentidos. Su mirada extrae la sustancia que le da peso y presencia, plasmándola en sus piezas. En éstas pinta campos monocromos tranquilos, unicamente perturbados por la fuerza de las gamas de su paleta, en otras intuye su palpitación, describiéndolo como relieves circulares, elípticos, o en marejada, mas el color vive, no quiere estar contenido en los rectángulos enmarcados, y es por lo que se rebela rompiendo sus límites, sobrepasándolos y generando otros marcos que alteran la lógica del cuadro tradicional. Más aún, se olvida del soporte para expandirse como flujo en la estancia, convirtiéndose en instalación.
La contemplación de la obra de Toshiro Yamaguchi constituye un ejercicio de meditación, cuando el espectador se funde con el ánima de la realidad luminosa, vestida de colores.








martes, 25 de enero de 2022

DIETER DE GREEF EXPONE EN EL CAC DE MÁLAGA

 
CUERPOS, DESEOS Y CONSUMO

Dieter De Greef expone en el CAC de Málaga, “ Astronautas y labradores” hasta el 29 de enero de 2022.

El artista belga Dieter De Greef presenta un trabajo de signo sugerente, no por el tema y la imagen que lo desarrolla, sino por la idea implícita que sustenta su propuesta pictórica.
La mujer, su desnudez, la imagen expuesta en las redes, centra su atención, presentadas sus pinturas como expresión de deseo, recuerdos y melancolía, también como representación de la fugacidad de los momentos, la conjunción de vida y muerte, ideas que acompañan la existencia. Aparentemente muestra su obra como liberación del cuerpo femenino, significado que se transforma en un relato de pasiones deseadas, sueños insatisfechos, sometidas las pulsiones personales bajo una sociedad de consumo, que enseña sus productos en los medios de información y comunicación. Este creador plástico afirma haber obtenido las imágenes en Internet, recreándolas en sus cuadros, expuestas con una nitidez que se deshace en su visualización en un cromatismo espeso, que convierte la realidad en figuras sometidas bajo la neblina del color, evocación plasmada en el cuadro.
El juego de los deseos es representado en esta exposición, elaborada expresamente para esta ocasión.
Dieter De Greef se define así mismo como autodidacta, proyectando una obra libre de modas y estilos, ofrecida como reflexiones de conceptos contrapuestos, que convergen en la crítica de la sociedad actual basada en la apariencia y consumo, desnaturalizando el valor de lo humano, cuando su destello no existe.






domingo, 23 de enero de 2022

JOSEP BLACHÉ EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA


LA REALIDAD SEGÚN J. BLANCHÉ

Expone Josep Blanché en la Galería Orfila, Madrid, hasta el 5 de febrero de 2022.

La pintura de Josep Blanché es una plasmación aparente de caprichos irracionales. Las piezas que expone son evasiones intelectuales, donde el artista discurre azaroso, llevado sin oposición por los cauces del estímulo inesperado. El pintor se deja atrapar por la fuerza del olvido racional, para permanecer indolente en los espacios ilógicos de la expresión fantástica. El resultado se muestra en un conjunto de piezas donde el caos, del universo del subconsciente, es ordenado en formas geométricas, excluyentes entre sí, conformando un territorio de confrontación en el espacio enmarcado. La tensión se intuye al contemplar su obra, como presión interna que actúa como un mar en el que navegan y evitan su roce, pues a partir de ese momento el caos rompería la ficticia realidad mostrada. En medio, en algunas composiciones, hay formas caprichosas, sin ángulos ni rectas, que en su libertad encuentran dificultad en su existencia.
Josep Blanché elabora un trabajo plástico sobrio, áspero a la mirada, que traduce muy bien el concepto central que quiere relatar. Sus creaciones son de técnica mixta, incorporando material textil, donde islotes geométricos, de cromatismo contenido, sientan su influjo.
Esta exposición es una propuesta seria, muy bien estructurada por el artista, de inteligente elaboración, consiguiendo trasmitir la idea vital que aprecia en los días de la realidad imperante. Sabe comunicar con precisión, ajustado a una dicción precisa y serena. Así es la obra ofrecida por Josep Blanché.









sábado, 22 de enero de 2022

LA INTENSIDAD DEL AZAR EN LA OBRA DE MARTÍN PASTOR


LA PINTURA DE MARTÍN PASTOR

Autor: José Francisco Martín Pastor. Título: Sin norma. Fecha: Hasta el 30 de enero de 2022.

Expone José Francisco Martín Pastor una producción exuberante, variada y siempre fresca. La muestra consta de ochenta y cinco piezas. Esta propuesta recorre su variada actividad plástica, desde los setenta hasta la actualidad, presentando diferentes formas de abordar la expresión pictórica, siendo siempre fiel a la emoción asociada al descubrimiento de nuevas sensaciones. Su obra es un camino de búsqueda sin fin, sostenido por la ilusión de encontrar la plenitud ante la composición total, aquella que agota toda iniciativa posterior, mas es un espejismo, una fantasía que espolea la exploración artística, cuyo horizonte se atisba, sin posibilidad de alcanzarlo. Esta aventura no posee un resultado baldío para el autor, sino al contrario, constituye una transformación del pintor, enriquecimiento, profundización en el conocimiento de la esencia del color, de la realidad percibida, incluso supone su desarrollo vital, significando un camino iniciático, aunque el propio artista desconozca este yugo, moviéndose sólo por la necesidad de pintar.
El azar es el genio que dirige todo el proceso de su trabajo plástico, pues libera el pincel del orden racional, abriendo el sendero hacia perspectivas distintas de la obra anterior. Esto hace que se interne el artista en un mundo ignoto, libre del orden pensado, caos cromático, laberinto sin fin, donde en la pasión intensa se intenta vislumbrar las distintas formas perseguidas. Esto solo es posible si se domina el oficio, resultado de largas horas de trabajo e indagación.
Martín Pastor ofrece modos de pintura variada, utilizando técnica mixta sobre tabla o lienzo, acrílicos, o grabados sobre diferentes soportes.
En el conjunto mostrado se ofrecen piezas que comprenden la figuración o estilos abstractos, siendo el hilo que las une el espíritu del color, sus fluctuaciones ordenadas de acuerdo al ambiente emocional imperante, tras la disección de la realidad pretendida por el pintor.
Hay obras con una fuerte impronta de la pintura que bebe del carácter del entorno almeriense, recordando a los batarros de los pintores del Almanzora, agregando el artista un influjo cromático potente, emocionalmente apasionado, expuestas sus escenas como una revelación, cuyos grupos de personas ofrecen individualidades en los que cada una habita en su mundo íntimo. Misterio, soledad, dureza en la mirada, conformismo vital, son los gestos que dan sentido a cada una de ellas.
Excelente experiencia visual, rica e intensa, la ofrecida por Martín Pastor.






jueves, 20 de enero de 2022

EL MUNDO DE JOAQUÍN UREÑA


ACUARELAS DE JOAQUÍN UREÑA

Joaquín Ureña expone en la Galería Ansorena, Madrid. Hasta el 29 de enero de 2022.

Mantiene el pintor su estilo, pulcro, depurado, de líneas precisas, rotundas, resaltando la geometría que rodea nuestras rutinas diarias, confrontadas con formas caprichosas que vencen la racionalidad del dibujo. Joaquín Ureña es un artista que trasciende el estilo de las acuarelas, pues transforma su técnica para conseguir con ellas la reproducción de una realidad intimista, que supera la plasmación fiel de la imagen, pues logra recrear el ambiente espeso de las estancias, envuelto en un silencio que acompaña el ritmo sosegado de las horas. Expande el pintor su intuición sensitiva para impregnar los objetos y espacios con su presencia. Esa huella anímica depositada reclama su origen, estableciendo un diálogo emocional con el artista, flotando en el espacio sujeto a su contemplación, como un susurro, siendo por sí misma la visualización de la imagen el relato de su personalidad.
Joaquín Ureña desarrolla una obra equilibrada, mostrando experiencias comunes con el espectador, expuestas con brillo propio, como espejismo salvado de la ceguera cotidiana. Potencia este efecto con la luz que transcurre, revolotea en la estancia, mostrando el halo del descubrimiento extraordinario en la sencillez de la escena escogida. La luz recorre el ambiente, se refleja y desvela el misterio que encierra en su esplendor. Todo se traduce en una feliz existencia, autosuficiente, liberada de la árida realidad que atenaza la vida actual.
Joaquín Ureña, con el tiempo, va perfilando aún más su obra, aligerándola de gestos innecesarios, dejando en ellas las formas que inducen equilibrio, permanencia tranquila, dentro de una combinación compleja de colores, que se rompen en los destellos para proponer aventuras ajenas al orden pensado.















 

martes, 11 de enero de 2022

RODRÍGUEZ GUY EXPONE EN MÁLAGA


PULSO Y PASIÓN EN LA OBRA DE RODRÍGUEZ GUY

Pablo Rodríguez Guy expone en la galería Benedito, Málaga, hasta el 19 de enero 2022.

Explora la realidad el pintor, rompiendo la imagen para adentrarse en el seno del resplandor, creado por el estallido cromático surgido tras la descomposición de la mirada racional. Muestran sus composiciones un caos de formas y colores, que buscan su lugar en la comprensión de la mirada, salvando la percepción emotiva del paisaje, de la escena reflejada en el cuadro.
Pablo Rodríguez Guy, Santa Elena, 1950, es un artista que ha evolucionado sin abandonar el hilo argumental del color, explosivo, insolente, de presencia cálida, lo que no evita que los trazos del mundo espeso sienten su presencia, algunas veces imperantes, en los fragmentos azules, violetas o marrones. En este panorama confuso incorpora el autor signos propuestos por descifrar, señales expuestas como simbología de un mensaje oculto, cuya revelación ayudará a penetrar en la realidad sensible, aquella que es pensada por la emoción.
En su obra última es percibida una mayor rotundidad en su gestualidad plástica, siendo su expresión más descarnada, el cromatismo de mayor furia, afirmándose el pintor en la descripción del halo pasajero del instante esplendoroso, revelación intuida en la conjunción de tonos de su paleta.
Aplica Rodríguez Guy una abstracción sensitiva, reflejando la tensión existente entre la contingencia material, fría y apagada, con el destello revelador luminoso. Pulso y pasión del momento atemporal presentido. Esa es la imagen que descansa en el recuerdo tras contemplar su obra última.