GLORIA MARTÍN EXPONE EN LA GALERÍA BIRIMBAO

 

PLINTO, ZÓCALO, CORNISA

Autora: Gloria Martín. Título: Plinto, zócalo, cornisa. Lugar: Galería Birimbao(Sevilla). Fecha: Hasta el 17 de enero de 2026.

Expone la pintora una obra centrada en el proceso de producción plástica, aquel desarrollado en el estudio, mostrando aspectos que en la finalización de la imagen pasan desapercibidos.

Gloria Martín (Alcalá de Guadaíra, 1980) prosigue con la temática de la pintura vista por sí misma, el trabajo del detalle, plasmando los diferentes momentos de una pieza inacabada.

Reflexiona en su obra sobre aquellos elementos arquitectónicos funcionales, destinados a la decoración de edificios, los cuales pasan desapercibidos a la mirada, que extraídos del conjunto constituyen elementos portadores de una estética sugerente.

Muestra en su obra diferentes figuras, portadoras de una estructura geométrica, acompañadas de alguna evasión caprichosa de líneas o de cromatismo abstracto. No son expresiones plásticas intrascendentes, sino porciones de una realidad que nos envuelve, invisibles, pero potenciadoras en su conjunto de un entorno especial, agradable para descansar, funcional para el trabajo, o destinadas a la decoración externa, símbolo de la idea que se quiere transmitir al ciudadano. Incorpora en su obra un colorido suave, que fluye atractivo a la mirada, oportuno en el medio silencioso con el que se relaciona. La conjunción de líneas y ángulos, simples o en complicada configuración, imprime un ritmo armonioso a las composiciones, acompañado de un fondo cromático que expande con fuerza su ligereza visual. Introduce al espectador en un universo plástico, en el que la razón rompe sus fundamentos para evadirse en la fantasía, imaginación ilógica salvada de la exactitud de las formas, efecto que da alma a su propuesta plástica, dotando de magia al mundo de la artista.

La obra ofrecida por Gloria Martín es singular, basada en un concepto reflejado en expresión impresa.

SOBRE EL LIBRO "MOROS Y CRISTIANOS DE ALDEIRE"

 

MOROS Y CRISTIANOS EN ALDEIRE

En esta época de globalización cultural, son muchas las tradiciones que se van hundiendo en las nieblas de la memoria, perdiendo su presencia en los pueblos, careciendo incluso recuerdo de su existencia.

En España este proceso tomó fuerza en los años sesenta y setenta del siglo pasado, con el auge del desarrollismo, en el cual todo lo antiguo era signo de una nación atrasada, y el mensaje consistía en una asimilación con la cultura industrial que imperaba en Europa. Este proceso tomó más fuerza aún con la migración del campo a las ciudades, donde se produjo un desarraigo cultural, e integración con los nuevos valores de pensamiento social, abonado con la revolución ideológica de las modas y formas de vida tras el 68.

En esta situación las sociedades se encuentran en un proceso de orfandad histórica, con valores vacíos junto a los nuevos sin arraigo en el pasado. Es una situación de pérdida, y desorientación, que afecta a la estabilidad psíquica de la sociedad.

Por ello es importante ahondar en las tradiciones populares del pasado, pues crean vínculos entre los vecinos, une al territorio con sus habitantes, mantiene la memoria de los ancestros, otorga personalidad propia a los pueblos, crea una conciencia colectiva.

Las Fiestas de Moros y Cristianos es un ejemplo de las tradiciones que se están perdiendo, aunque en los últimos decenios van recuperando presencia. Ha resistido, y está recuperando su esplendor, en toda la zona levantina de la península ibérica, así como en su parte oriental.

En el Marquesado del Zenete, como en Las Alpujarras, estas fiestas poseen un carácter y personalidad singular, siendo una celebración que navega desde los siglos pasados hacia el futuro. Une generaciones, distingue particularidades, nos liga a la tradición. Mas no es una celebración sólida en su aspecto, sino que está en plena transformación con el paso de los años, pues va perdiendo parte de su contenido representativo sumando otros nuevos, adaptándose a gustos y genio de sus habitantes. Pero su esencia es imperturbable, no significa la exaltación de un hecho o victoria, pues radica en la comunión de sus habitantes en un rito común, de honda presencia religiosa, que se sustenta aún más en las celebraciones comunales relacionadas con cambios estacionales, júbilo por las cosechas o unión de todos con los antepasados.

El Ayuntamiento de Aldeire ha publicado el libro “Moros y Cristianos de Aldeire. Tradición y vivencias de nuestro pueblo”, editorial Acentuarte, proyecto dirigido, y supervisado, por Manuel Antonio Ruiz García, profesor de Geografía e Historia de Educación Secundaria, quien ha ido reuniendo los textos, e historias antiguas, con la colaboración de los dibujos, de prendas históricas, de Mónica Lorena Espinoza Quintana, y las imágenes de Álvaro Atienza Toribio.

El proyecto dirigido por Manuel Antonio Ruiz García constituye una auténtica joya de cultura antropológica, que enriquece la tradición de estas comarcas y Andalucía.

Ha sido realizado con brillantez expositiva, bien estructurados los textos, en los que se recoge el Auto Sacramental en honor de la Virgen del Rosario, celebrado en esas fiestas, donde intervienen Moros y Cristianos. Es también importante la recuperación histórica de las vestimentas utilizadas, intentando aproximarse lo máximo a su origen, con los añadidos propios que en su desarrollo se han ido acumulando.

Esta obra da mayor identidad al municipio de Aldeire, enriquece la cultura andaluza, y ofrece una fuente interesante para los estudiosos de la antropología social alpujarreña.

Excelente trabajo de Manuel Antonio Ruiz García. 

CASA MADRE, LIBRO DE JOSÉ LUIS ENRÍQUEZ SÁNCHEZ

 

CASA MADRE

Hay novelas que inician su trama sin sobresaltos, en sencillo desarrollo, sin grandes emociones que inciten intensa sujeción al texto, transcurriendo el relato de forma lineal, configurándose unos esbozos sencillos de los protagonistas. Transcurren las palabras, su conjunción en los párrafos, delimitando el campo de acción de la historia que se ofrece en el libro. Mas según discurre la narración, el ritmo de la atención va alcanzando puntos agudos, que van perfilando el posible final, aunque el buen lector siempre se guarda de entregarse a ello, pues espera el truco último del relato.

José Luis Enríquez Sánchez (Campotéjar, 1968) es profesor de Educación Secundaria en el IES Cartuja, de Granada, faceta que compagina con su actividad literaria. Ha publicado en este otoño la novela “Casa Madre”, en Editorial Nazarí, siendo esta su cuarta obra.

Muestra en sus novelas un estilo literario directo, sin artificios sintácticos, que le confiere a sus textos dinamismo, rapidez descriptiva, reflejo de una cualidad sólo apta para los que dominan la técnica narrativa, gracias a lo cual propone un relato ameno, iniciado en un ambiente cotidiano, con personas corrientes y problemas comunes, que avanza en el libro desde una atmósfera intimista, esperando el lector el rumbo en el que va a dirigirse su narración, asentándose en sus líneas en busca de la dirección propuesta por el autor.

Según discurre ésta se va dibujando las peculiaridades de sus personajes, los cuales van uniendo su presencia junto con la protagonista en el trasunto del relato iniciado. Éste se sustenta en la vida académica de un IES rural, la vida diaria en sus aulas, los problemas actuales que deben sufrir los profesores, el tedio de días iguales en la cotidianidad de las clases, que a pesar de ello les significa un sustento vital, ilusión por comenzar de nuevo tras los periodos vacacionales. En este espacio educativo se muestra los afectos que surgen entre el profesorado y sus alumnos, chispa que inicia la trama que da sentido a la obra. En su recorrido va incrementándose el interés, los interrogantes, las suposiciones prendidas en el lector, hasta llegar al final sorprendente en el que desemboca, expuesto con agilidad descriptiva y precisión, cerrando las propuestas sugeridas por el escritor a lo largo de la novela.

José Luis Enríquez Sánchez es un contador de ficciones, ingenioso y ameno, en cuyos párrafos no se perderá el lector sin decaer su interés, consiguiendo que esté intrigado cada vez más por el final del relato, mostrando habilidad literaria en su conclusión. Este escritor posee un buen oficio narrativo, libertad expositiva literaria y amenidad en la historia contada.

CERTAMEN JÓVENES ARTISTAS REALISTAS ESPAÑOLES

 

CERTAMEN JÓVENES ARTISTAS REALISTAS ESPAÑOLES

Obras seleccionadas en el I Certamen Jóvenes Artistas Realistas Españoles, expuestas en Museo del Realismo Español Contemporáneo, hasta el 11 de enero de 2026.

El Primer Certamen Jóvenes Artistas Realistas Españoles, organizado por el MUREC, surge como una apuesta para ayudar a nuevos creadores plásticos. En este concurso colaboran la Diputación de Almería y la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino.

El premio de la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino fue para Isaac Expósito Casado, por su obra “Mis padres”, y el premio Diputación de Almería correspondió a Diego Vallejo García, por “Silencio azul”. Igualmente, por la calidad de las piezas mostradas, se ha concedido la Mención de Honor a Marta Cano Delgado, Pepe Domínguez, Virginia Bersabé y a Maite Pinto Zangróniz.

La obra ganadora, de Isaac Expósito Casado, posee rotundidad visual inicial, que se evanesce en la fría luz de la estancia, cuando la hora vespertina anula el dorado y deja fluir los plomizos grises, conseguido por el pintor expresar como un momento íntimo, recogido, natural, en los leves instantes que se difuminan en la cotidianidad familiar. Sabe captar el sentido del ambiente, la atmósfera de los espacios con economía cromática, venciendo la realidad literal, para expresarla con el color de la escena percibida.

Diego Vallejo García consigue una pieza de hondo calado en la mirada, en la que extrae del momento intrascendente la imagen en acción, propuesta como parte de un soporte audiovisual de un instante grabado. Muestra la neblina de la vida velada por la mirada, ajena al entorno, momentos insignificantes, que salvados del conjunto, abocado al olvido, inducen curiosidad por la conclusión de la imagen propuesta, evocación de relatos que la justifican. Es una obra dinámica, actual, ligada al nervio inferido a la representaciones plasmadas en muros o digitales.

Marta Cano Delgado, nos ofrece una escultura anatómicamente perfecta, vida congelada en el chispazo visual robado a la realidad. Pepe Domínguez es autor de una obra de intensidad expresiva, en la que la geometría marca una impronta potente en la figuración. Posee limpieza expositiva, atemporalidad e impacto en su contemplación.

Maite Pinto Zangróniz presenta un aguafuerte, en el que juega con los contrastes, mostrando un paisaje delicado en el que se refleja sosiego, armonía y tiempo que transcurre en la placidez de los momentos serenos.

Es la obra de Cristina Bersabé una composición de excelente calidad, original en su enfoque, comedida en la aplicación del color, intensa en intencionalidad conceptual.

Excelente muestra seleccionada en este Certamen, que por su calidad promete grandes hallazgos plásticos.

Cristina Bersabé

Pepe Domínguez

Marta Cano Delgado

Maite Pinto Zangróniz

LA UNIÓN, LIBRO DE DANIEL CERVANTES

LA UNIÓN

Llegó a mis manos la obra, recién publicada, de Daniel Cervantes titulada “La Unión”, de la editorial Libros.com, edición que ha podido ser posible gracias a la colaboración de amigos e interesados por la difusión literaria.

El autor es director de cine y montador, con amplia trayectoria en el mundo de la cultura. En este libro el influjo de su profesión ha dejado una patente huella, lo que posibilita que pudiera ser base de un excelente guion cinematográfico.

Esta novela posee ritmo interno, que surge en una entrada desconcertante, desvaída, lenta, recreada en sí misma, ganando fuerza, intensidad, desasosiego, inquietud y tensión narrativa, según avanza su desarrollo. Mantiene la atención, incrementa el interés en el episodio esperado en el capitulo siguiente, ganando densidad narrativa.

No es una pieza lineal, ni sometida a intersecciones atemporales incorporadas para conformar un puzle final, sino que el autor, de forma inteligente, va trazando rasgos sobre la personalidad de la protagonista, en un eterno monólogo interior, navegando por sus pensamientos, unas veces según los cauces de la lógica, como también cuando se internaba en los vericuetos de suposiciones fantásticas, recuerdos, sueños o simplemente en la descripción de instantes placenteros, en la inanidad del tiempo ocioso del vacío de la existencia.

Es una indagación psicológica sobre la personalidad de la protagonista, expuesta desde su yo más íntimo, llegando a profundidades que se confunden con el subconsciente colectivo, donde todos los seres humanos nos podemos reflejar. A través de su protagonista, analiza el entorno donde se desarrolla la historia, extraído su significado para realizar una radiografía del pensamiento que a todos nos invade en este tiempo, nuestros temores y miedos, el vacío existencial ante una realidad que parece no ofrecer nada interesante, la necesidad de ser uno mismo, de recrearse en el yo y nuestras debilidades, comprender el mundo, y la necesidad de seguir siendo uno mismo.

En esta obra se mezclan descripciones reales, abundantes en su inicio, con rememoraciones y pensamientos íntimos, donde el temor, fundado o no, rompe nuestra tranquila cotidianidad. Nos dice que a pesar de los cambios la vida quiere seguir, existir, y adaptarse a su entorno.

Daniel Cervantes, Cádiz, 1993, nos ofrece una pieza literaria fresca, dinámica, de sensaciones profundas, que esconde en cada capítulo una incógnita por descifrar, la cual no deja indiferente al lector.

CHANG YA CHIN EXPONE "EN BUSCA DE EWHA" EN LA GALERÍA PERROTIN DE NUEVA YORK

 

CUANDO EL LEVE RAYO PENENTRA EN LA IMAGEN SIN LÓGICA

La Galería Perrotin, Nueva York, ofrece “En busca de Ewha”, de Chang Ya Chin, hasta el 20 de diciembre de 2025.

Chang Ya Chin ( Hong Kong, 1985) es una artista de inmensa sensibilidad creativa. Desde un perspectiva clásica de la Pintura, aborda la esencia del momento vacío de tiempo en sus bodegones, sometidos a una tenue luminosidad que genera claroscuros, vencida la levedad del rayo que rompe el sosiego imperante en la imagen, añadiendo fluctuación armónica en la escena, suspiro temporal intuido, en el silente paisaje del estudio.

Sobre este sustrato estético la pintora incorpora escenas, y objetos, que alteran la lógica del bodegón clásico, informalidad que dota de tensión a la imagen, por el contrapunto que refleja en el conjunto de la composición, haciendo que prenda en la mirada un cierto desasosiego, por la intriga generada, rompiendo la secuencia lógica del pensamiento, creando una puerta hacia la fuga del instante trascendente, que se evade para mezclarse con el vaivén del tiempo que se esfuma.

Los tonos acogedores, la liviandad luminosa, su precisión en el trazo, paseo delicado por el lienzo para plasmar la imagen condensada de la idea evocada, confiere a la obra de esta artista una singularidad plástica especial, que imprime suave transcurrir en su observación, permanencia insegura, por el gesto intruso de la figura depositada en la configuración del bodegón.

Inteligencia creativa, fina sensibilidad en su observación, y calidad técnica, impulsan un trabajo plástico sumamente interesante.

OBRA DE BHARTI KHER EN LA GALERÍA PERROTÍN

 

LA LUZ ROMPE LA SÓLIDA OSCURIDAD

Bhati Kher presenta en la Galería Perrotín, París, “El sol partiendo piedras”, hasta el 20 de diciembre de 2025.

Las instalaciones artísticas constituyen un recurso frecuente en las expresiones plásticas, siendo necesario en muchas de ellas la presencia de un catálogo, y título, que sitúe al espectador en la trama que se quiere reflejar en ellas. Son pocos lo que consiguen transmitir la esencia de la idea suspendida en la estructura expositiva, expresada en las sensaciones que esta induce.

Bharti Kher es una artista londinense de amplios registros estéticos, que transita por la escultura, pintura e instalaciones en la que conjunta ambas técnicas.

Tras un periodo trabajando la tridimensionalidad en sus piezas vuelve a retomar la pintura, mostrando una obra de profundo significado en el mensaje mostrado. La artista soporta su propuesta en un extenso repertorio simbólico, en el que incorpora mitos ancestrales de la cultura hindú, gestos del pensamiento moderno, fuertemente matizados de feminismo, plasmando en sus composiciones la idea aportada en el titulo que preside esta muestra, El sol partiendo las piedras.

La habilidad técnica de Bharti Kher se demuestra en los signos desprendidos al contemplar su obra, pues el visitante que la disfrute carecerá de ideas metafísicas, y culturales, del concepto previo que define esta propuesta, pero comprenderá sensitivamente el contenido mostrado en ella, donde las esculturas enseñan una imagen contradictoria, de solidez impenetrable, como contraposición a la profundidad visual portada en sus piezas pictóricas. Son ellas para mí las verdaderas protagonistas, acompañadas de la escultura titulada “El alquimista”, en la que representa a una mujer sujeta a la medida, al ojo que todo lo ve, a un orden, simulado en la geometría triangular, buscando encontrarse consigo misma. Es en las piezas pintadas donde esta creadora bucea en los fondos de la conciencia, en un entorno pesado, espeso, de acuerdo a los tonos descansados en ellas, en el que fluyen azarosos símbolos, fuegos dorados que se cuelan como signos del horizonte buscado, extrayendo hacia la realidad de la mirada el universo oculto en las sombras del inconsciente.

EN LA GALERÍA PERROTÍN EXPONE CRISTINA BANBAN

 

PASIONES LORQUIANAS

Título: Lorquianas. Lugar: Galería Perrotin, París. Fecha: Hasta el 20 de diciembre.

Cristina BanBan (1987, El Prat, Barcelona) es una pintora afincada en Nueva York, de amplia trayectoria expositiva y reconocimiento internacional, que ha surgido con fuerza creativa, mostrando una obra intensa y rotunda, singular y directa. Reúne en su estilo el muralismo grafitero, la espontaneidad del gesto, y la transgresión de la armonía gráfica, refugiada en el conjunto de tonalidades que incorporan ritmo a la escenas contenidas en sus piezas. En ellas siempre aparece la mujer, en su intimidad absoluta o en escenas cotidianas.

En esta ocasión, propone la visión radical de la mirada lorquiana del mundo femenino de su época, ofreciendo una perspectiva rebelde, irreverente, de la mujer oculta en el hogar, portadora de pasiones desbordadas, irrefrenables deseos de ser ella misma, libre de convenciones sociales, cercada por un ambiente tradicional agobiante, imperante en el mundo rural profundo. Es por lo que expone Cristina BanBan sus figuras femeninas con ímpetu visual, en sus rotundidades y exuberancias, en un caparazón resignado que guarda un fogoso impulso de libertad, mostrando con su solidez física la fuerza de su presencia, el deseo de ser y traspasar los muros que las retiene. Es una postura rebelde, desafiante, en un ambiente triste y resignado. En los rostros de sus personajes se refleja la tragedia, la mirada perdida, el hondo horror a la oscuridad en la que viven sometidas. Este horror es la transcripción del sentido lírico de Federico García Lorca, en el que marca el dolor de la existencia.

Cristina BanBan recoge estas impresiones y las imprime en su obra, de forma precisa, sin añadidos innecesarios, expuestas con ligereza en su elaboración y densidad sensitiva, cuando se comprende las pasiones portadas por sus personajes. Consigue una perfecta narración del espíritu lorquiano soportado en sus piezas, que actualiza en la forma estética, liberada y desafiante, consiguiendo una obra de original conclusión plástica.

RICARDO GALÁN URRÉJOLA EXPONE EN GALERÍA BENOT

 

TREINTA AÑOS CON BENOT

Autor: Ricardo Galán Urréjola. Lugar: Galería Benot, Cádiz. Fecha: Hasta el 10 de enero de 2026.

La obra de Ricardo Galán Urréjola posee un signo especial que le dota de sobriedad expositiva, intensidad visual, y riqueza conceptual en su contemplación. Aborda en su ejercicio plástico el paisaje de la grandes ciudades, centrándose en sus modernas construcciones, inmensas avenidas, altos edificios y bullicio del tránsito que por sus espacios circula.

Muestra imágenes de varias urbes de la geografía mundial, reduciendo la mirada a la idea de la repetición del paisaje urbano, sólo la diferencia de algunos edificios, los ríos propios del lugar, mas su esencia replica la misma estampa en su ambiente.

Agobio arquitectónico, frío ambiente, transcurrir permanente, dinamismo intrínseco en las arterias que conforman sus calles y avenidas, es la impronta común a todas ellas, dando igual si se está en Nueva York, San Francisco, Chicago, Madrid, París o Londres. El flujo constante, de vehículos y viandantes, es el mismo, en cuya instantánea se percibe la mancha anónima de las personas, el peso en la escena de los vehículos, el caos aparente que se desarrolla entre la solidez inmutable de las grandes construcciones. El anonimato de las personas informa de su insignificancia en la ciudad moderna, que ha olvidado su origen como lugar de convivencia, para convertirse en un medio laboral y de recogimiento aislado, extraídos todos ellos de un entorno más natural, convertidos en números, de acuerdo a una organización utilitarista. Este efecto es acentuado en la obra de Galán Urréjola, con sus trazos gélidos, las neblinas incorporadas, la ausencia de cielos nítidos, todo sometido al peso de un ambiente casi plúmbeo, pero su encuentro genera una primera impresión grandiosa, que se disuelve en su estancia en un bosque de construcciones esquivo y proceloso, si no, en trayectos invisibles a la mirada cotidiana.

El pintor, recrea muy bien en su obra estas sensaciones, componiendo un dibujo rotundo sumergido en una bruma cromática, de preponderantes tonalidades grisáceas. La fuerza del trazo de su paleta infiere impulso en la conclusión incorporada en sus piezas, comprendidas de forma eficaz por los espectadores, generando atracción en su visualización, pues coincide con su existencia cotidiana, o aquella vista desde su olvidada residencia rural.

Además el artista introduce en su obra impresiones enigmáticas, que suscitan curiosidad en el observador, cuando quiere descifrar qué hay en el fondo de la vía pública, o tras un edificio, y en todo caso suma su fantasía en la geografía de la metrópoli, imaginando vidas tras las ventanas, biografías en las manchas ambulantes.

La obra de Ricardo Galán Urréjola es un producto asentado estéticamente, que no deja indiferente al ser apreciada.