viernes, 31 de diciembre de 2021

PRIMER PREMIO CONCURSO DE PINTURA FUNDACIÓN AGUAGRANADA

 

FRANCISCO MARTÍNEZ CARREÑO Y SU PREMIO

En el mes de noviembre de este año, se hizo público el fallo del jurado del XV Concurso Fundación AguaGranada. En este concurso se han presentado cuarenta y cinco obras, de calidad variada, participando muchos nombres de la joven vanguardia figurativa andaluza.
Obtuvo el primer premio Francisco Martínez Carreño, creador almeriense de extensa y exitosa carrera plástica. Es un pintor que se encuentra en la madurez de su producción pictórica, con un estilo asentado y bien definido, cuyas producciones poseen calidad, nervio y fuerza visual.
En su obra ganadora “ El agua de Granada, origen y duende” , óleo sobre lienzo, el artista refleja la pureza natural del agua granadina, mostrando la majestuosidad del Veleta nevado, rotundo, poderoso, inmenso… perfilado con nitidez, en un dibujo preciso, trazado con determinación, para que su imagen se desprenda del espacio enmarcado. Es una composición en la que se resaltan los rasgos naturales del paisaje, extrayendo los elementos definitorios de la escena, donde el blanco de la nieve, con el azul del cielo, juega con la limpieza luminosa, resultando un trabajo de mirada sosegada, centrada en el motivo central de la obra, el origen del agua, envuelto en sensaciones de misterio, presentido frágil ante la acción contaminante de la Humanidad. No ha sido necesaria la presencia de efectos innecesarios en la elaboración de la pieza, sino ha bastado con la incorporación de la primera impronta que empapa la retina, la cual se recrea en el recuerdo.
En el óleo ganador se refleja la dureza del entorno, símbolo de la pureza primitiva, que se salva del tiempo en su viaje eterno, albergando el blanco de la nieve depositada, frescor y claridad, rodeado por el cielo azul y luminoso, que con sus nubes rotas inducen transformación permanente.
Francisco Carreño es un pintor ya consagrado en el panorama pictórico andaluz, que reproduce paisajes y ciudades, unas veces de nuestras tierras mediterráneas, otras de aquellos lugares por donde viaja, sea la campiña italiana, el laberinto de Nueva York o los aislados espacios escandinavos. Su obra constituye una reflexión ante el entorno, aprehendiendo el pintor las esencias de la realidad, la belleza común que se refleja en la escena, grandiosidad y luz, como también una reflexión ante la existencia. Es un relato sobre la evanescencia del tiempo de la persona, intrascendente ante la permanencia del paisaje. El artista lo reproduce en su obra con sobriedad, precisión y ritmo poético, susurrante y melancólico.




miércoles, 22 de diciembre de 2021

PEDRO SEGURA CANO EXPONE EN LA GALERÍA AÑIL, DE MOJÁCAR

 

PEDRO SEGURA CANO EN AÑIL

Pedro Segura Cano, Lubrín 1964, presenta su obra de nuevo, la cual ya ha expuesto en numerosas ocasiones en la geografía andaluza. Este pintor se define como un gran admirador de Ginés Parra, cuya influencia impulsa su producción plástica. Inmerso ya en esa locura, como este autor la define, conoció al gran pintor de Huércal-Overa, Silvestre Martínez de Haro, que le acompañó en el duro trecho de la creación pictórica, hasta conseguir señas de identidad propia. Gracias a este artista, y al galerista Trino Tortosa, pudo encontrar seguridad en la senda del pincel, logrando alcanzar un estilo característico de gran fuerza expresiva, intenso, rotundo, de imágenes agolpadas, que infiere dinamismo a la composición, sintiendo el observador cierto vértigo visual, para compartir con el pintor el peso de sus pasiones, el sabor del desasosiego, de la incertidumbre sumida en la búsqueda continua, dentro del universo ciego de la elaboración artística. El escritor José García Gallego definió su obra como visualización de un lenguaje secreto.
Los fondos oscuros, la confusión, indeterminación de las imágenes, están contenidas en sus piezas. Éstas poseen un fuerte sabor estético de las producciones del tercer cuarto del siglo veinte, mas Pedro Segura Cano incorpora un signo personal, que hace cobren vida autónoma, desarrollando con su propio estilo otras perspectivas en su contemplación. Intenta, este creador plástico, romper el horizonte del lienzo, penetrar en el cosmos oscuro que sostiene la realidad percibida, sea generando un rumor visual con las manchas depositadas en el cuadro, o mediante saltos cromáticos, desequilibrios en el plano contenido en la pieza, originando ruido sensitivo en la mirada. El artista siente furor, abandonando la lógica del dibujo, la armonía del sosiego contemplativo, para enfrentarse a los gigantes imaginarios escondidos tras las manchas, las superficies de las estructuras adheridas en sus piezas, navegando en la emoción de la aventura sensitiva, e irracional, pretendiendo vislumbrar las luces que dan respuesta a las incongruencias presentes.
Mas la memoria de sus orígenes pictóricos retornan continuamente, situándolo en el punto de partida, para concluir una obra sólida, donde lo que pretende es recomponer la mirada, tras la destrucción del orden propuesto por la lógica del entorno cotidiano, para descubrir la realidad auténtica del tiempo pensado.
La instalación de Pedro Segura Cano podrá ser visitada durante el mes de diciembre, en la galería Añil, de Mojácar.







martes, 14 de diciembre de 2021

SOBRE LA EXPOSICIÓN DE CLAIRE TABOURET EN LA GALERÍA PERROTIN


SOLEDAD Y MISTERIO

La artista francesa Claire Tabouret, afincada en Los Ángeles, muestra su obra en la galería Perrotín, Paris, hasta el 18 de diciembre. Dentro de su estilo marcado por un cromatismo intenso, donde la intensidad del color describe una topografía visual abrupta en el cuadro, dirige su mirada hacia paisajes naturales. Los extrae de la percepción real para plasmarlos como impresiones de experiencias trascendentes, en un ambiente de soledad, sumida en el proceso de exploración del pensamiento fantástico sobre el que descansa la realidad visible. La pintora al observar su entorno lo transforma en espacio irreal, mundo donde escapar y perseguir los duendes íntimos que subyugan su espíritu de fantasía, sueños donde indagar los principios que dan sentido al ritmo de los días. Son sus piezas reflejo de un paisaje sometido a una luz tenue, brillo lunar, frío, en cuyo ambiente la persona se siente ajena. El peso del color ocupa todo el espacio percibido, derramado por las manchas desprendidas de árboles y arbustos, cuyo influjo se expande en los azules y grises de los cielos apagados. No es una experiencia triste la que propone la artista, sino pretende compartir una reflexión común sobre los avatares que someten nuestras decisiones, los cuales pretende descubrir en ese universo interior.
Claire Tabouret, 1981, es una creadora de referencia en el panorama internacional de la Pintura, cuyas obras poseen un poderoso sentido estético de calidad, además de cumplir su función, es decir, incorporar al espectador en una reflexión compartida, inquietar y hacerlo partícipe de la experiencia sensitiva.










sábado, 11 de diciembre de 2021

LA PINTURA DE PEPA RUEDA

 

PEPA RUEDA EXPONE EN EL MUSEO DE ALMERÍA

Pepa Rueda presenta en el Museo de Almería, hasta el 15 de diciembre, su exposición “Reflexión y expresiones variadas”. Conforma esta muestra un conjunto de óleos y acuarelas, la mayoría elaboradas en los últimos años. En sus piezas exhibe una obra desbordante de color, intenso cromatismo que rompe el equilibrio de la composición, para expandirse con rotundidad en todo su entorno. Es un colorido denso, poderoso, espeso, y no por ello vibrante de sensaciones evanescentes, que inducen ligereza en su contemplación. La paleta de tonos aplicados produce un fulgor de tonalidades, cuyo flujo inunda la mirada, comunicando el relato de la artista la emoción visual que describe la escena. Pepa Rueda consigue transmitir el alma del paisaje, el resplandor que le da nervio, descifrado a través de los ojos de sus personajes, y reflejado en la proyección de su mirada inocente, que combinada con sus rostros, rasgos y vestimentas, definen el mensaje contenido en la imagen, en la cual se recogen las esencias del lugar. Las vivencias de sus modelos es comunicada a través de la mirada, donde sus grandes pupilas resumen sus circunstancias y existencia, siendo comprendida por el espectador, que comparte el ambiente extraído, conjugando en el personaje la aridez del entorno, necesidades, pobreza, y esperanzas.
En otras piezas plasma motivos vegetales, en los que refleja la vida en todo su esplendor, alegría reflejada en la conjunción cromática, cuyos destellos se expanden en toda la pieza. En algunas composiciones centra su atención en los paisajes urbanos, en los cuales el dibujo está sometido al peso del color, que oculta la perfección geométrica para convertirla en percepción que impregna la retina, impulso lumínico que se graba en el recuerdo, siendo reproducido por la combinación de evocaciones generadas, cuando es rememorado el sabor sensitivo de la emoción surgida en ese instante. Estas piezas constituyen un recorrido amable por aquellos rincones que le sugiere momentos felices, bajo la influencia de un estado tranquilo.
De la propuesta, reconociendo la validez técnica y artística de la totalidad de las obras expuestas, me gustan más aquellas de temas naturales, en las que muestra las plantas, y sus flores, con un poderoso influjo visual, explosión cromática que da impulso dinámico a la imagen, cuando la impronta del color supera las formas. Pepa Rueda, pese a su talante sencillo, posee un excelente lenguaje estético directo, fresco, atractivo y de calidad expositiva.





miércoles, 8 de diciembre de 2021

EMILY MAE SMITH MUESTRA SU OBRA EN PARÍS

 

LA ESCOBA BUSCA SU LUGAR

Autora: Emily Mae Smith. Título: Cosechadoras. Lugar: Galería Perrotin, París. Fecha: Hasta el 18 de diciembre.

Es su obra una mezcla sugerente de surrealismo, simbolismo y estética pop, e incluso recordando en algunas composiciones el estilo nazareno, con sus colores intensos, profundos, en edificaciones bañadas por una cálida luz limpia, mostrando un mundo perfecto, equilibrado, esplendor reflejo del Paraíso, mas en su interior desarrolla la artista un relato crítico, ácido y despreocupado.
Emily Mae Smith, 1979, es una pintora norteamericana, Austin, Texas, de una amplia carrera expositiva, la cual ha consolidado señas de identidad propias, que caracterizan su trabajo plástico, siendo la escoba el símbolo central que protagoniza todas sus propuestas plásticas. La escoba como signo de la feminidad sometida, encerrada en los quehaceres del hogar, también como instrumento de sublevación ante el orden establecido, usado por las brujas, para salvarse del sometimiento que su condición femenina les obligaba. Pero Smith va más allá, al utilizar la escoba como elemento de limpieza, para eliminar los restos del pasado y proponer otra realidad.
En este entorno su escoba adopta propiedades antropomórficas, y actúa organizando un discurso estructurado en el que se suceden distintas escenas, críticas o donde se refleja contradicciones de la conducta humana. En otras constituye un divertimento de la pintora en su recorrido por la historia del arte. Es un ejercicio lúdico en el que realiza una especie de exorcismo para liberarse las ataduras ancestrales.
Emily Mae Smith ofrece una obra de cromatismo denso, poderoso, donde la línea se recrea en sus ondulaciones, plasmando universos fantásticos, de colorido poderoso, en cuyo equilibrio va marcando su compás el ritmo de la fantasía.
Sus piezas poseen una mirada enigmática, sumida en un lirismo de estrofas que esconden el significado oculto que ha de conseguir descifrar el espectador. Es un laberinto visual, centrado en la escoba personaje, inicio de camino, que parte concéntrico para ir visualizando las claves del discurso invisible contenido en el cuadro.
Elegancia, suavidad visual, e inteligencia, se expresan en las composiciones de esta excelente artista.
















lunes, 6 de diciembre de 2021

EXPOSICIÓN DE MERCEDES LIROLA EN LA GALERÍA ARRABAL Y CÍA



LOS GENIOS OCULTOS DE LAS COSAS


Autora: Mercedes Lirola. Título: “Eppur si muove”. Lugar: Galería de Arte Arrabal & Cía, Granada. Fecha: Hasta el 10 de diciembre.

Nueva apuesta estética de Mercedes Lirola, artista destacada en el panorama actual de la creación plástica. Trabaja la cerámica, de tal forma que convierte masas inertes, de materia mineral, en figuras vibrantes poseedoras de poderosa elegancia. En su larga trayectoria, de trabajo ininterrumpido con la cerámica, persigue la artista depurar sus piezas de formas innecesarias, profundizando en el sentido que le da significado visual de vida propia. Es un proceso de exploración inagotable, en el árido campo de la creación, mediante el cual va reflexionando sobre la conclusión de sus composiciones, obteniendo una experiencia enriquecedora que utiliza en producciones posteriores, aparte de significar un camino de autoconocimiento y cambio personal. Este es el sentido que quiere transmitir a su obra, haciendo partícipe al espectador, el cual va añadiendo de forma activa nuevos puntos de vista en la interpretación de la imagen, agitando el intelecto hacia los estados del sentimiento, sea estético o rememoración de algún recuerdo. Constituyen sus propuestas un espacio de encuentro y evasión temporal ante la forma imprevista, esperando su acción y movimiento, proyectando hacia ellas nuestros anhelos y posibilidades, mas puede que para la mayoría de los espectadores constituya solamente un gesto estético, lo cual no es poco, pues contribuye a compartir la esencia de la belleza.
Sus piezas son figuras estilizadas que buscan el movimiento, separadas de su creadora para iniciar una vida anímica independiente. Es la fuerza de ésta, sus zozobras y pensamientos, indecisiones y alegrías, generadas en el proceso de su elaboración, las que se imprimen con su tacto, fijadas en el fuego, liberándose del yo creador para conformar individualidades con personalidad propia. Cada una es fruto de ese momento emotivo de la autora.
Cuando la imaginación salva las contingencias de la realidad, escapan hacia lugares etéreos, reflejadas en las gaviotas que penden de hilos, buscando los paisajes de libertad, hallazgos extraordinarios donde triunfe el esplendor de la existencia.
Mercedes Lirola resume su idea artística en esta exposición, expuesta como trayecto permanente de búsqueda y transformación. Quizá persiga encontrar la forma vital oculta que se esconde en la materia, difícil de hallar, pues es esquiva y se desvanece tras intuirla, dejando su huella en el tono cristalino de las piezas de porcelana. Puede que sean los genios que habitan en la naturaleza de las cosas.






viernes, 3 de diciembre de 2021

MESA ESTEBAN DRAKE EXPONE EN LA GALERÍA ORFILA



MESA ESTEBAN DRAKE


Autora: Mesa Esteban Drake. Lugar: Galería Orfila, Madrid. Fecha: Hasta el 14 de diciembre.

¿Que quiere descubrir la artista en su obra? Esa es la pregunta que surge al contemplar los cuadros de esta exposición. Presenta la pintora un encuentro con espacios fantásticos, libres de ataduras lógicas, como campos de espejismos, donde la curiosidad del espectador vuela en su interior, buscando escapar de la realidad cotidiana.
Mesa Esteban Drake es una creadora plástica de gran experiencia, cuya intuición compositiva ha provocado que perciba la luz de paisajes imposibles, donde quiere expresar la liberación del pensamiento. Ofrece su trabajo como una aventura individual, en el que cada persona reflexiona y se pierde entre los vericuetos de sus aprehensiones, ansiedades, angustias y deseos, buscando la luz del horizonte, signo del lugar que lo extraiga de la pesadumbre de los días grises, y desesperanza, que la actual situación social nos muestra. En esta vía de escape aparecen supuestos cielos de tonalidades suaves, soñadoras, vaporosas y plenas, descansando en su base la amenaza cortante de la dolorosa frustración del fracaso, avisando de su presencia. Deambula por senderos de cromatismo más grávido, muchas veces tórrido, otras desangelado y triste, y si no aparecen escenas de belleza paradójica reflejada en la ruptura de la materia. Todo es posibilidad y fracaso, en un panorama caótico donde el ansia de felicidad domina el pensamiento.
Son sus piezas, técnica mixta sobre tela o papel, un ejercicio de elegante construcción plástica, resultado de la experiencia sensitiva de la pintora, que se deja llevar ante el vacío inicial del cuadro, para ir depurando su fondo, sumido por la fuerza del influjo de las claridades ocultas en su interior, las cuales dirigen su alumbramiento. No se consigue el resultado presente en esta propuesta porque sí, sino gracias a que Mesa Esteban Drake comprende el flujo sonoro que la esencia de la pieza produce, ordenando su significado, plasmando una propuesta de calidad. La pintora ha conseguido interpretar el latido interno de la composición, que quiere traspasar el mundo de la idea, para ser imagen real.







miércoles, 1 de diciembre de 2021

OBRA DE RAMÓN CALSINA EN LA SALA PARÉS



LA MAGIA ESCONDIDA

Autor: Ramón Calsina i Baró. Título: Universo Calsina. Lugar: Espacio 2. Sala Parés, Barcelona. Fecha: Hasta el 12 de diciembre. Comisariada por el Dr. Sergio Fuentes Milà.

Es Ramón Calsina, (1901-1992) un pintor poco conocido pese a su extensa obra. Este catalán elaboró un trabajo plástico muy personal, pese a estar marcado profundamente por las vanguardias de los años veinte y treinta del siglo pasado. Aparte, la estética de sus figuras recuerdan, esa es mi impresión, a las representadas por artistas de los cuarenta y cincuenta del movimiento Indaliano, sea por sus redondeces, rotundidad y presencia indolente. Son figuras que viven una existencia intrascendente, sometida al ritmo de los días sin nombre. Esa es la apariencia primera que surge al contemplar sus piezas, mas en su interior estos seres estaban sumidos en un mundo irreal, envuelto de pasiones, deseos, ausencias… incluso impregnados de sucesos extraordinarios, extraídos del lado invisible de la realidad, donde la magia explica todo. Es así como el pintor muestra el mundo de los invisibles, rutinario cuando es observado desde una mirada externa, y sometido en las brumas de la magia, cuando son ellos quien relatan el transcurrir de sus momentos cotidianos.
Ramón Calsina siempre permaneció fiel a este universo, anotando las diferentes imágenes en las que expresaba el misterio de la vida, los sentimientos y creencias que anidan en el alma humana.
Juega con los círculos y líneas, ordenando los paisajes y estancias con su presencia, en cuyo engranaje geométrico incorpora un cromatismo sólido, lo cual incrementa el aspecto grávido de sus personajes, con un resplandor apagado, bajo una luminosidad fría, que promete en su horizonte atisbos de una calidez que se supone.
Las composiciones de Ramón Calsina poseen una profunda inteligencia creativa, expuesta desde una mirada metafísica, con puesta en escena surrealista, donde introduce un conjunto de acertijos visuales, juego en el que implica al espectador, en el que expone el sentido que rige la intimidad de la persona. En éstas aparece el destello inesperado, alógico, símbolo de la magia que altera el ritmo supuesto de las horas.
Esta propuesta constituye una excelente oportunidad para rescatar de las sombras producciones plásticas de calidad, en este caso de Ramón Calsina.